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Quiniela Oscar 2012: Participa y gana la banda sonora de Cisne negro

2012-01-24T19:28:00.000+01:00

Ya están aquí las nominaciones a los premios Oscar. Ya llegan los enfados y rabietas por las asuencias de algunos y alegrias por la presencia de otros. Gracias a los Oscar podemos debatir sobre filias y fobias cinéfilas como si de un clásico de futbol se tratara. Por eso Vivir Rodando quiere aumentar un poco el debate creando un concruso entorno a la edición de este año. El ganador se llevará la banda sonora de Clint Mansell de una película que tuvo mucha presencia en los Oscar de 2011, Cisne negro. La ceremonia tendrá lugar en la madrugada del domingo 26 al lunes 27 de febrero.

El proceso es el siguiente:

. Participan once categorías: Película, director, actor principal, actriz principal, actor de reparto, actriz de reparto, guión original, guión adaptado, película animada, película de habla no inglesa y música original.

. A modo de quiniela cada participante deberá enviar el ganador de cada una de las categorías anteriormente citadas. Los nominados a cada categoría están en la parte final de esta entrada.

. Deberá votarse en todas las categorías

. Gana quien tenga más aciertos. En caso de empate se realizará un sorteo entre los participantes con más aciertos.

. Aunque se hayan enviado las votaciones se pueden cambiar hasta el último día de plazo que será el mismo domingo 26 de febrero a las diez de la noche

. El ganador se llevará la banda sonora original de Cisne negro compuesta por Clint Mansell.

Se pueden enviar las votaciones a:

. Al correo de Vivir Rodando (vivirodando@gmail.com)

. Dejando un comentario con tus votos en esta u otras entradas de la web

. En el Twitter / Facebook / Google Plus de Vivir Rodando

Suerte y buen ojo a todos

QUINIELA PREMIOS OSCAR 2012 2

Mejor película

El árbol de la vida

The Artist

Caballo de batalla

Criadas y señoras

Los descendientes

La invención de Hugo
Midnight in Paris

Moneyball: Rompiendo las reglas

Tan fuerte, tan cerca

Mejor director

Alexander Payne (Los descendientes)

Martin Scorsese (La invención de Hugo)

Michel Hazanavicius (The Artist)

Terrence Malick (El árbol de la vida)

Woody Allen (Midnight in Paris)

Mejor actor protagonista

Brad Pitt (Moneyball: Rompiendo las reglas)

Demián Bichir (A better life)

Gary Oldman (El topo)

George Clooney (Los descendientes)

Jean Dujardin (The Artist)

Mejor actriz protagonista

Glenn Close (Albert Nobbs)

Meryl Streep (La dama de hierro)

Michelle Williams (My week with Marilyn)

Rooney Mara (Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres)

Viola Davis (Criadas y señores)

Mejor actor de reparto

Christopher Plummer (Beginners (Principantes))

Jonah Hill (Moneyball: Rompiendo las reglas)

Kenneth Branagh (My week with Marilyn)

Max Von Sydow (Tan fuerte, tan cerca)

Nick Nolte (Warrior)

Mejor actriz de reparto

Bérénice Bejo (The Artist)

Janet McTeer (Albert Nobbs)

Jessica Chastain (Criadas y señoras)

Melissa McCarthy (La boda de mi mejor amiga)

Octavia Spencer (Criadas y señoras)

Mejor guión original

The Artist (Michel Hazanavicius)

La boda de mi mejor amiga (Kristen Wiig y Annie Mumolo)

Margin Call (J. C. Chandor)

Midnight in Paris (Woody Allen)

Nader y Simin, una separación (Asghar Farhadi)

Mejor guión adaptado

Los descendientes (Alexander Payne, Nat Faxon y Jim Rash)

Los idus de marzo (George Clooney, Grant Heslov y Beau Willimon)

La invención de Hugo (John Logan)

Moneyball: Rompiendo las reglas (Steven Zaillian, Aaron Sorkin y Stan Chervin)

El topo (Bridget O'Connor y Peter Straughan)

Mejor película animada

Chico & Rita (Fernando Trueba y Javier Mariscal)

El gato con botas (Chris Miller)

Un gato de París (Alain Gagnol y Jean-Loup Felicioli)

Kung Fu Panda 2 (Jennifer Yuh)

Rango (Gore Verbinski)

Mejor película de habla no inglesa

Bullhead (Michael R. Roskam / Bélgica)

Hearat Shulayim (Joseph Cedar / Israel)

In Darkness (Agnieszka Holland / Polonia)

Monsieur Lazhar (Philippe Falardeau / Canadá)

Nader y Simin, una separación (Asghar Farhadi / Irán)

Mejor música original

The Artist (Ludovic Bource)

Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio (John Williams)

Caballo de batalla (John Williams)

La invención de Hugo (Howard Shore)

El topo (Alberto Iglesias)

La realidad lleva una camisa hawaiana

2012-01-20T13:13:00.000+01:00

Los descendientes
(Alexander Payne 2011)

No es extraño que Los descendientes empiece con el feliz rostro de una persona disfrutando de un viaje en una lancha. Dentro de pocos minutos sabremos que ese viaje ha acabado de forma trágica pero Alexander Payne no nos lo ha mostrado. Eso podría ser a grandes rasgos Los descendientes. El dolor y la tragedia real en off sin estridencias y con personajes de varias capas que no se quedan en la lectura superficial. Vamos más o menos como suele ser la vida. Alexander Payne vuelve después de ocho años de haber logrado un sorprende éxito con la magistral Entre copas. Si obviamos sus pasos televisivos (Hung) y su pieza en Paris je t’aime uno se pregunta el porqué Payne no aprovechó la cresta de la ola para rodar enseguida. La solución la da cada uno de los fotogramas de Los descendientes.

En Los descendientes hay conflictos generacionales, infidelidades y fallecimientos. Los ingredientes propios de un dramón excesivo que en manos de Payne se convierten en retazos de vida. Es encomiable como logra retratar la muerte (o la inminente muerte) dentro del seno de una familia y que el espectador entienda que todo lo que está pasando en la familia de George Clooney podría pasarle a él. Las reacciones de frustración, dolor y reproche ante la pérdida de un ser querido son de las más creíbles que el cine nos ha dado los últimos años. Porque existen los reproches hacia la persona por la que se sufre dando Los descendientes una de las muestras más ejemplares sobre la muerte y sus consecuencias en el cine. Y para ello Payne evita clichés enmarcando una historia en una familia con problemas pero no desestructurada (como casi todas) y en un entorno aparentemente idilico como es Hawai. A pesar de contener algunas escenas muy bellas el director se aleja del cine de postal haciendo que el paisaje hawaiano que tenemos en mente (por el cine principalmente) se funda con la tragedia que pasan unos personajes tan humanos y cercanos. La realidad se viste con camisa hawaiana.

En Los descendientes Alexander Payne crea una historia trágica y emocionante sin necesidad de imposturas y artificios donde el dolor tan es real como soberbias son las interpretaciones de un elenco en estado de gracia

Punto y aparte son las actuaciones. Punto fuerte en el cine de Alexander Payne son las grandes interpretaciones con estupendos actores que ha tenido en su filmografía. Laura Dern, Paul Giamatti, Reese Whiterspoon o Matthew Broderick han ofrecido lo mejor en películas de Payne. Aquí es otra historia. Un gran actor como George Clooney no necesita afearse para despojarse de cualquier tipo de glamour. Con su aspecto de siempre el actor hace un personaje ni bueno ni malo sino un tipo normal que intenta seguir un guión establecido aunque la vida no le deje. Aunque los momentos donde Clooney crece es en sus escenas con la magistral Shailene Woodley enseñándonos una de las relaciones padre / hija más naturales que uno ha visto. Aunque ellos dos se lucen más que ninguno todos están soberbios. Porque Payne no juzga a sus personajes. Hasta los más extremos como los de Robert Forster o Nick Krause tienen sus momentos de redención. En Los descendientes no hay culpables o inocentes. Sólo personas reales sobreviviendo como pueden ante la vida.

Lo mejor: cualquier escena entre George Clooney y Shailene Woodley

Lo peor: que Payne haya tardado ocho año en estrenar

LA RED OPINA

. Las eternas contradicciones de familia (Javier Ocaña, El País)

Como suele ocurrir en Payne, en su puesta en escena se mezcla la naturalidad casi de documental con alguna imagen de impacto (la hija bajo el agua de la piscina) y, en el debe, detalles un tanto pedestres (¡esa única cortinilla!). Pero su escritura siempre es afilada, tanto por su humor como por su amor

. Nueva disección del hombre varado (María Pérez Marín, Tio Oscar)

Lo más importante para mí es el viaje emocional capitaneado por George Clooney que Payne nos obliga a emprender, un viaje que nos descubre o nos ayuda a reconocer lo más importante de la vida, cuáles son esos detalles, pequeños o grandes, que nos distinguen, nos hacen fuertes, buenos, valientes, generosos, respetuosos y, en fin, valiosos

. El paraíso resquebrajado de George Cloooney (Bea Varela, Trailers y estrenos)

La misma finura que se aprecia en la dirección es la que podemos observar en la interpretación de George Clooney, que da lo mejor de sí mismo en los momentos en los que el dolor de su personaje alcanza las cotas más elevadas, y son sus ojos y movimientos los que nos indican lo que el protagonista está sintiendo

The descendants

2011 Estados Unidos 115 min.

Director : Alexander Payne

Guión: Alexander Payne, Nat Faxon y Jim Rash

Reparto: George Clooney, Shailene Woodley, Matthew Lillard, Beau Bridges, Robert Forster

Fotografía: Phedon Papamichael
Montaje: Kevin Tent

Productora: Fox Searchlight Pictures / Ad Hominem Enterprises
Cines: (Alicante) Cinesa Panoramis 3D, Cinebox Plazamar2, Yelmo Cines Puerta de Alicante, Abaco San Vicente, Aana San Juan / (Elche) ABC Elx

/ VR42.5X04 / Programa Vivir Rodando 17 Enero (Oscars I)

2012-01-17T16:57:00.000+01:00

Si estamos a mediados de enero significa que nos encontramos en el punto álgido de la primera parte de la carrera hacia el Oscar. La búsqueda de las nominaciones a la estatuilla dorada por parte de productores, actores, técnicos... Aunque el martes 24 de febrero saldremos de duda de cuales serán las películas afortunadas antes Vivir Rodando ejercerá de pitoniso e intentará saber las nominadas. El programa 42 de Vivir Rodando hablará sobre la carrera hacia el Oscar y sobre las películas que podrían ser protagonistas de las nominaciones la semana que viene. Para ello estará colabora por cuarto año consecutivo uno los grandes gurús del cine en la red como es Nacho Gonzalo (@LoQueYoTeDiga) de la imprescindible web sobre cine Lo Que Yo Te Diga.

Para escuchar o descargar el programa pincha en:

. VR42.5X04 Programa Vivir Rodando 17 Enero 12 (Oscars I)

En el frío terreno del best seller

2012-01-15T12:38:00.000+01:00

Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres
(David Fincher 2011)

El material que tenía David Fincher en sus tres últimas y prestigiosas películas era excelente. En Zodiac contó con un minucioso guión de James Vanderbilt, El curioso caso de Benjamin Button con F. Scott Fitzgerald y en La red social con Aaron Sorkin. Gracias a ellas Fincher se había ganado una etiqueta de “director de calidad” que le había llevado al olimpo de los grandes. Y, de repente, en una jugada inesperada el director “de prestigio” asume la labor de llevar a la gran pantalla el best seller por excelencia sabiendo que en esta ocasión el material con el que juega es inflamable. Quizá eso no deba extrañar del todo ya que David Fincher vuelve al territorio de la oscuridad sin paliativos, al thriller postmoderno que llevo a que todo el mundo conociera su nombre. Y Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres demuestra que en ese terreno se mueve como pez en el agua.

Independientemente de su origen David Fincher ha querido tratar Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres como un trabajo igual de importante que Zodiac o La red social. La película es minuciosa y detallista hasta lo obsesivo haciendo creer al espectador que está viendo algo importante. Aunque de forma externa la película parece que se toma su tiempo su ritmo interno es imparable haciendo que entres y que te creas la historia. Por eso la forma de Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres se convierte en su principal aliado para que un proyecto que tiene más de una pata coja. La asfixiante y apropiada música de Trent Reznor y Atticus Ross, la fotografía de Jeff Cronenweth, estar rodada en Suecia...al igual que en La red social el compenetrado trabajo de varios personas logran que el conjunto final sea compacto e incluso coherente en una historia que, a veces, se antoja gratuita. Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres tiene apuntes interesantes como conocer los entresijos oscuros de esa Suecia idealizada por todos (como cuando un antiguo nazi le reconoce que es el más honesto de los suecos por no ocultar su pasado) o conoces los entresijos menos glamourosos de la profesión periodística. El problema es que esto no son más que borrones en una historia que cae enseguida en lo fácil yéndose a asesinos en serie a la que se suman citas bíblicas que hacen perder el interés por el argumento (que no por la película). Y luego está Lisbeth Salander.

David Fincher se mueve como pez en el agua en un thriller tan depresivo como deslumbrante a pesar de su argumento imposibe y trillado de la que destaca la poderosa presencia de Rooner Mara como Lisbeth Salander

Lo que no se le puede reprochar a Stieg Larsson es haber creado uno de los grandes personajes de la cultura popular de los últimos años. Aquí Rooney Mara (bendito casting) le da voz, alma y especialmente forma de una manera ejemplar. Torturada y oscura pero a la vez con una gran (y medida) carga sexual Mara hace suya la película haciendo que su compañero Daniel Craig / Mikel Blomkvist sea un muñeco soso que sólo sirve de acompañamiento a la verdadera estrella que es Rooney Mara / Lisbeth Salander. Con ella todas los elementos prescindibles y gratuitos de la película se olvidan. Obviando un final algo estirado Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres es una película ejemplar y el gran ejemplo de un trabajo (en equipo) bien hecho. Muchas grandes películas (y obras maestras) se han hecho con argumentos imposibles y se han disfrutado igual. Por suerte el cine tiene multiples caminos para que el espectador pueda disfrutar.

Lo mejor: Rooney Mara y la obsesión por el detalle de David Fincher

Lo peor: la progresiva pérdida de interés por su argumento

LA RED OPINA

. Flor del Mal (Diego Salgado, Miradas de cine)

A cargo de David Fincher, las investigaciones de Lisbeth y el periodista Mikael Blomkvist tienen un calado mayor en todos los aspectos al que manifestaron en las novelas de Larsson y la adaptación de Los hombres que no amaban a las mujeres realizada hace dos años por Niels Arden Oplev. La superioridad simplemente gramatical es abrumadora

. Notable obsesión (Sergi Sánchez, La Razón)

Daniel Craig mejora sensiblemente la rutinaria interpretación de Michael Nyqvist; la elegancia de la puesta en escena –y, en especial, del expresivo diseño de sonido, fantástico en el clímax– está varios puntos por encima de la atonía formal de los «thrillers» de multisalas, y Rooney Mara está a la altura del excelente trabajo de Naomi Rapace en la primera versión

. La mujer que pedía permiso (Salvador Llompart, La Vanguardia)

Fincher, el director de la nueva versión cinematográfica de la obra de Stieg Larsson, afronta su trabajo como afrontó Zodiac o La red social;con fría eficacia. Interesado en lo que hacen los personajes, en el procedimiento, más que en sus sentimientos. Su maestría de director es meditada, cerebral, trabajada. No deja nada al azar. Cualquier pequeño movimiento de cámara, cualquier toma, tiene su significado. Porque en Fincher todo es necesario. Y así consigue otra vez un relato sin grasa, nervudo, musculoso, que vemos como si fuera la primera vez aunque nos sepamos la historia de memoria

The girl with the dragon tattoo

2011 Estados Unidos 158 min.

Director : David Fincher

Guión: Steve Zaillian

Reparto: Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer, Stellan Skarsgard

Música: Trent Reznor y Atticus Ross

Fotografía: Jeff Cronenweth

Productora: Columbia Pictures / Scott Rudin Productions / Yellow Bird Films
Cines: (Alicante) Cinesa Panoramis, Cinebox Plazamar2, Yelmo Cines Puerta de Alicante, Abaco San Vicente, Aana San Juan / (Elche) ABC Elx

Isla de Zombies

2012-01-12T11:56:00.000+01:00

Juan de los Muertos
(Alejandro Brugués 2011)

En el pasado festival de Sitges todo el mundo esperaba con ganas Juan de los Muertos. Cuando se habla más que nunca del aperturismo democrático en Cuba esta película de muertos vivientes en una isla que ya tiene algunos en la vida real apetecía mucho. Y la película cumple lo prometido tanto en lo social, lo terrorífico y lo cómico. Juan de los Muertos juega con divertidos diálogos sobre esa Cuba castrista anclada en el pasado pero que mira con recelo a un posible futuro “salvador y democrático”. Uno de los puntos fuertes de la película de Alejandro Brugués es que es una película “muy cubana” y sabe jugar de manera afortunada el contexto del país con el terror y la comedia. Pero Juan de los Muertos no pretende ser alta comedia. La película juega en el terreno de la comedia más chusca con humor de sal gorda y allí es adonde poco a poco va girando Juan de los Muertos.

Tras una buena primera parte donde hemos podido disfrutar del humor social y grueso y haber comprobado una buena factura técnica la película poco a poco va perdiendo carisma. Juan de los Muertos se apoya en su totalidad el carisma de un excelente Alexis Diaz de Villegas que está perfecto como picara superviviente que como buen cubano sabe que sobrevivir es lo más importante de todo. El equipo (basura) que le acompaña poco a poco va cayendo en lo obvio hasta hacerse molesto en el transcurso film y todo lo remata el prescindible y flojo personaje de la hija del protagonista (Andrea Duro) que es un lastre para la película. Sólo la aparición yankee de Antonio Dechent logra levantar un poco el ánimo en el tercio final. Es una pena que Brugués no se atreviera a hacer un El último hombre...vivo donde Díaz de Villegas luchará contra zombies, castristas y yankees. Quizá la película no hubiera tenido ese sabor irregular (pero aun así satisfactorio) que deja.

*Juan de los Muertos se pudo ver en 44 Festival Internacional de Cinema de Catalunya

Lo mejor: Alexis Díaz de Villegas

Lo peor: su progresiva caida en la sal gorda

. Por una Cuba...libre de zombis (Rubén Romero, Público)

Así como sus paisanos del Trío Matamoros encerraba en sus melosos boleros furibundas críticas a Batista, Brugués plasma en una desenfadada película de género sus deseos reformistas

. Zombies de la revolución (Martín Morales, MM Críticas)

Una cinta que mimetiza un genero explotado casi hasta el cansancio por Estados Unidos, pero que logra destacarse por ser auténtica al lugar donde se desarrolla. Una correcta película con zombies cubanos.

. Una divertidísima comedia de zombies (Rafael Calderón, Cineralia)

Los guiños a los clásicos del cine de terror son otro de los ejes de la trama, referencias a ‘Nueva York bajo el terror de los zombies’ de Lucio Fulci, hasta Sam Raimi y su ‘Posesión Infernal’, pasando incluso por el ‘Tiburón’ del maestro Spielberg, dejan claro las fuentes de las que bebe Brugués y su amor y respeto por el género

Juan de los Muertos

2011 España / Cuba 100 min.

Director : Alejandro Brugués

Guión: Alejandro Brugués

Reparto: Alexis Días de Villegas, Jorge Molina, Andrea Duro, Andros Perugorría, Jazz Vila

Música: Sergio Valdés

Fotografía: Carles Gusi

Montaje: Mercedes Cantero

Productora: Producciones de la 5ta Avenida / La Zanfoña Producciones / Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficas / Canal Sur / Televisión Española
Cines: (Alicante) Ábaco San Vicente 3D

La carrera hacía el Oscar llega a su fin (Programa 42 Vivir Rodando 17 Enero 2012)

2012-01-05T18:34:00.000+01:00

Las primeras semanas de 2012 saben a Oscar. Se dan los Globos de Oro, premios de asociaciones y críticos... todo para que un puñado de películas lleguen con posibilidades a las nominaciones de los premios de la Academia que se darán a conocer el 24 el próximo enero. Una semana antes de esa fecha límite Vivir Rodando dedicará su próximo programa a la carrera hacia el más ansiado premio dorado. Por cuarto año consecutivo Nacho Gonzalo (@LoQueYoTeDiga) de Lo Que yo Te Diga será el invitado del programa para iluminarnos sobre cuales son las películas que parten con ventaja para ser nominados. Tras un año generacional (algo roto por el triunfo final de El discurso del rey) la carrera se encuentra más igualada e imprevisible que nunca. El 17 de enero en el programa 42 de Vivir Rodando quizá obtengamos alguna respuesta.

Lo mejor de 2011 (V): Las mejores películas de 2011. "Drive", de Winding Refn mejor película del año

2011-12-31T17:44:00.000+01:00

DRIVE (Nicolas Winding Refn)

2. CISNE NEGRO (Darren Aronofsky)

3. EL TOPO (Tomas Alfredson)

4. WINTER'S BONE (Debra Granik)

5. MELANCOLÍA (Lars Von Trier)

6. UNA MUJER EN ÁFRICA (Claire Denis)

7. CÓDIGO FUENTE (Duncan Jones)

8. LA PIEL QUE HABITO (Pedro Almodóvar)

9. SOMEWHERE (Sofia Coppola)

10. EL ÁRBOL DE LA VIDA (Terrence Malick)

Para muchos 2011 es el preludio de algo parecido al infierno. Si en muchos aspectos el mundo ya parecía sombrío este año que nos deja no ha hecho otra cosa que acrecentar esa sensación. Por eso las mejores películas del año 2011 para Vivir Rodando tienen ese tono oscuro, triste o melancólico que ha contagio un año que no será precisamente para enmarcar. Aunque la apabullante Drive sea un potente thriller neo-noir también es una maravillosa historia sobre un hombre condenado a vagar solo para siempre. Todo enmarcado en una serie de imágenes e iconos (la chaqueta escorpión, por ejemplo) que la convierten en un futuro clásico referencial para una generación. Si el personaje de Ryan Gosling es complejo no menos lo son los de Natalie Portman en Cisne negro o Gary Oldman en El topo. Dos películas oscuras, tristes y deslumbrantes que han servido para que sus creadores (Darren Aronofsy y Tomas Alfredson) den un paso de gigante como creadores.

La sorpresa ha sido Winter’s bone que a pesar del efecto Oscar no ha sido todo lo reconocida que se merecía. La película de Debra Granik es tan dura como sutil. Nunca olvidaremos a ese John Hawkes tocando el banjo al final de la cinta. Es curioso que en un año difícil una de las películas más bellas haya sido la que mostraba el final del mundo. Aunque Melancolia es tan dura como cualquier Von Trier hay en ella muchísima belleza y emoción. También será imposible olvidar a Kirsten Dunst y su traje de novia. Como imposible quitarnos de la menta a esa Isabelle Huppert agarrada a un África que se despedaza en esa maravilla que fue Una mujer en África. Otra película cruda pero hermosa en sus imágenes y sonidos. La primera película de Denis estrenada en España. De vergüenza.

Un soplo de aire fresco (aunque no sea una película luminosa) fue esa joya de ciencia ficción llamada Código Fuente. Duncan Jones se maneja en el género como pez en el agua y es un alivio tenerle como encargado de la mejor sci fi para productos venideros. Aunque para originalidad 2011 era el año perfecto para que Almodóvar se asomara al thriller. ¿Era La piel que habito una película de género? Era eso y más. Melodrama, terror, drama a secas... Almodóvar en su momento nos hizo disfrutar con una de sus películas más arriesgadas y sorprendentes. Y hablando de la soledad en que vive el hombre hoy en día no puede haber mejor ejemplo que el Stephen Dorff de Somewhere. Sofia Coppola vuelve a enseñarnos el vacio del ser humano con su ojo particular ojo estético. Y cierra esta lista una película que ha hecho correr ríos de tinta este año. El árbol de la vida ha sido objeto de opiniones de todo tipo. Creo que todo el mundo debería agradecer a Terrence Malick haber creado algunas de las imágenes más apabullantes que se han visto en una sala de cine en años. Y todo para hacer uno de los mejores análisis sobre la familia y el crecimiento interior de las personas que se han hecho en el cine. Sólo podemos despedir el 2011 y decir hola a 2012 con las imágenes de Malick en la mente. Tanta belleza es lo único que nos puede dar esperanza.

También fueron grandes películas: Attack the block / Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio / Los amos de Brooklyn / Beginners (Principiantes) / El demonio bajo la piel / Un dios salvaje / Eva / El hombre de al lado / Un método peligroso / Midnight in Paris / Potiche, mujeres al poder / Senna / Tournée / Hanna / Super 8

En años anteriores

2010 - La red social (David Fincher)
2009 - La clase (Laurent Cantet)
2008 - Tropic Thunder (Ben Stiller)
2007 - Zodiac (David Fincher)

2011

Mejor película: Drive (Nicolas Winding Refn)

Top 10: Drive / Cisne negro / El topo / Winter's bone / Melancolía / Una mujer en África / Código Fuente / La piel que habito / Somewhere / El árbol de la vida

Mejores interpretaciones: Ryan Gosling (Drive) / Natalie Portman (Cisne negro)

Mejor película según los seguidores de Vivir Rodando: Midnight in Paris (Woody Allen)

Lo mejor de 2011 (IV): Interpretaciones de cine en 2011. Ryan Gosling ("Drive") y Natalie Portman ("Cisne negro")

2011-12-28T17:32:00.001+01:00

1. Ryan Gosling (Drive)

2. Casey Affleck (El demonio bajo la piel)
3. Gary Oldman (El topo)
4. Patrick Fabian (El último exorcismo)
5. Daniel Aráoz (El hombre de al lado)

También fueron grandes interpretaciones: Alex Shaffer (Win Win (Ganamos todos)), Andre Marcon (El último verano), Antonio Banderas (La piel que habito), Brad Pitt (El árbol de la vida), Christoph Waltz (Un dios salvaje), Christopher Plummer (Beginners (Principiantes)), Danny McBride (Caballeros, princesas y otras bestias), Don Cheadle (Los amos de Brooklyn), Dwayne Jonson (Sed de venganza), Ethan Hawke (Los amos de Brooklyn), Ewan McGregor (Beginners (Principiantes)), Hunter McCraken (El árbol de la vida), Jake Gyllenhaal (Código fuente), James Franco (127 horas), Jan Cornet (La piel que habito), Jean Dujardin (The artist), Joaquin Phoenix (I’m still here), John Malkovich (RED), John C. Reilly (Convención en Cedar Rapids), John Hawkes (Winter´s bone), , John Boyega (Attack the block), John C. Reilly (Un dios salvaje), José Coronado (No habrá paz para los malvados), Julián López (No controles), Justin Timberlake (Con derecho a roce), Kiefer Sutherland (Melancolía), Kiko Rivera (Torrente 4: Lethal Crisis), Mark Ruffalo (Los chicos están bien), Mathieu Almaric (Tournée), Michael Fassbender (Un método peligroso), Paul Giamatti (Win Win (Ganamos todos)), Rafael Spregelburd (El hombre de al lado), Ricardo Darín (Un cuento chino),Richard Gere (Los amos de Brooklyn), Santiago Segura (Torrente 4: Lethal Crisis), Sergio Castellito (El último verano), Stephen Dorff (Somewhere), Viggo Mortensen (Un método peligroso), Vincent Cassel (Un método peligroso), Yon González (Torrente 4: Lethal Crisis)

1. Natalie Portman (Cisne negro)

2. Catherine Deneuve (Potiche)
3. Saoirse Ronan (Hanna)
4. Kirsten Dunst (Melancolía)
5. Miranda Colclasure (Tournée)

También fueron grandes interpretaciones: Amy Ryan (Win Win (Ganamos todos)), Annete Bening (Los chicos están bien), Barbara Hershey (Cisne negro), Blythe Danner (Paul), Cameron Diaz (Bad teacher), Catte Blanchet (Hanna), Charlotte Gainsbourg (Melancolía), Claudia Vega (Eva), Elena Anaya (La piel que habito), Elle Fanning (Somewhere / Super 8), Isabelle Huppert (Una mujer en África), Jane Birkin (El último verano), Jennifer Lawrence (Winter’s bone), Jessica Chastain (El árbol de la vida), Jodie Foster (Un dios salvaje), Julianne Moore (Los chicos están bien), Kate Winslet (Un dios salvaje), Keira Knightley (Un método peligroso), Lucy Punch (Bad teacher), Marisa Paredes (La piel que habito), Mélanie Laurent (Beginners (Principiantes)), Mila Kunis (Cisne negro / Con derecho a roce), Ni Yan (Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos), Vera Farmiga (Código fuente)

En años anteriores...

2010 - Joaquin Phoenix (Two lovers) / Emma Stone (Rumores y mentiras)
2009 - Frank Langella (El desafío. Frost contra Nixon) / Charlotte Gainsbourg (Anticristo)

Lo mejor de 2011 (III): Midnight in Paris, mejor película para los seguidores de Vivir Rodando

2011-12-26T12:52:00.001+01:00

Ha llegado la hora de que los seguidores y amigos de Vivir Rodando dicten sentencia sobre sus películas favoritas de 2011. Y el principal ganador ha sido un nombre que nos ha acompañado durante estos últimos cuarenta años y que ha se ha convertido en un importante estandarte de la cultura popular reciente. Midnight in Paris de Woody Allen ha sido la película que más ha gustado en 2011 a los seguidores de Vivir Rodando. Acusado algunas veces (en mi opinión de manera injusta) de haber perdido su toque Woody Allen quiso recuperar su fervor popular con una historia tan divertida e imaginativa como melancólica y, en el fondo, triste. El Paris de Owen Wilson, Marion Cotillard, Ernest Hemingway, Salvador Dalí o Luis Buñuel ha enamorado al público este 2011.

Los seguidores han demostrado tener gusto por los creadores imaginativos, arriesgados y, a veces, crueles. Melancolía ese fin del mundo según Lars Von Trier ha quedado en segundo lugar en dura pugna con Midnight in Paris. Y no se ha quedado ahí la exigencia del público. Pegada a Melancolia está La piel que habito ese Almodóvar que ha mezclado de manera genial el thriller, el terror y el melodrama. Y un escalón más abajo está la (quizás) obra maestra de Darren Aronofosky su Cisne negro de ecos polanskianos. Está demostrado que en 2011 han calado en la gente historias oscuras con una gran mezcla de pesimismo y belleza.

En otro grupo han calado excelentes películas con gran tirón popular aunque sea desde una sana polémica como en el caso de Terrence Malick. El árbol de la vida, The artist, Beginners, El origen del planeta de los simios y Super 8 han convencido a los seguidores de Vivir Rodando. Viendo este listado de maravillosas películas uno entiende que en un año terrible el cine puede salvar (en parte) a la gente.

MEJORES PELÍCULAS DE 2011 SEGÚN LOS SEGUIDORES DE VIVIR RODANDO

13 Votos

Midnight in Paris

11 Votos

Melancolía

10 Votos

La piel que habito

9 Votos

Cisne negro

5 Votos

El árbol de la vida / The artist / Beginners (Principiantes) / El origen del planeta de los simios / Super 8

4 Votos

Criadas y señoras / Valor de ley

3 Votos

Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio / La boda de mi mejor amiga / Un dios salvaje / Drive / Eva / Margin Call / Mientras duermes / Nader y Simin, una separación / Nunca me abandones / También la lluvia / La voz dormida

2 Votos

Attack the block / Blackthorn. Sin destino / Chico y Rita / Código fuente / Contagio / En un mundo mejor / Harry Potter y las reliquias de la muerte. Parte 2 / Jane Eyre / Un método peligroso / El niño de la bicicleta

1 Voto

127 horas / Another year / Arrietty y el mundo de los diminutos / Caballeros, princesas y otras bestias / Capitán Trueno y el Santo Grial / La cara oculta / Los chicos están bien / Cinco metros cuadrados / The company men / La deuda / The fighter / Hanna / Howl / El inocente / Inside job / José y Pilar / Mercado de futuros / La mitad de Óscar / No controles / No habrá paz para los malvados / No tengas miedo / One day / Pequeñas mentiras sin importancia / Pina / Potiche, mujeres al poder / Rango / Somewhere / Tokio Blues / El topo / Winter's bone / Win Win (Ganamos todos)

Esta lista se ha elaborado gracias a los votos de:

Alberto Pérez Castaños (@albertoperezc), Amparo Ferrando (@AzulNuclear), Ángeles Gómez (@EspacioFeedback), Antonio Sempere, Beatriz Bonal (@beabonal), César Cornejo (@Ahoraquepienso), Elisa Riquelme, Email_Galicia, Esperanza Gómez (@focus_light), Hugo Rodríguez Zapata (@huroza), Inma Pilar (@rodasons), José Carlos Lledó (@VivesLledo), Lourdes Rocamora, Marcos Gómez, Mario Bernal, Miguel Artiaga (@Miguel_Artiaga), Nacho Gonzalo (@LoQueYoTeDiga), Patricio Vidal (@patrickvid), Roberto Pascual (@Roberto_Pascual), Tania Baeza (@undiamasconvida), Rafa Simons (@RafaQPH), Vic-Tor Yorke, Xalons

Gracias por la colaboración

En años anteriores

2010 - Origen (Christoper Nolan)
2009 - El curioso caso de Benjamin Button (David Fincher) / Déjame entrar (Tomas Alfredson) / Los mundos de Coraline (Henry Selick) / El secreto de sus ojos (Juan José Campanella)

Lo mejor de 2011 (II): / VR41.5X03 / Programa Vivir Rodando 24 Diciembre 11 (Resumen 2011)

2011-12-24T17:56:00.000+01:00

Aunque miremos con recelo a 2012 no creo que nadie vaya a echar de menos a 2011. El mundo y especialmente sus dirigentes no han vivido su mejor época y el mundo ha sido un lugar menos agradable donde vivir. Parece ser que el cine se ha contagiado de ese clima extraño y ha vivido doce meses ni buenos ni malos. Como siempre han convivido obras maestras con estrenos prescindibles pero no ha sido un año especial como si lo fue 2010 donde muchos nuevos maestros llamaron a las puertas. Aun así el cine es tan grande que puede con los tiempos tenebrosos en los que estamos y nos regala grandes historias que tenemos rescatar. El programa 41 de Vivir Rodando versará sobre las películas favoritas de este 2011 que nos dice adiós. Para ello estará en el programa el periodista, escritor y crítico cinematográfico Antonio Sempere que detallará sus films favoritos del año. De resumen y cierre en Vivir Rodando.

Para escuchar o descargar el programa pincha en:

. VR41.5X03 Programa Vivir Rodando 24 Diciembre 11 (Resumen 2011)

Lo mejor de 2011 (I): 2011, momentos de cine para el recuerdo

2011-12-21T10:15:00.001+01:00

. El número final de Natalie Portman en Cisne negro

. La interpretación crepuscular y depresiva de Richard Gere en Los amos de Brooklyn

. La grandes dosis de mala leche de Bad teacher

. El asfixiante duelo de Rafal Spregelburd y Daniel Aráoz en El hombre de al lado

. La chaqueta escorpión de Ryan Gosling en Drive

. Cualquier imagen de Una mujer en África o El árbol de la vida

. Lo sano que es ver películas tan desvergonzadas y divertidas como Piraña 3D

. El demoledor inicio de No habrá paz para los malvados

. “Soy Vicente” en La piel que habito

. El momento medallón en Super 8. Muy pensado pero emocionante al fin y al cabo

. La profundidad de los diálogos de Un método peligroso

. El doloroso duelo actoral entre Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg en Melancolia

. El plano secuencia / persecución en Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio

. El esfuerzo físico de James Franco en 127 horas

. John Hawkes tocando el banjo en Winter's bone

. Adrien Brody como Salvador Dalí en Midnight in Paris

. El excelente trabajo de Asif Kapadia en Senna montando un apasionante documental sólo con imágenes de archivo

. La mejora de Torrente 4: Lethal Crisis respecto a su predecesora. Y la sorprendente aparición de Kiko Rivera

. Jean Dujardin hundiéndose en las arenas movedizas en The Artist

. El fin del fin en Melancolía

Nostalgia a medias

2011-12-17T11:39:00.002+01:00

The Artist
(Michael Hazanavicius 2011)

The Artist, una película en blanco y negro, muda y de cien minutos, está causando un revuelo considerable. Premio en Cannes, multitud de galardones de la crítica norteamericana, candidata número uno a los próximos Oscars...Achacarlo todo a una acertada promoción de los temibles hermanos Weinstein sería injusto. Debe haber algo más en esta película dirigida Michael Hazanavicius. The Artist tiene el mértio de querer homenajear de manera inteligente no sólo al cine mudo sino al nacimiento y auge de lo que conocemos como industria del cine. Hazanivicius trenza una modélica historia sobre una estrella del cine mudo que pierde su condición y privilegios con la llegada del cine sonoro. Sabedor del delicado material que tenia el director francés logra algo muy complicado hacer que cualquier hijo de vecino pueda entender (y a veces emocionarse) con una película con unos requisitos, en principio, muy exigentes.

Por eso el éxito popular de The Artist debe ser motivo de alegria.Otra cosa es que uno entienda que a veces la película parece estar hecha con calculadora. A The Artist se le debería pedir alegría, emoción y libertad pero esos tres elementos (que los tiene la cinta) no logran traspasar la pantalla todo lo que a uno le gustaría. Viendo la película a uno le gustaría que hubiera un estallido que no llega a pasar por cierto enconsertamiento formal que sufré. Y aun así Hazanavicius logra momentos magistrales como su inicio, el momento en que Dujardin está siendo engullido por las arenas movedizas o las conseguidas escenas de rodaje... Capitulo aparte merece la prodigiosa interpretación de Jean Dujardin de la que depende mucho el resultado final del film. Él con su carisma, talento y credibilidad (en una película donde es complicado tenerla) arrastra la película hacia su terreno. The Artist es George Valentin / Jean Djuardin. Al final The Artist es un poco como el perro de Valentin. Te gusta, te cae bien y quieres que le salgan las cosas pero, a veces, quiere ser demasiado perfecta.

Lo mejor: Jean Dujardin

Lo peor: a veces parece estar hecha más con la cabeza que con el corazón

. Obra maestra donde sobran las palabras (Luis Miguel Domínguez, Trailers y Estrenos)

Es la película del año, no dejéis de verla. Es una auténtica gozada desde el primer minuto hasta el último. Nunca habéis visto nada igual. Es una obra maestra, es una joya visual como nunca antes habías visto. Solo puedo terminar diciendo: I love The Artist

. Mucho más que una buena película (Pablo López Muñoz, Tío Oscar)

Porque el homenaje no se queda en la superficie de la técnica únicamente, el homenaje se transmite a la narración y se producen unos maravillosos momentos de experimentación con el lenguaje, de licencias en la narración y de juego con el espectador que hacen cómplice al público enseguida, metiéndoselo en el bolsillo durante toda la proyección. Una traviesa delicia cinematográfica que, como hasta ahora ha resultado, no ha dejado a nadie indiferente

. Grandioso homenaje a la magia del cine mudo (Alberto Quintanilla, Tras las puertas)

The Artist es un grandioso homenaje a la magia que destilaban aquellas películas y un canto al amor, la futilidad del éxito (puede ser efímero y depender de múltiples circunstancias…) y sobre todo al CINE (así, con mayúsculas)

Voz del Exterior dedica su programa a la actriz y cantante Jane Birkin

2011-12-15T23:30:00.002+01:00

Si uno bucea por Internet buscando fotos de la actriz y cantante Jane Birkin puede perderse por la ingente cantidad de material que puede encontrar. Las películas, discos y su propia personalidad hicieron de Birkin un icono de una época concreta (60-70). Todos recordamos su inolvidable a aparición en una película tan significativa como Blow-Up de Antonioni que ya marcaba que Jane Birkin era alguien especial. Dada su importancia el programa Voz del Exterior (espacio dedicado a la figura de Serge Gainsbourg) le ha dedicado un espacio entero a su figura. Su relación con Gainsbourg, su música, sus películas... una hora para hablar (y escuchar) a una actriz que ha pasado de ser una imagen sensual de nuestra historia reciente a parecer una vieja colega. Pocas mujeres han sabido envejecer con tanta clase y humor. Jane Birkin, el objeto de deseo, la madre de Charlotte Gainsbourg, la actriz (La piscina, La bella mentirosa, On connaît la chanson, El último verano)...en Voz del Exterior.

Para escuchar o descargar el programa pincha en:

. Programa Voz del Exterior (Jane Birkin)

Invasiones sociales

2011-12-07T16:11:00.001+01:00

Attack the block
(Joe Cornish 2011)

Siempre es un peligro cuando una película baja a los llamados “suburbios” e intentar realizar una radiografía de las clases menos favorecidas de un país. A veces nos encontramos con arquetipos superficiales victimas seguramente de un trabajo de documentación e investigación bastante escaso. En ese aspecto Attack the block es una maravillosa sorpresa. Los personajes, el ambiente, el bloque...todo refuma realidad social de la verdad y sus jóvenes protagonistas podrían salir en alguna canción de The streets. Su actitud, sus acentos o su forma de comportarse (destacando el sólido protagonista John Boyega) dotan a Attack the block de un realismo que logran que ese bloque te sea absolutamente cercano. Y todo esto en una película que no deja de ser un film de ciencia ficción puro sobre invasiones alienígenas.

Sorprende que Attack the block sea el debut en la dirección de Joe Cornish. Su pulso y su narración es firme no dejando ningún cabo suelto ni cayendo en gracietas absurdas que se podrían esperar. Destaca la escena llena de humo en un planta muy complicada de realizar y que el director resuelve espectacularmente. Cornish respeta tanto a sus personajes que les da entidad y logra que la invasión alienígena no deje de ser un daño colateral en la cinta. Por eso Attack the block es una película especial. Ese bloque castigado que convive con la violencia o las drogas ahora debe hacerlo con una invasión alienígena y en manos de Cornish todo se convierte en algo coherente y creíble. Caso aparte está el gran trabajo de música, producción o montaje que convierten a Attack the block en un pequeño espectáculo trepidante que jamás baja su magnifico ritmo interno. En Attack the block se habla de invasiones alienígenas pero también de invasiones sociales. El bloque es como un apartheid en Londres donde ni una invasión alienígena logra que interese al resto de la ciudad. Un espectáculo con conciencia.

*Attack the block se pudo ver en el 44 Festival Internacional de Cinema de Catalunya donde ganó el Premio Especial del Jurado, el Gran Premio del Público, el Premio de la Crítica y el de mejor banda sonora original

Lo mejor: la recreación del bloque

Lo peor: se hace corta

. Terror en el polígono (Beatriz Maldivia, Blog de cine)

La posibilidad de resultar un film mayor se queda en la faceta social con una crítica evidente, pero no por ello menos acertada, que se coloca en forma de paranoia del protagonista, pero que no se aleja de la realidad tanto como suelen estar otras teorías de la conspiración

. Cayeron en el barrio equivocado (Samdra, Almas Oscuras)

El director y guionista convierte a Attack the Block en algo atípico y por ello seductor al alejar a sus ovnis del Pentágono y redireccionarlos hacia los suburbios de Londres substituyendo a Mulder y Scully por una banda callejera de quinceañeros más chulos que un ocho

. Espejo de la comedia británica moderna (Paco Silva Martínez, The Cinefagos)

Como decía, la cinta sigue la tradición de las comedias británicas modernas, sin mayores sobresaltos, para el disfrute del público gracias a las constantes dosis de acción, sustos y comentarios graciosos típicos de este tipo de producciones

Opiniones de cine / Series de cine : Mad Men, la cara de una misma moneda (II). Por Patrick Vidal

2011-12-04T16:34:00.001+01:00

Lujos y detalles. Se nos muestra el lujo como esencia, donde parece que en la Avenida Madison en Nueva York es donde subyace la Roma del mejor y más potente imperio. Los vicios están presentes en cada uno de los capítulos, y de aquí una de las grandes y decisivas virtudes que posee Mad Men, y que responde a lo que ya se ha dicho más arriba. En el tipo de drogas que consume un grupo de individuos cristaliza, en muchos casos, el estrato social al que pertenecen. Como ya se ha dicho, el tabaco y el alcohol son las drogas más consumidas por los personajes principales, pero en los 60, la heroína, la marihuana y el ácido eran las drogas de un estrato social en particular, eran las drogas de la contracultura y, por lo tanto, muy consumidas entre los jóvenes. Hasta en esto funciona el ejercicio de la contraposición en Mad Men, ya que apenas nos muestran el ambiente ‘underground’ o contracultural, pero cuando se nos muestra, observamos que entran en escena otro tipo de drogas. Su creador, Matthew Weiner, con todo su completísimo equipo, algunos con sobrada experiencia en series como Los Soprano y Twin Peaks (caso de Lesli Linka Glatter o Tim Hunter, entre otros), con el también súper equipo de guionistas, que tienen enorme parte de culpa del resultado final de este producto maravilloso que es Mad Men, han sabido plasmar a un tipo de sociedad burguesa y poderosa en EE.UU., donde esta clase social poseía capacidad de influencia sobre medios de comunicación como revistas de importante calado internacional como Times o sobre periódicos archiconocidos como The New York Times, así como la participación de la agencia en campañas electorales para la presidencia de EE.UU.

La ética y la moralidad en Mad Men existen pero no se ven, no es efectiva, se lleva con el pesar y la conciencia de cada individuo, es una carga sombría

Pero sin embargo cabe preguntarse qué pasaba en estos momentos en EE.UU. Inmerso, como se ha dicho antes, desde el final de la Segunda Guerra Mundial, en una Guerra Fría, participando en conflictos internacionales como la Guerra de Corea (1950-1953) -donde por cierto participó Don Draper vestido de Dick Whitman-; y sucesos históricos de capital importancia como la Crisis de los Misiles en Cuba (1962) o la Guerra de Vietnam (1965-1975). EE.UU. era el centro del mundo y comenzaba a decidir por muchas naciones en lo que acabaría conformándose como la ‘aldea global’. Por todo ello, poco a poco, fueron surgiendo una serie de movimientos contraculturales, antibelicistas, movilizaciones sociales por los derechos civiles de los negros y muchas mujeres que también reclamaban los mismos derechos y oportunidades que los hombres. También en Mad Men se observa la escena musical en Nueva York, en uno de los capítulos de la cuarta temporada queda perfectamente retratado como fue aquella cultura ‘underground’ en los 60, donde Peggy Olson conoce a amistades que se encuentran dentro de este movimiento contracultural, que van en contra del sistema, que precisamente intentan convencer a Peggy de que trabajar en publicidad es trabajar engañando y creando falsas necesidades, porque además, dicen, la publicidad es nociva para que se lleve a cabo una sociedad más pura y solidaria. Todo ello, aunque aparezca en pequeñas dosis durante el curso de las temporadas -muestran, por ejemplo, acontecimientos históricos de todo tipo, como el estreno de El Apartamento, de Billy Wilder (1960); la lucha por la presidencia entre Nixon y Kennedy; o la muerte de Marylin Monroe o el mismo Kennedy- a lo largo y ancho de cada capítulo quedan grabados a fuego en la memoria, lo cual dice mucho de todo el equipo productivo de Mad Men, porque eso significa que miden los tempos de forma extraordinaria, que son unos auténticos maestros y que han construido una serie que posee uno de los secretos de la publicidad, paradójicamente, y ese secreto es que hace sentir nostalgia. Con Mad Men vivimos momentos decisivos y acontecimientos cruciales para el devenir de lo que luego ha sido la historia actual de EE.UU. y la de parte del mundo entero, y nos muestran detalles que ayudan a entender el curso que ha tomado la sociedad en términos absolutos a partir de ese momento. Hay que decir que la ética y la moralidad en Mad Men existen pero no se ven, no es efectiva, se lleva con el pesar y la conciencia de cada individuo, es una carga sombría.

Destrucción Mutua Asegurada

Para terminar, decir que el término ‘Mad Men’ tiene una explicación muy significativa. El acrónimo en inglés MAD significa “destrucción mutua asegurada”, que además, de forma derivada significa “loco”. En un mundo dominado por hombres y donde la figura de la mujer es una de las víctimas principales, la autodestrucción del individuo lleva a un estado de locura que afecta a toda la sociedad de base. Y esto, por supuesto, trae consecuencias. Los psicólogos y psiquiatras están presentes en muchos de los capítulos; EE.UU. comienza a ser una sociedad enferma, como nos lo intentaría hacer ver, con gran éxito aunque haya pasado un tanto desapercibida, Erik Skjoldbjærg en Prozac Nation (2001), de la novela autobiográfica de Elizabeth Wurtzel. Mad Men me recuerda a una famosa obra de arte de Pink Floyd, Shine on Your Crazy Diamond, cuya traducción sectaria para este momento sería “sigue brillando diamante loco”. A pesar y gracias a la oscuridad que encierra Mad Men, sigue brillando porque es un diamante en una sociedad esquizofrénica, pero es diamante y brilla. Mad Men da lugar a múltiples lecturas pero siempre estarán interrelacionadas con un mismo concepto, como ocurre con las grandes obras de arte.

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*Patrick Vidal (@patrickvid) es Licenciado en Historia y especializado en Historia Contemporánea en la Universidad de Alicante

. Opiniones de cine / Series de cine: Mad Men, la cara de una misma moneda por Patrick Vidal (I)

/ VR40.5X02 / Programa Vivir Rodando 29 Noviembre 11 (Iconos eróticos femeninos de la historia del cine)

2011-11-29T15:52:00.001+01:00

En el cine cada década surgen actrices que pasan a la historia y no nos podemos quitar de la cabeza. Y no sólo por sus interpretaciones sino por haberse convertido en deseo de muchos gracias a cómo han sabido utilizar el erotismo en las películas. No por una cuestión de belleza o fisico sino por actitud, inteligencia y sentido del humor. Gracias a ellas el cine se ha visto beneficiado ya que nos han regalado imágenes y secuencias que nunca podremos olvidar. En su programa 40 Vivir Rodando hace un repaso a algunos de los iconos eróticos femeninos más importantes de la historia del cine. Mujeres como Theda Bara, Clara Bow, Kim Novak, Brigitte Bardot, Marilyn Monroe, Monica Bellucci...entre otras serán homenajeadas en este programa. Todo con la inestimable ayuda de Esperanza Gómez (@focus_light) Mujer, erotismo y cine se juntan en el último programa de Vivir Rodando.

Si quieres escuchar o descargar el programa pincha en:

. VR40X5.02 Programa Vivir Rodando 29 Noviembre 11 (Iconos eróticos femeninos de la historia del cine)

Método Cronenberg

2011-11-27T22:38:00.001+01:00

Un método peligroso
(David Cronenberg 2011)

Todos los amantes del cine deberíamos hacer una colecta para poner una estatua a David Cronenberg. El director canadiense sigue haciendo suyas todas las películas donde participa. No importa el tema o la naturaleza de la misma Cronenberg pone su mirada perturbadora a la vez que clásica en sus films. Con Un método peligroso no sólo vuelve hacerlo sino que lo potencia. Narrando la amistad y desencuentro de Sigmund Freud y Carl Gustav Jung Cronenberg decide no buscar al público sino que el público lo encuentre a él (si quiere).

En principio Un método peligro parece áspera, complicada y fría. Y no en vano es todas esas cosas. Cronenberg no rebaja ni un ápice la complejidad de la relación entre los personajes de Viggo Mortensen, Michael Fassbender y Keira Knightley dándole importancia a los densos e intelectuales diálogos escritos por Christopher Hampton. Por eso aunque parece que Cronenberg ha desaparecido está ahí controlándolo todo. Al director canadiense no sólo lo vemos en las escenas “de azotes” o en ese paseo en barco entre Knightley y Fassbender sino que está en toda la turbación que intuimos en la historia. Todo muy sutil, sugerido y sobrio pero que existe y podemos descubrir si tenemos el aplomo para adentrarnos en la historia. Y eso no debería costar porque el ritmo interno que impone Cronenberg a la película es ejemplar evitando que aparezca cualquier síntoma de aburrimiento. Quizá Un método peligroso no sea tan deslumbrante ni redonda como Una historia de violencia o Promesas del este pero es otro paso valiente y arriesgado de un autor que nunca ha mirado a las audiencias. O que cuando lo ha hecho ha sabido jugar con ellas.

Lo mejor: que Cronenberg no sea indulgente con el espectador

Lo peor: que no salga más el personaje clave de Vincent Cassel

. De la carne y el psique (Jordi Costa, El País)

Cronenberg logra sobrecargar la pantalla de energía con los recursos más austeros: bastan dos sillas y dos actores como Fassbender y Keira Knightley para montar una sesión de terapia que permite reconocer en la figura de Sabina Spielrein los ecos de esa turbulenta Claire Niveau a la que dio vida Geneviève Bujold en Inseparables

. Viaje perfecto al fondo de la mente (Sergi Sánchez, La Razón)

Y, sin levantar la voz, Cronenberg factura una película exigente, cuya contención refleja los instintos reprimidos de una época convulsa, a punto de soñar ese sueño de la razón que crea monstruos

. La curación por la palabra (José Arce, La Butaca)

Filmada de un modo excelente y milimétricamente turbador, con una composición de los planos tan fría, naturalmente compleja, mansa y sagaz como el propio impulso que mueve a los personajes, la propuesta se deja llevar por una fotografía y una dirección artística espectaculares, mecida por una banda sonora de Howard Shore que alterna composiciones profundamente plácidas y envolventes con los bríos y pasiones del Sigfrido de Wagner, clave en la historia y prácticamente un personaje más, al igual que la propia correspondencia epistolar a tres bandas que centra momentos imponderables en el desarrollo del drama

Opiniones de cine / Series de cine : Mad Men la cara de una misma moneda (I). Por Patrick Vidal

2011-11-26T11:27:00.001+01:00

Mad Men es la cara de una misma moneda y funciona por contraposición. A veces ocurren cosas que no son casualidad, y es que Jon Hamm y el personaje que interpreta, protagonista indiscutible, también lo son, es decir, representan la esencia de Mad Men, es el reverso y el anverso de una misma moneda. Los dos son huérfanos por diferentes motivos, y pertenecen a distintas generaciones, a tiempos distintos, y uno no tiene nada que ver con el otro, pero al mismo tiempo conforman un binomio conceptual de una perfección evidente. La madurez con la que un actor como Jon Hamm -nunca antes conocido, y que a partir de la serie que nos ocupa, ha participado en proyectos cinematográficos de gran calado como ha sido The Town (2010)- ha llegado al éxito, es casi profético si tenemos en cuenta que Don Draper, su personaje en la fabulosa serie televisiva, consiguió el éxito de forma inesperada aunque sea por razones radicalmente diferentes. El paralelismo entre ellos dos es una trampa en la que es fácil caer y, además, resulta casi inevitable hacerlo. Todo ello confiere a estas dos caras de la misma moneda un cariz de alter ego, siendo esto del todo claro. Luego, Mad Men en cuestión y como concepto, representa y retrata a la sociedad americana de los 60, producto de una historia anterior, de un triunfo hegemónico de EE.UU. a partir del fin de la Segunda Guerra Mundial. Es el tiempo de la opulencia en EE.UU. y en algunos países capitalistas. También es el tiempo de la Guerra Fría, una guerra que muchos han dicho no ser tan fría como el término parece indicar. Se trataba de una lucha entre dos formas completamente diferentes de entender el mundo, dividido en dos grandes bloques, confrontando, sobre todo, a las dos grandes potencias del momento, que eran, efectivamente, EE.UU. y la URSS. A lo largo de las cuatro temporadas que lleva este proyecto en marcha -que ya es una auténtica realidad y del que se espera hasta una séptima temporada, y que ha sido sobradamente premiado por los premios más importantes en este sentido, como son los Emmy o los Globos de Oro- no se ha visto directamente y de forma continuada este clima de Guerra Fría existente, pero sin embargo queda patente en el imaginario colectivo y en la forma de comportarse de cada personaje y, por lo que se intuye, no solo deja a las claras un análisis de la sociedad americana del momento, sino que se observa el importante halo globalizador de esta sociedad y la influencia posterior que tendrá en todo el mundo, formalizándose un impacto brutal en las sociedades que se han querido llamar occidentales.

El ejercicio de guión, con esos personajes verídicos, más que verídicos, veraces, y un aspecto visual cuidadísimo y exquisito, hacen que todo lo que pueda ser, y de hecho es, negativo y deprimente en toda la historia, sea extremadamente atractivo

Y no, Mad Men no es la historia de una sociedad idealizada, no se observa ni siquiera visos de querer mostrarnos un todo, es decir, una sola perspectiva que lo englobe todo, pero sin embargo lo consigue, y es por ello que es la cara de una misma moneda. Es decir, que Mad Men, regalando al espectador una mirada desde un punto de vista concreto, representa a EE.UU. en un tiempo pasado, aportando, casi sin mostrarlo, todos los demás puntos de vista. Y se nos presenta como si el espectador fuese cliente de la agencia de publicidad Sterling Cooper. Es decir, lo que se nos está vendiendo es visualmente perfecto, con una banda sonora cuidadísima, con un comienzo de la serie que siempre es el mismo pero que reconforta, y con unos finales de capítulos espectaculares, originales, únicos. Es un producto con una presentación ideal, que busca la felicidad del que lo va a consumir, pero luego la historia es descarnada y lo que se nos muestra es de una crudeza sublime. Por lo tanto existe ahí un posible paralelismo entre los objetivos de la agencia de publicidad y los objetivos del proyecto Mad Men, que difieren en el fondo pero no en la forma. Además, puede considerarse políticamente incorrectísima -machismo feroz, autoritarismo en el trabajo y en la vida cotidiana, donde el alcoholismo y la adicción desmesurada por el tabaco está muy presente dentro de un mundo despiadado, descorazonador-, pero el ejercicio de guión, con esos personajes verídicos, más que verídicos, veraces, y un aspecto visual cuidadísimo y exquisito, hacen que todo lo que pueda ser, y de hecho es, negativo y deprimente en toda la historia, sea extremadamente atractivo. Y eso, lectores de este escrito, es lo que yo llamo magia dentro de la ficción. Porque a Mad Men le distingue su atractivo y elegancia en un mundo triste y oscuro, urbanizado, cada vez más individualista, pero sin embargo ese mundo brilla y es extraordinario a través de la mirada del que degusta cada minuto de los 47 -aproximadamente- que contienen cada capítulo. Por si fuera poca cosa, la historia da la sensación de que es inagotable, de que resiste todos los giros de guión que pretendan darle, sin embargo lo más probable es que todo esté perfectamente medido.

Los tres pilares interpretativos

Después está la base interpretativa, donde tres personajes son inamovibles y a partir de los cuales gira la tierra alrededor de Mad Men: Don Draper, Peggy Olson y Joan Holloway. El primero se trata de un hombre en busca de su identidad, con una grave crisis emocional, pero que atesora un éxito más que palpable en los negocios y posee de un gran talento innato con el género femenino. Pero estos éxitos se tornan en fracaso cuando establece una relación sentimental seria; donde en su familia es muy querido por sus hijos pero no encuentra su hueco, no está cómodo, y que, además, oculta esencialidades del “yo” que durante la cuarta temporada va aireando un tanto, confiando en algunas personas sus secretos inconfesables. Jon Hamm dijo de Draper que este está “forzado a vivir una serie de situaciones incómodas en las que busca su propia satisfacción”. ¿Y por qué lo hace? Sencillamente, para encontrarse a si mismo, porque uno de los leit motiv de Mad Men es el camino de Don Draper hacia el reconocimiento de sí mismo. Por otro lado, Peggy Olson (Elisabeth Moss) es esencial, siendo opuesta al personaje de Joan Holloway. La primera es muy joven, brillante, y con una ambición indecible en un mundo dominado por hombres, a los que esta cuestiona con gran habilidad para poder lograr un espacio dentro del gran éxito profesional. De alguna manera Peggy Olson quiere emular a Don Draper, el cual es su padre profesional, un maestro de aspecto paternal, donde, además, se observa una relación especial entre los dos. Joan, por otro lado, es una atractiva jefa de secretarias que no tiene asignado un papel fundamental para el funcionamiento de la agencia de publicidad en sus dos etapas, pero que sin embargo sí se hace esencial para el funcionamiento de la ficción. Y es que estos tres pilares interpretativos van en diferente escala, de mayor a menor incidencia, pero esenciales al fin y al cabo. Joan es atractiva y establece un canon de belleza diferente al que se suele tener como estereotipo habitual. Es, como Peggy, una mujer superviviente, pero utiliza otros métodos para sobrevivir. Entre sus cartas están la seducción en su más amplia expresión, y el saber sufrir por dentro lo que no deja ver por fuera. Creo que el personaje que encarna Christina Hendricks (Joan) es uno de los personajes más dramáticos que he podido ver nunca, en ella se ve una fortaleza fuera de lo común, pero cuando está sola consigo misma se hunde. Estos tres grandes personajes, aunque pueda parecer una temeridad lo que va a seguir a partir de estás líneas, representan, mejor que ningún otro, la humanidad en Mad Men. Sobre todo puede parecer una temeridad porque Don Draper comete errores que pueden parecer imperdonables, pero en él reconocemos a alguien frágil, impulsivo, problemático. Vemos a un ser humano, definido en tanto humano que es. Luego, otros muchos personajes poseen una gran fuerza, desde Roger Sterling (John Slattery), pasando por Pete Campbell (Vincent Kartheiser) o Betty Draper (January Jones), entre otros, porque cada personaje no es casualidad en Mad Men, todo está pensado y todos aportan un gran dramatismo.

*Patrick Vidal (@patrickvid) es Licenciado en Historia y especializado en Historia Contemporánea en la Universidad de Alicante

Feedback analiza Contagio desde el punto de vista científico

2011-11-23T11:04:00.001+01:00

Uno de los grandes éxitos del año, Contagio, es una especie de apocalipsis con pandemia biológica por medio. La gente ha ido a disfrutar / sufrir con la película de Steven Soderbergh y seguro que muchos no se han preguntado si esa amenaza es real. La web científica Feedback creada por Ángeles Gómez quiso resolver esta duda. En su último podcast organizó un debate con científicos expertos para analizar Contagio desde una perspectiva profesional. En el programa participaron Roberto Pascual (@Roberto_Pascual), investigador del Instituto de Biología Molecular y Celular de la Universidad Miguel Hernández, Manuel Sánchez Angulo, profesor de Microbiología de la misma universidad y creador del Podcast del Microbio y del blog Curiosidades de la Microbiología y la propia Ángeles Gómez (@EspacioFeedback), Doctora desde 2007 en Biología Molecular y Celular además de creadora de Feedback. Contagio pasa el examen científico de Feedback.

Si quieres descargar el programa pincha aquí

. Miedo real (Feedback)

*Contagio se pudo ver en el 44 Festival Internacional de Cinema de Catalunya

De Theda Bara a Monica Bellucci, iconos eróticos femeninos de la historia del cine (Programa 40 Vivir Rodando 29 Noviembre 2011)

2011-11-21T16:09:00.001+01:00


Clara Bow

La mujer ha sido el gran objeto de deseo en el cine en la historia del cine. El celuloide ha sabido sacar partido de todo el erotismo que muchas que tenían muchas de las grandes actrices de la historia. Y no sólo se trataba de una cuestión de belleza o hermosura. El erotismo en las actrices se correspondía a la actitud, sugerencia y la inteligencia. Saber utilizar la belleza femenina como una imagen artística que permitiera reflexionar al espectador. Por eso el próximo programa de Vivir Rodando hará un recorrido por nuestros iconos eróticos femeninos favoritos de la historia del cine con la inestimable ayuda de Esperanza Gómez (@focus_light). Theda Bara, Clara Bow, Marlene Dietrich, Marilyn Monroe, Natassja Kinski, Monica Bellucci...ellas y muchas más serán parte de un merecido homenaje en el programa 40 de Vivir Rodando del próximo martes 29 de noviembre.

Ángeles exterminadores

2011-11-19T11:06:00.001+01:00

Un dios salvaje
(Roman Polanski 2011)

Un dios salvaje podría ser una formula química cinéfila. Si sumamos un buen texto, magníficos actores y un director que sabe lo que se hace el resultado se aproximaría a la nueva película de Roman Polanski. Consideraciones aparte Un dios salvaje es un goce para los sentidos cinéfilos y artísticos ya que en apenas hora y cuarto jamás rebaja un ápice su tensión, inteligencia y sentido del humor (negrísimo). Si uno se pone pejiguero puede atribuir todo el talento que supura Un dios salvaje al asombroso texto de Yasmina Reza y dejar de lado no sólo el trabajo de Polanski sino el de todo su equipo. Pero eso sería injusto además de algo miope.

En Un dios salvaje Polanski demuestra lo bien que se mueve en espacios cerrados (Repulsión, La semilla del diablo...) mostrando la acción en apartamento pijo burgués que nos podria llevar al edificio Dakota en 1968. Alli Polanski les da su espacio en un sitio cerrado para que los personajes se enfaden o desesperen con total libertad. El juego de planos y contraplanos demuestra la sabiduría que tiene el director polaco para lograr que la historia tenga un asombroso ritmo interno. Y algo aparentemente tan simple como el vestuario de la mítica Milena Canonero ayuda a que conozcamos más a los protagonistas de la película. En Un dios salvaje lo mínimo es lo máximo. Punto y aparte son las interpretaciones. Es obvio que si juntas a Kate Winslet, Christoph Waltz, Jodie Foster y John C. Reilly con un texto tan potente como el de Yasmina Reza el resultado sea excelente. Pero esperándolo y todo es apasionante como los cuatro interactúan como si llevaran haciendo la obra durante años y asumen sus papeles de hipócritas de clase media-alta como si fueran ellos mismos. Los cuatro evitan la sobreactuación y el exceso olvidando cualquier marca barata de actores "del método". Esta naturalidad se logra por la cercanía que uno siente con los personajes de Reza. Un dios salvaje habla de la superficie barata y falsa (palabra muy utilizada en la película) que el aparentemente civilizado mundo occidental se ha creado. Todo fachada. Como casi todo.

Lo mejor: el ritmo interno de la película

Lo peor: que se la acuse de teatralidad

. De niños y monstruos (Lluís Bonet Mojica, La Vanguardia)

La violencia oculta que anida en ambas parejas se asoma al exterior superando a la de sus propios hijos. Con cuatro actores de presencia constante en una acción que, cabe repetirlo, transcurre en tiempo real

. El baile de las máscaras (Marc Muñoz, El destilador cultural)

Un brillante y potente tema, con ingenioso uso de los medios al alcance para proyectarlo, que sin embargo, se ve aquí adolecido por los baches en el trayecto, por los pequeños giros que hacen avanzar la trama e inmovilizan a sus personajes en ese comedor/salón de combate/desván psiquiátrico

. El divertido y genial vómito de Polanski (Luís Martínez, El Mundo)

A un lado lo oportuno de un guión basado en la obra homónima de Yasmina Reza que no deja ni prisioneros ni heridos (sólo exquisitos cadáveres), la maestría del director consiste en transformar un texto teatral en otra cosa

Elige las mejores películas de 2011

2011-11-17T11:41:00.001+01:00

Noviembre es ese mes que algunos confunden con diciembre y empiezan a decorar sus establecimientos o casas con elementos navideños, comprar lotería y hacer balance del año que se nos va. En el cine toca lo mismo. Hacer balance de cuales son las películas que más nos han llegado en un 2011 complicado después de las muestras de buen cine que nos dejó 2010. Aun así nunca hay que acogerse al espíritu cenizo que a muchos les embarga de tanto en tanto. Cada año hay malas y buenas películas. Y también obras maestras. Por eso desde Vivir Rodando os pido que hagáis un balance del año cinematográfico y elijáis a la sucesora de la mejor película del 2010 (según vosotros) que fue Origen. Gracias anticipadas por vuestra colaboración.

ELIGE LAS MEJORES PELÍCULAS DE 2011

. Se puede votar el número de películas que se prefiera. Una, diez o veinte, el número no importa. Tampoco es necesario que se tenga un orden de preferencia.

. El único requisito es que se hayan estrenado (o se vayan a estrenar) en 2011. Por eso películas como Drive, The artist o El topo (que presumiblemente se estrenan antes de 2011) pueden ser votadas.

. Las listas que enviéis pueden ser modificadas en cualquier momento para añadir o suprimir películas

. Listado de películas estrenadas en 2011 pinchad aquí (vía El multicine)

. Listado de película que se van a estrenar en 2011 pinchad aquí (vía FilmAffinity)

. Hay varias maneras de elegir vuestras películas favoritas de 2011:

. Dejando un comentario en esta misma entrada (o en otra de la web)

. Enviando un mail al correo de la web (vivirodando@gmail.com)

. En el Twitter de Vivir Rodando (http://twitter.com/VivirRodando)

. En el Facebook de Vivir Rodando (http://www.facebook.com/VivirRodando)

. El plazo para enviar vuestras películas preferidas de 2011 acaba el 24 de diciembre

En años anteriores...

/ VR39.5X01 / Programa Vivir Rodando 15 Noviembre 11 (El hombre que mató a Liberty Valance)

2011-11-15T11:17:00.001+01:00

Nadie ha hecho tanto por un género como John Ford por el western. Prácticamente se podría decir que él lo creo, dio forma y elevó a niveles artístico insospechados. Hizo tanto por él que se permitió el lujo de ponerle fin. Cuando en 1962 otro cine y otro mundo estaba empezando a ver la luz John Ford dirigió El hombre que mató a Liberty Valance la película que cerró una forma de hacer cine. Y no es una película que sólo hable de principios y finales, el crisol de temas que toca es impresionante. Periodismo, derecho, democracia, desamor, violencia, locura... El hombre que mató a Liberty Valance es una de las películas más ricas de la historia del cine. Por eso el programa 39 de Vivir Rodando se lo dedica a El hombre que mató a Liberty Valance coincidiendo además con el 50 aniversario de su rodaje. Para hablarnos de esta obra maestra estará el jurista Fernando Miró que nos llevará por este John Ford que pusoun broche de oro al “cine del oeste”

Para escuchar o descargar el programa pincha en:

. VR39.5X01 Programa Vivir Rodando 15 Noviembre 11 (El hombre que mató a Liberty Valance)

A contrarreloj

2011-11-12T11:31:00.001+01:00

30 minutos o menos
(Ruben Fleischer 2011)

El que tenga dudas sobre esta comedia norteamericana llamada 30 minutos o menos debe irse a la ficha de la película y ver su duración. Unos escasísimos 78 minutos. Un poco más de hora y cuarto. Aunque la duración de las películas de las películas debería ser una anécdota en esta ocasión se convierte casi en su razón de ser. Después de lo bien recibida que fue Bienvenidos a Zombieland Ruben Fleischer al reveés de lo que uno pueda pensar no se ha complicado demasiado la vida para su segundo proyecto. Aborda una comedia rápida, de perdedores, con un humor sacado de comedias de Dennis Dugan o Judd Apatow y sin ningún tipo de pretensión.

Aunque el argumento del chico bomba obligado a atracar un banco tenía cierta miga para explotarlo Flesicher va por otro lado. Su objetivo es intentar que el público no se pare demasiado a pensar y va completamente directo al grano sin utilizar ningun tipo de coartada. Y la cosa más o menos funciona. La primera parte de la película va como un tiro por su ritmo, falta de pretensiones y la estupenda química que tienen las parejas Jesse Eisenberg / Aziz Ansari y Danny McBride / Nick Swardson. Todo ello tiene el colofón en la divertida y animada escena del atraco al banco. A partir de ese momento y aunque la película nunca pierde el tono de chorrada simpática 30 minutos o menos empieza a notarse cansina y algo repetitiva. No cae mal ni aburre pero ciertos personajes como el de Dilshad Vadsaria y Michael Peña no tienen ni el carisma ni la chispa necesaria para mantener el buen rollo que había antes. 30 minutos o menos logra en hora y cuarto su objetivo de entretener y divertir sin apenas mirar el reloj. Simplemente porque no hay mucho tiempo para ello.

Lo mejor: el atraco

Lo peor: el tufillo romántico que trae el personaje de Vadsaria

. Una coreografía brillante y caótica (Jordi Costa, El País)

La película de Fleischer parece asumir, desde su mismo arranque, su transparente condición de divertimento autocombustible y su trama quizá no resista el examen de un escrupuloso doctor de guion con fijación por la lógica narrativa y el crecimiento (moral) de los personajes

. ¿Dos colgaos muy fumaos? No, aunque también (Andrea G. Bermejo, Cinemanía)

Como de muertos vivientes estamos servidos, baste un consejo: si no quieren pedir el reembolso de la entrada, olvídense de la tierra de los zombies. Así 30 minutos… resultará más disfrutable

. La bolsa o la pizza (Bea Varela, Trailers y estrenos)

La acción no se queda corta y el director nos regala persecuciones en coche al compás de clásicos de los 80, disparos, peleas y matones, elementos que unidos al humor nos acompañarán durante este entretenido viaje hasta llegar a un final que cumple con lo esperado resultando gracioso y trepidante

La belleza del fin del mundo

2011-11-04T22:56:00.001+01:00

Melancolía
(Lars Von Trier 2011)

Tras rozarlo en Anticristo Lars Von Trier lo ha logrado en Melancolía. Ha finalizado con este mundo “cruel y al que nadie echará de menos” como dice el personaje de Kirsten Dunst. Y contrariamente a lo que muchos podían pensar lo ha hecho de manera menos cruel de lo esperado y con un nivel de belleza al que sólo unos pocos privilegiados pueden llegar. En Melancolía de nuevo se nos muestra un mundo donde el ser humano es una mala caricatura movido por la ambición o el egoísmo como muestran los personajes (a veces excesivos) de Charlotte Rampling o Stellan Skarsgard aunque estas descripciones no son lo esencial en la película. Melancolía va más allá de explicaciones o caracterizaciones ya que lo importante del film es su clima asfixiante e irrespirable unido a la indescriptible hermosura de sus imágenes.

Dividida en dos partes bastante diferentes y centrada en los personajes que interpretan Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg (excepcionales las dos) el film parece narrar las fases de Justine (Dunst) ante el fin del mundo que se avecina. El personaje de Dunst pasa por las fases de felicidad, tristeza, locura o depresión hasta llegar a cierto deseo (su famosa escena de desnudo ante el planeta Melancolía) y por fin aceptación de lo que va suceder. En un papel difícil y al filo Kirsten Dunst logra salir victoriosa dándole equilibrio y sentido a un personaje sin respuestas evidentes. Como hicieron anteriormente Björk (Bailar en la oscuridad), Emily Watson (Rompiendo las olas) o la propia Charlotte Gainsbourg (Anticristo). Resulta admirable el duelo entre Dunst y Gainsbourg al final del film donde la desesperación y la cordura cambian de bando con una notable coherencia.

En Melancolía Von Trier asfixia al espectador con su visión del fin del mundo a la vez que lo hipnotiza con la belleza e intensidad de sus imágenes

Melancolía es puro Von Trier. Imágenes nerviosas pero con el pulso cada vez más firme sabiendo adonde apuntar el tiro, belleza al mismo tiempo sombria y luminosa (curioso en un film sobre el fin del mundo) y un autor con cada vez más personalidad. Cierto es que en Melancolía hay menos impacto que en otras obras suyas dejando paso a una especie de compasión sobre el ser humano. Ese mundo tan horrible que Von Trier nos ha mostrado en la mayoría de sus películas llega a su fin pero lo hace de una manera hasta cierto punto hermosa. Por eso en su primera parte un acto festivo como una boda muestra lo peor del ser humano. En cambio la segunda parte cuando el mundo está llegando a su fin es cuando hay más silencio y paz. En Melancolía Von Trier asfixia pero no ahoga.

* Melancolía se pudo ver en el 44 Festival Internacional de Cinema de Catalunya

Lo mejor: su inicio apocalíptico

Lo peor: que no se haya hablado tanto de la magnífica interpretación de Charlotte Gainsbourg

. Apocalipsis de cartón piedra (Sergi Sánchez, La Razón)

Empapada del estado de ánimo de su título, la gran enseñanza de «Melancolía» es que los que no tienen nada que perder aceptan la llegada de la muerte. El problema es que el director no mueve ni un dedo para hacernos entender que ésa es la opción más lúcida ante el fin de las cosas

. El fin de todo (La Butaca, José Arce)

El realizador opta nuevamente por la brusquedad casi intimidatoria de la cámara en mano durante buena parte del metraje, salpicada de composiciones ralentizadas de gran naturalidad y belleza en un conjunto potenciado por un estupendo trabajo de fotografía de Manuel Alberto Claro, que ayuda a aguantar el tono durante una narración en absoluto pesarosa ─todo lo contrario, resulta peligrosamente atrapante─ pese a superar las dos horas de duración

. La vida en la tierra es perversa (José Barriga, Un blog de José Barriga)

Me gusta enormemente esta película de Von Trier, incluso me gusta más que su Anticristo, ya que parece ser una película más interesante y para mi, más lúcida. Los climas y el tratamiento en ambos capítulos me conmueven y me resultan acordes con lo que quiere obtener el realizador

Sentimientos poco artificiales

2011-11-02T11:42:00.002+01:00

Eva
(Kike Maíllo 2011)

Decir que Eva es una película importante dentro del cine español por su factura y ambición sería algo reduccionista. Pero aun asi la película de Kike Maíllo sorprende por un cuidadísimo aspecto formal que denota que quienes han acometido esta aventura se han cuidado mucho de caer en lo cutre o lo torpe. Sólo por ese empeño en lograr que un proyecto con estas dificultades técnicas se haya llevado a cabo con la dignidad y estilo que se ha hecho merece un aplauso. Como dice su director Kike Maillo hay que desterrar la frase “esta película no parece española” (Entrevista a Kike Maíllo en Fotogramas nº 2017). Una vez superado ese miedo “técnico” que se le puede tener a Eva hay que ver que se ha hecho con la película en sí. Y el conjunto final deja un buen sabor de boca.

Maíllo podía haberse ido a una película rutinaria sobre robots dejando de lado todo el conflicto sobre la inteligencia artificial y la creación. Pero el director decide escoger el camino difícil. Eva es una película dramática sobre unos personajes de carne y hueso con dificultades para amar y ser comprendidos. En un entorno frío y helado Maíllo deja que el tema robótico entre en la película pero de forma muy sinuosa convirtiendo Eva en algo más cercano a un drama de amores perdidos que en una película de ciencia ficción. Pero eso no quita que los hallazgos técnicos y visuales estén magistralmente insertados en la película haciendo que Eva nos muestre como será nuestro futuro más cotidiano. Este es uno de los grandes aciertos de la película, hacer una película sobre ciencia ficción nada forzada y donde sus elementos más extraordinarios son perfectamente asimilados con naturales. Y en este universo “artificial” destaca la naturalidad, gracia y cierta perversidad de la actriz Claudia Vega que se hace la reina de la función por encima del trío protagonista y de sus muy logrados hallazgos visuales.

* Eva se pudo ver en el 44 Festival Internacional de Cinema de Catalunya

Lo mejor: su factura impecable

Lo peor: la historia entre Brühl, Etura y Ammann queda algo coja

. Entrevista a Kike Maíllo en Vivir Rodando (Podcast)

. Cuando drama y sci-fi se dan la mano (Jaime Valero, Zona Fandom)

No quiero finalizar la reseña dejando una sensación negativa, pues ‘EVA’ es una película entretenida y con interesantes refexiones, pero en conjunto deja sensaciones encontradas. Sus grandes aciertos no cuajan del todo por la indecisión a la hora de fijar el tono del filme, pero a pesar de todo están ahí y nos dejan buenos momentos y personajes memorables como la niña que da nombre a la producción

. Pequeño cuento robótico (Sonia Sanz, Cultture)

En conclusión, Eva es una película con bastante magia, entrañable y que se ve muy a gusto. No es una película para los fanáticos de la ciencia ficción, los robots sólo forman parte del contexto. Muy atractiva y que, pese a sus fallos, se ve muy bien

. El Frankestein del siglo XXI (Nuria López Priego, Diario Jaén)

Con un elenco de actores en el que atrapa la magnífica Marta Etura y un final que, por desgracia, pierde fuelle, Eva es un descubrimiento fabuloso

Tintín para todos

2011-10-31T19:54:00.000+01:00

Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio
(Steven Spielberg 2011)

En estos años se han hecho adaptaciones de cómic al cine de todo tipo pero siempre había un personaje que infundía el mayor de los respetos cuando se hablaba de su paso al cine. Tintín es ese cómic europeo, aventurero, periodístico y algo intelectual al que muchos no sabían cómo hacer que su adaptación gustara a los tintonófilos de pro y a los que siempre han mirado con distancia (y no nos engañemos cierto recelo) al personaje creado con Hergé. Por eso nada más finalizar la visión de Las aventuras Tintín: El secreto del Unicornio hay que felicitar a Steven Spielberg (y al equipo formado por Peter Jackson, Steven Moffat, Edgar Wright, Joe Cornish....) al haber realizado una adaptación fiel y respetuosa al mundo de Tintin elevándolo a un espectáculo aventurero y juvenil de ritmo endiablado.

En Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio Haddock es Haddock y Milú es Milú. Al revés de lo que suele pasar en las adaptaciones en la película estos personajes no son aproximaciones de estas figuras popular sino que saben recoger el alma de estos y mostrarlos en pantalla. Spielberg no ha sacrificado nada de su genio espectacular (el tremendo plano secuencia en la persecución, Haddock recordando la historia de la batalla de navíos....) y lo ha sabido sumar al clasicismo aventurero que habia en Tintin. Spielberg ha sido más Spielberg que nunca pero sin visos de egocentrismo quizá sabiendo que tocaba material sensible. Los que tuvieran los cuchillos preparados tendrán que guardárselos porque en Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio están la Castafiore, Rackham el Rojo, El secreto del Unicornio, Hernández y Fernández...perfectamente acoplados con el ritmo y sentido de una película de Steven Spielberg. Todo un ejemplo de que la unión hace la fuerza.

Lo mejor: la unión de los mundos de Spielberg y Hergé

Lo peor: estaría bien un poco de calma en algunos momentos

. No mires a los ojos de Tintín (Salvador Llompart, La Vanguardia)

Este Tintín es una buena película de entretenimiento, capaz de atrapar el espíritu de las aventuras del famoso personaje como hasta ahora nunca se había hecho en cine. Pero que, desgraciadamente, en esa captura (de movimiento), pierde buena parte de su efectividad a través de los ojos vacíos de sus personajes

. Trepidante interpretación del cómic (David Genovés, The cinéfagos)

Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio se desarrolla de una manera, cuanto menos, peculiar. Varias han sido las veces durante la película en las que mi sensación ha sido la de encontrarme delante de un videojuego. La estructura colabora a ello desde el inicio, pero es que las escenas de acción multiplican ese efecto conforme avanza el metraje dejando una sensación final todavía mayor en este sentido. Quede claro que este punto no es tan negativo, pues desde el momento en el que la película juega con la baza del Motion Capture, técnica hasta ahora más propia del mundo de los videojuegos que del cine, deja claras cuales son sus intenciones y estas pasan a ser no tan criticables

. Un Indiana Jones belga y con tupé (Elena Zafra, Trailers y estrenos)

A los que duden respecto a las cuestiones técnicas del film sólo puedo decirles que Las aventuras de Tintin: El secreto del Unicornio aprovecha al máximo la técnica de Capture Motion para dotar a sus personajes de realismo, expresividad y fluidez de movimientos

El hombre que mató a Liberty Valance , el día que el western dijo adiós (Programa 39 Vivir Rodando 15 Noviembre 2011)

2011-10-29T17:10:00.002+02:00

Nadie influyó tanto en un género como John Ford hizo en el western. Por eso a él le correspondía finiquitarlo por lo menos como lo entendemos nosotros. Cuando los tiempos estaban cambiando en 1962 John Ford dirigió El hombre que mató a Liberty Valance para hablar sobre los cambios a los que el mundo se ve obligado a tener y los heroes anónimos que se sacrifican por ello. Cuando se cumplen cincuenta años del rodaje de El hombre que mató a Liberty Valance Vivir Rodando inicia su quinta temporada hablando de una de las películas más complejas y apasionantes que jamás se han hecho. Por ello estará en el programa Fernando Miró jurista, profesor, creador de QPH? y para el cual esta película es vital en su vida. El martes 15 de noviembre en el programa 39 de Vivir Rodando hablaremos de lo duro que son algunos inicios y finales.

Crónica de la supervivencia

2011-10-25T12:50:00.002+02:00

Margin Call
(J.C. Chandor 2011)

Aunque es bastante fastidiosa la etiqueta de película necesaria a veces no queda otro remedio que utilizarla. Margin Call se esfuerza en todo momento en ganarse y merecerse esa etiqueta. La película de J.C. Chandor pretende convertirse en un fresco de la crisis actual (en realidad la de toda la vida) describiéndonos a los protagonistas / culpables de esta masacre que estamos viviendo. Uno de los problemas de Margin Call es su indefinición entre si quieres contar las causas y sus consecuencias o intentar ahondar en el corazón (o más bien su falta) de estos personajes. Eso provoca que algunos personajes interesantes rocen con peligro el arquetipo (Paul Bettany o los momentos perro de Kevin Spacey) y a veces minimicen el relato de terror que es en realidad Margin Call.

Obviando estos temas que en realidad apenas afectan a la película, Margin Call es implacable en lo que cuenta. La idea de que los ciudadanos y trabajadores no dejan de ser peones prescindibles ante reyes supervivientes que jamás ven afectados sus puestos de privilegio circula por toda la película. Es interesante que la película se concentre casi entera en el edificio de la empresa que vive este momento de crisis dando una sensación de claustrofobia y de inopia ante la realidad (que ellos mismos provocan) que sucede en el mundo real, fuera de ese edificio. Chandor concentra perfectamente la tensión (y la indignación del espectador) en menos dos horas haciendo que no puedas dejar de ver el horror y no centrándose en tecnicismos absurdos que podría provocar que uno se fuera de la película. Todo el mundo sabe lo que es el abuso del poderoso sin necesidad de conocer lo que son indices de volatilidad. Por eso Margin Call es fastidiosamente necesaria para completar lo que vemos en telediarios y prensa y como deja entender y para lo cual (como deja entender la película) no hay solución posible. Dado el engaño que sufrimos día a día el pesimismo de la película de Chandor es reconfortnte. Curiosamente esta vez el cine no nos engaña. Ya lo hacen otros en la vida real.

Lo mejor: funciona como pequeña radiografía de la stiuación actual

Lo peor: Paul Bettany a veces se pasa

. Toma el dinero y corre (Sergi Sánchez, La Razón)

«Margin Call» es una película pedagógica. Tiene sentido: todos sabemos que va a acabar mal, pero lo que nos importan son los detalles, los pormenores de este gigantesco timo de la estampita

. El pragmatismo del tiburón (Carlos Boyero, El País)

Chandor narra con estilo y tensión esta crónica sobre la desfachatez de los tiburones financieros, su capacidad para sobrevivir a la ruina colectiva que ellos han creado haciéndose aun más ricos, su implacable pragmatismo para engañar a sus competidores y adueñarse de las tablas de salvación cuando el barco se hunde

. Pirañas en la piscina (Borja Crespo, El Correo)

‘Margin Call’ es un retrato descarnado, nada frívolo, de los financieros -operadores de bolsa, banqueros, analistas- que afrontan las decisiones que determinarán el futuro de nuestro mundo

Sin identidad

2011-10-21T11:12:00.001+02:00

La cosa (The thing)
(Matthijs van Heijningen Jr. 2011)

Cuando acaba La cosa (The thing) uno puede optar por dos caminos. a) Pensar que lo que ha visto no le va a cambiar la vida y no era necesaria su realización o b) admitir que tras su inutilidad a uno no le deja una sensación de enfado por sus méritos (que los tiene). En mi caso la segunda opción fue la correcta. En esta precuela (que en realidad es un remake) Matthijs van Heijningen Jr.se admite incapaz de llegar a toda la profundidad (magnifico estudio sobre el ser humano) que tenía la obra maestra de John Carpenter y decide crear una película espectacular pero sin salirse de la raya. The Thing no deja de ser una película sobre y con un sano espíritu de serie b que suele ser la condición más honrada que puede haber para una película de estas características.

La cosa (The thing) gana en sus excelentes y bien utilizados efectos especiales y de maquillaje que resultan tan apabullantes que uno se olvida que todo esto ya lo habíamos visto y mejor contado hace unos años. Aun así Van Heijningen Jr. tiene el mérito de lograr una película que nunca pierde su interés y no se da a absurdas excentricidades (chistes fáciles, ritmo exagerado...) propias de es tipo de películas. Sus estallidos en las partes de acción están muy bien medidos quizá porque es la principal baza con la que juega la película para ganarse al espectador. La cosa (The thing) tiene más caricatura que estudio de personajes y carece de la claustrofobia que está pidiendo a gritos pero todo ello es compensado con una realización no original pero si directa y a veces incluso apabullante. Parece claro que Matthijs van Heijningen Jr. era un fan de la obra de Carpenter por el respeto que le impone a La cosa (The thing). Quizá demasiado.

* La cosa (The thing) se pudo ver en el 44 Festival Internacional de Cinema de Catalunya

Lo mejor: unos FX soberbios

Lo peor: la parte final en la nave es prescindible

. Crisis de la mediana edad (Bob Rock, Almas oscuras)

De hecho, es curioso analizar en que aspectos funciona la cinta de Heijningen Justamente en aquellos en que funcionaba la cinta de Carpenter: el horror de verse atrapado junto a compañeros que pudiesen ser monstruos (¡paranoia! ¡paranoia!), el diseño alienígena de las mutaciones y un pesimismo muy de los ochenta – reinado de la música punk y siniestra –

. El enigma de otra industria (José Arce, La Butaca)

Técnicamente la propuesta se sostiene de modo ajustado, filmada, fotografiada y editada sin ningún tipo de alarde, buscando que el respetable no trate de encontrar la lógica a algo que no lo tiene ─la forma de contagio carece totalmente de interés, así como la profundidad o la capacidad de los personajes para empatizar con el palco─, con un puñado de puntuales sustos a golpe de surround pensados para que las palomitas y las emociones de los chavales vuelen por los aires

. Una horrible película de horror (Fernando Gil-Delgado, Fila siete)

Sustos tópicos, escenas previsibles, copias serviles de tomas de Carpenter, a menudo peor rodadas, y también secuencias nuevas completamente absurdas. El nuevo equipo cree que por incorporar efectos digitales mejoran la producción, y es un burdo error

Sitges 2011: (mucho) cine ante la crisis

2011-10-16T19:49:00.000+02:00

En repetidas ocasiones el director del Festival de Sitges, Ángel Sala, ha dicho que si un país en crisis comienza a recortar en cultura la sociedad se acercará “a la barbarie”. Quizá por eso el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya ha vuelto a ofrecer en 44º edición un festival enorme y excesivo donde se ha podido ver cine de todo y más calidad que la ofrecida el año anterior. Cuando hay carencia se ha agudizado el ingenio para ofrecer un gran espectáculo.

El Festival de Sitges salió ganando con la temática de este año. La inteligencia artificial no sólo ha servido para rendir homenaje a la obra maestra de Spielberg sino que dio pie a que el doctor Ishiguro ofreciera una multitudinaria charla sobre este campo. En un tiempo en donde el presente es gris Sitges nos ha hecho reflexionar sobre el futuro. Eso si siempre con una mirada algo descorazonadora sobre el ser humano. Con Frankestein, Juegos de guerra o Westworld hemos recordado el pasado para comprobar que la realidad supera la ficción. Los geminoides ya están aquí. El futuro ya está aquí.

Como siempre Sitges ha recibido un apoyo masivo por parte del público. Fue impresionante ver como el Auditori se llenaba el pasado sábado para ver The artist, una de las revelaciones de este año, y como durante su proyección no se oyó a nadie...en una película muda. La ovación final a la película demostró que Sitges está hecha de una pasta especial. Sin duda el tanto conseguido al proyectar la película de Michel Hazanavicius fue importante pero no menos que los pases de ese futuro clásico que es Drive. También hubo ovación pero no solo al final. Cuando el nombre de Nicolas Winding Refn aparecía en pantalla al principio del film los espectadores de Sitges irrumpieron en aplausos quizá sabiendo que iban a ver algo especial. Sólo cabe felicitar al festival por hacer que el último sábado fuera un dia grande proyectando The thing, The artist, Drive, Diamond Flash (desgraciadamente sólo tuvo un pase) o Killer Joe una estupenda bizarrada de William Friendkin con un soberbio Matthew McConaughey. Películas como Melancholia, Extraterrestre, Mientras duermes... hicieron que uno se alegre del esfuerzo que se hace en Sitges por traer películas que muchos tenemos marcadas en la agenda.

Dentro de la cantidad de nombres que han pasado por Sitges hay dos que salen reforzados. El primero que hay que resaltar es Kevin Smith. Su aventura por el terror salió mal parada en Estados Unidos y Sitges la ha recibido con los brazos abiertos dándole el premio a la mejor película. Bien recibida por la critica y el publico Red State ha recibido una segunda oportunidad en Sitges para poder ser distribuida en Europa. No en vano este hecho fue clave para darle el premio según confesó el miembro del jurado J.A. Bayona. La guinda para Red State fue que obtuviera el premio al mejor actor para el carismático Michael Parks recogiendo el testigo de Patrick Fabian por El último exorcismo. Otra película sobre un América profunda y sobrecogedora.

Pero como suele suceder la triunfadora moral de Sitges 2011 no fue la ganadora del premio a la mejor película. Attack the block tuvo ese honor. Recibida con entusiasmo por el público y la prensa en su primer pase la película de Joe Cornish fue una de las más comentadas en esta edición. Deudora de un nuevo cine británico con gusto por el humor, el fantástico y realidad social (Zombies Party) es una película con ritmo y con la suficiente caradura para encandilar un buen publico festivalero. Se llevó los premios del público, critica (nada usual sumar esos dos), banda sonora y un premio especial. Pero consiguió algo más que fue que todo el mundo se quedará con el nombre de Joe Cornish para futuros proyectos. Un debut inmejorable para Cornish. Quizá Attack the block debió llevarse el premio a la mejor película (dio la sensación que fue la que más gustó al jurado) pero las ganas de “ayudar” a Kevin Smith pesaron más en la decisión final. Brit Marling mejor actriz (Another earth), Na Hong-jin mejor director (The yellow sea), Lucy McKee y Jack Ketchum mejor guión (The woman) y los efectos especiales de Eva fueron añadidos a un palmarés en general bien recibido. El olvido de una película que contenía un interesante debate ético como Womb fue un pequeño lunar.

Resumir Sitges 2011 hablando sobre los premios sería un error y una injusticia. En Sitges el cinefago se encuentra en su casa por la cantidades de cine que se puede ver. La locura sexual de 3-D Sex and Zen, el placer de poder ver a Rutger Hauer en Hobo with a shotgun, el interesante nuevo trabajo simio de James Marsh (Project Nim) y que dio pie a algún que otro debate ético, el tremendo respaldo al Extraterrestre de Nacho Vigalondo, las sensaciones de que hay un director valiente (Gonzalo López-Gallego) capaz de enfrentarse a retos tras ver Apollo 18, ver a Jordi Dauder en uno de sus últimos papeles en El monje, la refrescante libertad de Coppola en la genial Twixt...imposible resumir tantos momentos. Y más si luego sumamos los merecidos homenajes (Michael Ironside, Pedro Olea, Caroline Williams, Jaume Balagueró, Michael Biehn, Tony Chins Siu-tung, Barbara Steele y Bigas Luna) los encuentros en el Espai Fnac (una novedad muy interesante y provechosa) o ese lugar de reunión para disfrutar en compañía del cine que es la sala Brigadoon.Y el exitazo multitudinario del gran evento del festival la Zombie Walk.

Es un placer tener un oasis de excesivamente cinéfilo como es el Festival de Sitges. Aunque uno sabe que los recortes y las dificultades sigue ahí también siente que cada vez está más lejos de la barbarie. Ha sido un buen año para Sitges.

* Imágenes cedidas por el Sitges Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya

Palmarés 44 Sitges Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya

OFICIAL FANTÀSTIC COMPETICIÓ – SITGES 44
J. A. Bayona, Quim Casas, Lisa Marie, Ryoo Seung-Wan, Richard Stanley

Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture
Red State, de Kevin Smith

Millor Director / Mejor Director / Best Director
Na Hong-jin per The Yellow Sea

Millor Actriu / Mejor Actriz / Best Actress
Brit Marling per Another Earth (Mike Cahill)

Millor Actor / Mejor Actor / Best Actor
Michael Parks per Red State (Kevin Smith)

Millor Fotografia / Mejor Fotografía / Best Cinematography
Markus Förderer i Tim Fehlbaum, per Hell (Tim Fehlbaum)

Millor Guió / Mejor Guión / Best Script
Lucky Mckee i Jack Ketchum, per The Woman (Lucky Mckee)

Millor Disseny de Producció / Mejor Diseño de Producción / Best Production Design
Marc Thiébault per Livide (Alexandre Bustillo & Julian Maury)

Millors Efectes de Maquillatge / Mejores Efectos de Maquillaje / Best Make Up FX
Steven Kostanski per The Divide (Xavier Gens)

Millors Efectes Especials / Mejores Efectos Especiales / Best Special Effects
Lluís Castells i Javier García per Eva (Kike Maíllo)

Millor Banda Sonora Original / Mejor Banda Sonora Original / Best Original Soundtrack
Steven Price per Attack the Block (Joe Cornish)

Premi Especial del Jurat / Premio Especial del Jurado / Special Jury Award
Attack the Block, de Joe Cornish

Millor Curtmetratge / Mejor Cortometraje / Best Short Film
Ex aequo a Dirty Silverwear, de Steve Daniels, i The Unliving, d’Hugo Lilja

OFICIAL FANTÀSTIC COMPETICIÓ ÒRBITA
Àlex Aguilera, Paco Cabezas, Manlio Gomarasca

Premi Especial del Jurat / Premio Especial del Jurado / Special Jury Award
Colour Bleed, de Peter Szewczyk (curtmetratge/cortometraje/shortfilm)

Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture
Guilty of Romance, de Sion Sono

JURAT CARNET JOVE / JURADO CARNET JOVE / CARNET JOVE JURY
Eric Antonell, Gerard Fossas, Alberto Martin, Sergi Marí, David Vilaplana

Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture OFICIAL FANTÀSTIC A COMPETICIÓ – SITGES 44
Bellflower, d’Evan Glodell

Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture MIDNIGHT X-TREME
Detention, de Joseph Kahn

NOVES VISIONS
Anaïs Emery, Javi Giner, Loris Omedes

Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture
Night Fishing, de PARKing CHANce (Park Chan-wook i Park Chan-kyong)

Diploma Pel·lícula No Ficció / Diploma Película No Ficción / Non-Fiction Motion Picture Diploma
Knuckle, d’Ian Palmer

Diploma Pel·lícula Discovery / Diploma Película Discovery / Discovery Motion Picture Diploma
Invasion of Alien Bikini, d’Oh Young-doo

Diploma Pel·lícula Dark Ficció / Diploma Película Dark Ficción / Dark Fiction Motion Picture Diploma
Kill me please, d’Olias Barco

Diploma Millor Curtmetratge / Diploma Millor Cortometraje / Best Shortfilm Diploma
Coup de grace, de Clara van Gool

Menció Especial / Mención Especial / Special Mention
Underwater Love, de Shinji Imaoka

CASA ÀSIA
Jordi Ojeda, Carles Santamaria, Pil Sung-Yim

Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture
The Unjust, de Ryoo Seung-wan

Gran Premi del Públic / Gran Premio del Público / Audience Award - El Periódico de Catalunya

Millor Pel·lícula / Mejor Película / Best Motion Picture
Attack the Block, de Joe Cornish

NOVA AUTORIA INSTITUT BUÑUEL de la FUNDACIÓ AUTOR
Arnau Bataller, Sílvia Munt, Maria Ripoll

Millor Direcció / Mejor Dirección / Best Director
La gota, de Daniel Piera i Beatriz Escolar (Universitat Ramon Llull-Blanquerna).

Millor Guió / Mejor Guión / Best Screenplay
Ex aequo a Camille, de Carme Puche (Universitat Oberta de Catalunya – UOC), i a Exercici, de Raúl Pérez (Bande à Part).

Millor Música Original / Mejor Música Original / Best Original Score
Chroma, de Juan Andrés González (Universitat Pompeu Fabra).

Menció Especial per l’interès del treball documental a Me llamo Peng, de Jahel Guerra i Victoria Molina de Carranza (Universitat Autònoma de Barcelona – UAB).

Menció Especial per l’interès del treball d’animació a Desde el averno, de Raúl García, Núria Argemí, Mariona Consuegra, Saúl Darú, Maria Moreira, Clara Vallvé i Bernat Vilaseca (Escola d’Animació de Catalunya, 9 Zeros).

ANIMA'T – Premi Gertie / Premio Gertie / Gertie Award
Jordi Ojeda, Carles Santamaria, Pil Sung-Yim

Millor Llargmetratge d’Animació / Mejor Largometraje de Animación / Best Animated Film
Tatsumi, d’Eric Khoo

Millor Curtmetratge d’Animació / Mejor Cortometraje de Animación / Best Animated Short film
Dripped, de Léo Verrier

Diploma al Millor Llargmetratge Sitges Family / Diploma al Mejor Largometraje Sitges Family / Best Sitges Family Film Diploma
Leafie, d’Oh Sung-yoon

MÉLIÈS D’ARGENT / MÉLIÈS DE PLATA / SILVER MÉLIÈS
Àlex Aguilera, Paco Cabezas, Manlio Gomarasca

Méliès d’Argent a la Millor Pel·lícula Europea / Méliès d’Argent a la Mejor Película Europea / Silver Méliès for Best European Motion Picture
Kill List, de Ben Wheatley

Menció Especial / Mención Especial / Special Mention
Hell, de Tim Fehlbaum

Menció Especial / Mención Especial / Special Mention
Krokodyle, de Stefano Bessoni

Méliès d’Argent al Millor Curtmetratge Europeu / Méliès de Plata al Mejor Cortometraje Europeo / Silver Méliès Award for Best Europea Short Film
The Unliving, d’Hugo Lilja

Menció Especial / Mención Especial / Special Mention
Magic Piano 3D, de Martin Clapp

MÉLIÈS D’OR / MÉLIÈS DE ORO / GOLDEN MÉLIÈS

Méliès d’Or a la Millor Pel·lícula Europea / Méliès de Oro a la Mejor Película Europea / Golden Méliès for Best European Motion Picture
Balada Triste de Trompeta, d’Álex de la Iglesia

Méliès d’Or al Millor Curtmetratge / Méliès de Oro al Mejor Cortometraje / Golden Méliès for Best European Short Film
Suiker (Sugar), de Jeroen Annokkee

PREMI DE LA CRÍTICA / PREMIOS DE LA CRÍTICA / CRITIC AWARDS
Desirée De Fez, Carlos Losilla, José Luis Losa

Premi de la Crítica Jose Luis Guarner / Premio de la Crítica Jose Luis Guarner / Jose Luis Guarner Critic Award
Attack the Block, de Joe Cornish

Premi Citizen Kane al director/a revelació / Premio Citizen Kane al director/a revelación / Citizen Kane Award to an up-and-coming director
Ex aequo a El páramo, de Jaime Osorio, i Trabalhar cansa, de Juliana Rojas i Marco Dutra

BRIGADOON Paul Naschy
Adrián Cardona, Rafa Dengrà, Leticia Dolera

Millor curtmetratge / Mejor cortometraje / Best short film
8, de Raúl Cerezo

"Eva tiene una gran carga de melodrama" (Kike Maíllo, director de Eva)

2011-10-03T18:17:00.000+02:00

Ni Almodóvar, ni Vigalondo, ni Balagueró. Uno de los grandes estrenos españoles del año surge del trabajo de un joven director llamado Kike Maíllo. En su debut como director Maíllo se ha atrevido a contar una historia de ciencia ficción en donde la robótica, la inteligencia artificial y las relaciones humanas son clave. Vivir Rodando en colaboración con el blog científico Feedback (creado por Ángeles Gómez) hablamos con Kike Maillo sobre la arriesgada y apasionante aventura de crear Eva. Kike Maíllo habló sobre las influencias de la literatura robótica, el imponente reparto de la película o su base científica dejando claro que Eva es un proyecto ambicioso y diferente y con un carrera prometedora. Tras su premio en el Festival de Venecia Eva se presentará este jueves 6 de octubre en Sitges para abrir su certamen. El 28 de octubre será la prueba de fuego definitiva con su estreno en salas de toda España.

Para escuchar o descargar la entrevista con Kike Maíllo pincha en:

. Entrevista Kike Maíllo (Eva)

Yihad absurda

2011-10-02T18:36:00.001+02:00

Four Lions
(Christopher Morris 2010)

Todo tipo de violencia es fruto de la ignorancia. Por ello ante la violencia extrema e inhumana que es el terrorismo sólo vale poner en ridículo las ideas de quienes la practican. Esa debe ser la máxima que utiliza ... para su Four Lions en donde nos muestra la preparación de un ataque terrorista por un grupo islámico radical. Poco a poco nos damos cuenta que como todo fanatismo estos aspirantes a mártires se dejan llevar por ideas confusas, absurdas y manipuladas dando pie a unas situaciones tan surrealistas como divertidas. Aunque la apuesta por la comedia es arriesgada viendo Four Lions uno acaba pensando que es el único camino para mostrar como el fanatismo es una de las lacras del mundo en que vivimos. Porque un genero tan loco como la comedia es quizá el más cuerdo para hablar del sin sentido del ser humano.

Christopher Morris podía haber optado por el camino fácil y ahondar en la parte disparatada de la cinta. En cambio y de manera inteligente el director realiza Four Lions de una manera áspera y documental logrando que la sonrisas que logran tengan un tamiz oscuro algo que sólo podía salir de un país como Gran Bretaña donde se maneja perfectamente este tipo de humor. Por eso Four Lions sacude por dentro y hace que el espectador se divierta pero nunca se relaje. Y es valiente Morris en poner el foco también el otro lado, en el occidental, donde la idiotez también es bandera y acaba provocando violencia y caos (una de las escenas finales en Egipto es demoledora). Por eso su final no es nada acomodaticio y completamente realista. Al final Four Lions acaba siendo una película necesaria para pensar y reflexionar sobre como han pasado siglos y siglos y el mundo sigue completamente absurdo.

Lo mejor: su acertado tono

Lo peor: cierta irregularidad argumental

. Horror feísta (Sergi Sánchez, La Razón)

La torpeza de este cuarteto de incompetentes se mantiene intacta todo el metraje, y sólo al final la parodia se despega de su transgresor concepto para demostrar que está dispuesta a llegar tan lejos como sea necesario. Es decir, está dispuesta a llegar a aquel lugar donde el horror demuestra su dimensión más absurda, arbitraria y perturbadora

. Parodiar el terrorismo y salir victorioso (Javier Ruiz de Arcuate, Las horas perdidas)

A nivel visual Morris opta por un estilo sucio, casi documental, muy en la línea de Greengrass, pero igual que en los vídeos de los protagonistas, a ratos bordeando lo “feo”

. El humorista Chris Morris firma una comedia prodigiosa (Eduardo Galán, Cinemanía)

En su caza del integrista imbécil, Four Lions alcanza además la comedia pura, de fisicidad explosiva y lenguaje irremediable (pondremos una bomba en internet), que nos hace olvidar esa Guerra Santa soterrada desde el comienzo

En algún lugar de la fama

2011-09-30T11:21:00.000+02:00

Somewhere
(Sofia Coppola 2010)

En Somewhere no se ve el rodaje de una película ni aparecen los típicos tópicos de los films centrados en el mundo del cine y en Hollywood para ser más concreto. Pero no importa. Sofia Coppola no necesita ninguno de esos elementos para ofrecer un rotundo y certero análisis no tanto sobre el mundo del cine sino sobre las estrellas y los monstruos que crea. Con su estilo minimalista y comtemplativo Coppola habla sobre temas recurrentes suyos como la soledad, el vacio y la incomunicación producida por un mundo artificial curiosamente creador por personas.

Coppola ya alejada del mundo del star system al que erroneamente muchos quisieron meterla tras el exito de Lost in translation se siente completamente libre para realizar quizá su película más compleja. A traves de cuadros y momentos magistrales y hermosamente realizados comprobamos el vacio vital de una estrella del cine (magnífico Stephen Dorff) que vive sin hogar de hotel en hotel y siendo un títere (patéticas las escenas de la rueda de prensa y la gala de premios italiana) de la industria (Hollywood) por la cual tantos supuestos privilegios tiene. Siendo más un tio que un padre para su hija y cuyas relaciones sexuales son realizadas más por inercia que por deseo el personaje de Johnny Marco se convierte en un zombie cuya vida (real) ha dejado de existir hace tiempo. Todo eso narrado con el tempo, la paciencia y la belleza que Sofia Coppola pone a todos sus trabajos donde el espectador es parte activa y debe recomponer las piezas que en este caso el personaje de Marco va dejando. Con Somewhere uno entiende que para ahondar en el alma de una película (y de un personaje) no hace muchos dialogos y explicaciones. Simplemente tener los ojos abiertos.

Lo mejor: contar mucho enseñando poco

Lo peor: su vergonzoso retraso en el estreno

. Todo eso se parece a la sonrisa de papá (Pablo O. Scholz, Clarín)

Somewhere habla del vacío de la fama y de las relaciones humanas. De las negligencias y las frases nunca dichas a tiempo. Coppola tiene un timing propio, que para algunos será cansino. Cuestiona y se burla de la prensa del espectáculo internacional, del showbusiness, pero su ojo apunta hacia algo mucho más íntimo. Aunque tarde en hacerle verbalizar a Johnny lo que le pasa en su interior, cuando la verdad estalle, nada podrá recomponerse como era antes

. La sofisticación del imbécil (Javier Ocaña, El País)

Somewhere viene a ser así el reverso cruel y churretoso de aquella apoteosis de la pijería titulada María Antonieta

. . La màscara verdadera de l'actor (Quim Casas, El Periódico)

Somewhere és una pel·lícula més aspra que Lost in translation, té menys coartades «modernes» més enllà de la banda sonora (Phoenix principalment) i alguns tocs cool indissociables del cinema de la realitzadora

Relato criminal y social

2011-09-28T23:28:00.000+02:00

No habrá paz para los malvados
(Enrique Urbizu 2011)

El cine negro (o policíaco) nunca ha dejado de ser otra cosa que una llamada a la voz de la conciencia de la ciudadanía. Porque este tipo de cine es más social que el llamado cine social. Tras un soberbio inicio No habrá paz para los malvados se inmiscuye en la vagancia, la confusión y la inutilidad de las altas esferas que ayudan (involuntariamente) a que se cometan actos atroces. 11-M, 11-S...las lista es eterna. Urbizu muestra su capacidad para narrar con sequedad toda una parte central (lo que es la trama) sobria y bien explicada pero a la que desgraciadamente le falta algo de pasión y hondura. Enrique Urbizu es tan bueno que hace que no perdamos atención de la caza humana que lleva acabo el personaje de José Coronado y además de indignarnos y sobrecogernos con lo que se ve en pantalla. Otra cosa es la sensación de que algunos personajes muy interesantes como los de Helena Miquel, Younes Bachir o Rodolfo Sancho acaban siendo meros títeres quizá comidos por la magnética presencia del Santos Trinidad de Coronado.

No habrá paz para los malvados es toda para Coronado. Aunque su personaje no habla mucho y permanece imperturbable durante toda la película gobierna la historia con mano de hierro incluso cuando no aparece en escena. Eso es lo que tienen actores que ya son clásicos como José Coronado que saben hipnotizarte y desear que vuelvan a aparecer enseguida en la película. Su Santos Trinidad inunda tanto el film que el cierto esquematismo que tiene No habrá paz para los malvados aunque no molesta se hace algo patente. Aun así Urbizu vuelve a demostrar su solidez y saber estar y hace que siga dando pasos para convertirse en un clásico de nuestro cine.

Lo mejor: su inicio

Lo peor: Coronado se come demasiado a Urbizu

. Un maldito milagro (Adrián Massanet, Blog de cine)

Con Santos empezamos, y con él terminamos la película. Una narración compulsiva que se podría describir, a grandes rasgos, como quince minutos iniciales de una sordidez salvaje, una zona media en la que se van superponiendo los puntos de vista de manera ejemplar, y que se dirigen, frenéticos, a los quince minutos finales, en los que no oímos ni un solo diálogo, y que son la explosión de todos los elementos, el clímax perfecto de una ficción que no deja tregua al espectador

. Historia de un policia (Óscar Brox, Miradas de cine)

En No habrá paz para los malvados, esa realidad no rehuye mostrar los signos de nuestra tragedia más reciente, esto es, los atentados del 11 de marzo cuya sombra planea alrededor de su trama. Pero hay un matiz que diferencia su tratamiento de otros enfoques llevados a cabo dentro del cine de consumo. Donde la mayoría de filmes se enfrentan frontalmente con el terror, ensayando estrategias narrativas que lo pongan eficazmente en escena

. Más allá de la burocracia del bien y del mal (Diego Salgado, Numero cero)

El preciso empleo del formato panorámico; el detallismo escenográfico; la verosimilitud con que se plasma el entorno policial; y la interpretación de José Coronado, a quien Urbizu conoce como nadie y exprime del modo más fructífero para ambos, evidencian el mimo con que ha sido forjada “No habrá paz para los malvados”. Pero todo es cuestión de expectativas. Esperábamos una cinta del mejor William Friedkin. Y nos hemos topado con una de aquellas correctas “películas de crímenes” dirigidas hace sesenta años por Antonio Isasi o Julio Coll para la factoría Iquino

Química sin compromiso

2011-09-23T19:34:00.000+02:00

Con derecho a roce
(Will Gluck 2011)

Tras el estupendo trabajo que Will Gluck realizó en Rumores y mentiras se esperaba con interés esta segunda aventura llamada Con derecho a roce. Y la valoración, a grandes rasgos, es positiva. Al igual que su primera película Con derecho a roce es un trabajo con ritmo, colorista, irónicos y cuidados diálogos y un tratamiento más adulto que el resto de comedias norteamericanas al uso. En este trabajo tan neoyorquino hay mucho de esa comedia urbana y emocional que se realizan en La Gran Manzana y del que Gluck saca su parte más florida y, porqué no decirlo, pija pero no por ello menos interesante. Sin ser exagerado no hay tanta distancia en esta Con derecho a roce de algunas de las películas urbanas de Woody Allen donde se hablaba de las relaciones de pareja.

Si Rumores y mentiras funcionaba en parte gracias a el torrente interpretativo de la interpretación de Emma Stone aquí Con derecho a roce juega gran parte de su baza en la química de Justin Timberlake y Mila Kunis. Y la cosa funciona. Tanto en las escenas de cama (geniales los primeros encuentros en Timberlake y Kunis) como en sus parloteos los dos son creíbles en sus papeles de pijos, guapos, triunfadores pero con heridas que evitan que sus personajes caigan en el estereotipo. Con derecho a roce pasa de puntillas por temas tan interesantes como la falta de valores, el miedo a quemar etapas en vida o la pérdida del ser querido sin ahondar mucho en ello quizá porque a Gluck le faltan galones para ir más allá. También es una pena que el director no sepa rematar del todo su película en un final acelerado y sin la pizca de picardía que tiene el resto de la película. Aun asi Gluck sale endemne del reto de su tercera película y dejando el follamiguismo como ese gran mito desconocido.

Lo mejor: los primeros encuentros sexuales entre Mila Kunis y Justin Timberlake

Lo peor: cierto pijismo poco aguantable

. Clooney como modelo (Javier Ocaña, El País)

Aunque un tanto histérica (las cancioncillas de fondo no paran), la película se ve con cierto regocijo mientras mantiene su juguetona efervescencia, pero en cuanto surge el amor todo se hace más convencional y rutinario

. La busqueda de la satisfacción (José Arce, La Butaca)

Más dulce que ácida, más angelical que humana ─incluso las escenas sexuales pecan de un excesivo remilgo carnal que choca frontalmente con los frescos enfrentamientos dialécticos de los amantes─, una propuesta que encuentra estimables aportes aislados, sí, pero que se diluyen en un global desilusionante

. Guerra de sexos (Sergi Sánchez, La Razón)

La película, que debería titularse «¿Por qué lo llaman sexo cuando quieren decir amor?», propone el mismo esquema que los clásicos que pretende deconstruir. Que a estas alturas se nos insista en que un hombre y una mujer que quieran ser amigos siempre acabarán en la cama resulta un poco irritante

Familia según Malick

2011-09-20T20:24:00.001+02:00

El árbol de la vida
(Terrence Malick 2011)

Viendo El árbol de la vida uno piensa que si Malick no existiera habría que inventarlo. Simple y llanamente porque la película tiene algunas de las escenas más bellas que yo he podido ver en un largometraje. Cuando uno habla de belleza formal enseguida surgen las dudas sobre la superficialidad estética o pedantería que en esta ocasión uno debe aparcar. En gran parte de El árbol de la vida hay fondo y forma. La película de Terrence Malick es uno de los retratos más lucidos sobre lo realmente complejo que es la unidad familiar y las heridas que dejan a lo largo de la vida de cada uno. Malick trata al espectador como un ser inteligente suprimiendo diálogos y subrayados innecesarios y dejando que seamos nosotros los que logremos entender todo el torrente de sentimientos que ocurren en la familia. Además están las soberbias y contenidas interpretaciones de Brad Pitt, Jessica Chastain y Hunter McCraken que junto con las líricas imágenes de El árbol de la vida logran emocionar y establecer un vinculo entre esa familia norteamericana y nosotros. Una pena que el ojo de Malick no se haya centrado únicamente en esta parte de la película.

El resto de El árbol de la vida (su parte inicial y final) la poesía y la belleza de Malick siguen presentes pero ya con menos sentido. Aunque uno llega a entender el mensaje sobre la creación y la muerte que propone el director (la escenas finales en la playa son fantásticas) no es menos verdadero que chirría después de haber visto la sinceridad con que Malick había hablado antes. No llega a ser pedante (aunque lo roza) en su visión sobre el big bang y la creación de la vida pero es una pena que no haya perdido tanto tiempo en ella... Porque en esa narración central y familiar es de lo mejor que ha realizado Malick en su vida. Lástima que le haya sobrado su intentona de hacer una triple pirueta mortal.

Lo mejor: uno de los mejores retratos sobre la familia que se ha visto en el cine

Lo peor: la sensación de que la parte sobre la creación y la de Sean Penn sobran (aunque no molestan)

. Un lugar en el universo (Enrique Lop, Cine 365)

El surgimiento de la vida en la Tierra sirve de paralelismo al nacimiento de un ser humano del que seguimos sus primeros pasos. La condensación en la representación mediante secuencias cortas de las fases iniciales de un hombre es brillante y totalmente reconocible por cualquiera sea de donde sea. Esta vocación de tratar temas universales es uno de los grandes aciertos del film que Malick sabe reflejarlos perfectamente y sin esfuerzo

. La sinfonía de Dios (Juan J. Loza, Málaga de cine)

La maestría de Malick se refleja en cada fotograma, en el trabajado montaje, a través de un guión escueto, sutil. Utiliza frases cortas, oraciones susurradas y abundantes silencios que expresan una belleza extraordinaria que conmueve y emociona

. El misterio de la luz en la oscuridad (Julio R. Chico, La Mirada de Ulises)

No hay pretenciosidad, impostación ni grandilocuencia en su discurso, por mucho que la cinta esté plagada de profundas reflexiones y de oraciones sentidas elevadas al cielo, de manieristas movimientos de cámara y marcadas angulaciones

Cruda realidad paralela

2011-09-18T09:47:00.002+02:00

Los amos de Brooklyn
(Antoine Fuqua 2009)

No es la primera vez que el cine nos enseña las entretelas más oscuras de la policia. Desgraciadamente muchas veces se deja llevar por el lado hollywoodiense y hace oidos sordos a la realidad. En muchos films los policias no dejan ser titeres buenos o malos en vez de personas con dudas e impulsos. Por eso es tan gratificante la aparición de una película como Los amos de Brooklyn donde los arquetipos y los tópicos brillan por ausencia. En vez de hacer un retrato general (y seguramente insuficiente) Antoine Fuqua se centra en las personalidades y vidas de tres policias al límite (estupendos Richard Gere, Don Cheadle y Ethan Hawke) para mostrar el estado de las cosas. En Los amos de Brooklyn no hay parloteo innecesario ni moralismo de salón sino simpleme y llanamente vida real.

Fuqua ni glorifica ni justifica a sus tres protagonistas sino que nos enseña como sus circunstancias personales les hace actuar de distinto modo. En ese momento el relato de Fuqua es demoledor porque habla de la responsabilidad de una sociedad enferma que no se quiere curar del estado del trio protagonista que ya no representan a la policia sino al ciudadano de a pie. Y con ese retrato de individuales Fuqua consigue un fresco perfecto y demoledor de la vida no sólo en Brooklyn sino en cualquier rincón del mundo. Todo ello en una película perfectamente narrada en paralelo y que obvia excesos y fuegos articiales innecesarios. Porque todo asesinato y violencia que hay en Los amos de Brooklyn no es tan duro como cualquiera de los tortuosos momentos en soledad que tienen Gere, Cheadle y Hawke. Los amos de Broolyn es una bendición porque trata al espectador como adulto sin ahorrarle ni un gramo de la realidad que se vive en las calles. Quizá por eso ha tardado dos años en estrenarse ya que mostrar la realidad nunca ha dado beneficios.

Lo mejor: su relato sobrio y sin concesiones

Lo peor: aunque Hawke está bien también está algo más pasado que sus compañeros Cheadle y Gere

. Regreso a los 70 (Alberto Abuín, Blog de cine)

Así pues los tramos protagonizados por Don Cheadle, Wesley Snipes y Ethan Hawke —hasta la utilización del mismo actor remite a ‘Training Day‘— se tornan más facilones por así decirlo, el riesgo de Fuqua es minúsculo, y en el caso de Hawke cae en subrayados innecesarios

. Lo mejor de cada casa (José Arce, La Butaca)

El espectro técnico es correcto ─quizá la fotografía de Patrick Murguia merezca una mención especial, así como una estimable banda sonora─, y Fuqua presenta una realización sobria, disponiendo con calma las piezas que han de confluir, como puede imaginar el espectador, en un epílogo tendente a la redención vía sufrimiento más o menos extremo de las partes implicadas

. Como "cowboys" suicidas (Sergi Sánchez, La Razón)

La mayor virtud de la película es su habilidad para recrear una atmósfera de desesperación, reivindicando la dimensión trágica de ese policía que ha perdido todo vínculo con los valores positivos de la institución que representa

Giallo de la Mancha

2011-09-08T11:52:00.001+02:00

La piel que habito
(Pedro Almodóvar 2011)

La piel que habito llega en el mejor momento posible. Con sus sesenta y dos años Pedro Almodóvar vive el momento más creativo y fértil de su carrera. Sus últimas películas siguen siendo tan almodovarianas como siempre pero en ella su sentido del riesgo está perfectamente acoplado con una buena narración de las historias. Por eso es bueno que esta película, en un principio, tan especial llegue cuando a mí parecer más fuerte se encuentra. La piel que habito no deja de ser una película de terror / horror europea de toda la vida con mad doctor incluido pasada por el tamiz melodramático de Almodóvar. En resumen un cóctel peligroso pero también atractivo.

Lo principal que hay que destacar en La piel que habito es que es una película especialmente bien contada. Esta historia imposible de venganzas y quirófanos está ejemplarmente desarrollada y narrada haciendo que realmente crea toda la locura que ve en la pantalla. Cosa realmente poco común en este tipo de historias. Y como autor que es Almodóvar no deja que su particular giallo se escape de sus manos cogiendo las riendas de la historia y sabiéndolo transforma cuando quiere en un melodrama colorista. Y eso es lo mejor de La piel que habito. Se sitúa siempre en el filo de lo ridículo y de lo absurdo pero nunca se cae en un metraje de dos horas. Es obvio que el director manchego se encuentra en un momento tan especial de se carrera que sabe como controlar cada detalle para hacer un conjunto más sólido de lo que uno se puede esperar.

La piel que habito se sitúa el en filo de lo ridículo o grotesco pero como un genial funambulista Almodóvar nunca llega a caerse

Antonio Banderas está sorprendentemente convincente en su película más interesante en años. Su mad doctor es alguien contenido y hermético y por ello más ambiguo y peligroso. Del resto no hay dudas. El reparto sabe como no hacer excesos y creerse unos personajes al límite. Elena Anaya, Jan Cornet, Blanca Suárez, Marisa Paredes (otra hubiera hecho un destrozo con su personaje) reconocen que ya hay suficiente locura en la película y componen ejemplarmente desde la sobriedad. Y luego está Roberto Álamo, su tigre, su acento y su historia con Marisa Paredes. Es cierto que chirría pero también lo es que es perfectamente coherente con una película al filo. En otro momento Almodóvar hubiera alargado esa parte de la película y ahora la coloca al principio sin hacerla el leitmotiv del film. Quizá para recordarnos que su cine (y en especial esta película) es como una montaña rusa de subidas y bajadas. Pero una montaña rusa cada vez mejor montada y firme pero sin perder su capacidad de sorprender.

Lo mejor: su poder de fascinación nunca decae

Lo peor: la poca entidad del personaje de Eduard Fernández

. La piel que habito es la epidermis (Ana Sánchez de la Nieta, El cine que no cabía en Twitter)

Los sentimientos, las emociones que se supone que tendrían que provocarme el horror que estoy viendo brillaron por su ausencia. Se quedaron en la epidermis. No me creí nada, no conecté, no sufrí con los protagonistas

. Mudando la piel (N.F. Cores, Cine 365)

La proeza del manchego consiste también en rizar el rizo y convertir La piel que habito en un mix bien equilibrado de géneros que se pasea a sus anchas por el thriller psicológico, la ciencia ficción biológica, el melodrama, el gore refinado y el terror al estilo clásico

. El triunfo de las formas superficiales (Julio R. Chico, La Mirada de Ulises)

En su nueva propuesta, Almodóvar arriesga y continúa moviéndose entre las formas esteticistas de unos interiores de exquisita decoración y una temática en que la pasión sexual o la violencia sádica se hacen tan enfermizas como explícitas y excesivas

Los monstruos recuperados

2011-08-21T12:22:00.000+02:00

Super 8
(J.J. Abrams 2011)

Es curioso que la gran película de este verano y que puede ser una de las más taquilleras del año tenga una de las caligrafías más clásicas vistas en el cine de Estados Unidos de los últimos años. Es obvio que sus referentes claros es un tipo de cine hecho en los 80 pero donde uno debería fijarse es en el impulsor de esas películas, Steven Spielberg. Como le puede pasar a J.J. Abrams, Spielberg ha sufrido las etiquetas de director “comercial” y “vendido al público” cuando es uno de los directores con más gusto por el clasicismo en su cine. Pues J.J. Abrams se ha empapado de toda esta sabiduría de “lo clásico” para su película.

Al revés de lo que uno podía pensar Super 8 no es una película tan dinámica ni juvenil. Para encontrar esas virtudes debemos mirar atrás y fijarnos en la estupenda Star Trek. Abrams entiende con inteligencia que Super 8 debe tener la virtud de la nostalgia y utiliza con habilidad la épica emocional para construir una obra más sobria y oscura de lo que parece. Con menos humor de lo habitual Super 8 tiene las virtudes del buen cine de toda la vida y Abrams cuenta una historia aparentemente aparatosa con trazos de director que sabe lo que se hace y entiende que el cine va más allá de lo que se esta viendo en pantalla. Eso si como hacia su maestro Spielberg, Abrams sabe como lucirse como gran director virtuoso en las secuencias de acción como el accidente de tren o cuando nos muestra la morada del monstruo. Pero esas demostraciones de poder no chocan con todo el sentido (y sensibilidad) que el director demuestra dejándose cualquier alarde megolamaníaco para otro director con más hambre de taquilla. Cierto que ahí están adolescentes norteamericanos en bicicletas, un Michael Giacchino como sustituto de John Williams, un extraterrestre perdido en el planeta Tierra y todos los referentes conocidos. Pero también queda un director que sigue amando el arte de hacer cine y que sólo está empezando. Que dure la cosa.

Lo mejor: su clasicismo

Lo peor: le faltan veinte minutos

. Deleitoso juguete cinéfilo (Jordi Batlle Caminal, La Vanguardia)

Es fascinante ver cómo los universos de los dos autores se funden con armonía: la extrañeza habitual en Abrams cruzada con la infancia de Los goonies

. Escaneando a todo color (José Arce, La Butaca)

Cine de verano, de palomitas, para ver en compañía, pero que no pasará más allá. Nada que reprochar en el intento, pero su fugacidad como escaneado a todo color de la obra de Spielberg es demasiado evidente

. Volviendo a querer ser un Goonie (Bea Varela, Trailers y estrenos)

La primera hora de la película es fantástica, la mezcla de ciencia ficción con historia de aventuras y amistad funciona a la perfección, te mete de lleno en la historia, te recreas en los recuerdos y sientes interés por lo que te están contando y por cómo te lo están contando, todo ello ayudado de un apartado técnico impecable, con unas escenas de acción muy bien logradas (sustos incluidos) y la música del compositor de cabecera de J.J. Abrams, Michael Giacchino, acompañando maravillosamente

Tensión entre superpotencias apta para todos los públicos

2011-08-07T18:41:00.000+02:00

El caso Farewell
(Christian Carion 2009)

El caso Farewell parece una película de otra época. Enmarcada en la tradición de películas de espías europea el film está realizado con la sobriedad y eficacia que este tipo de historias tienen. Para bien y para mal El caso Farewell se aleja de cualquier fuego de artificio y se limita a contar en dos o tres trazos el conflicto entre los bloques occidental y comunista. A través de un caso real uno intuye la tensión, paranoia y violencia que se respiró en esos años donde la información era un valor más preciado que cualquier tipo de bomba..

El problema de El caso Farewell es que una virtud como la sobriedad se acaba convirtiendo en un problema. Al final la película tiene cierto tufillo a telefilm de lujo que trata con demasiada frialdad un tema de importancia tan grande. Por eso la aparición de personajes históricos como Ronald Reagan o François Mitterrand parecen ser unos muñecos lujosos que nunca se convierten en personas de verdad. Y en esa tesitura se encuentra El caso Farewell que logra acercar un pedazo de historia a todos los públicos pero que no rasca más allá de la superficie. Afortunadamente el personaje de un acertado Emir Kusturica logra insuflarle algo de vida y humanidad a una entretenida película realizada con una profesionalidad intachable.

Lo mejor: el personaje de Emir Kusturica

Lo peor: el momento Queen

. El drama humano tras los terremotos políticos (Beatriz Maldivia, Blog de cine)

‘El caso Farewell’ no es una película perfecta ni cuenta con ningún aspecto concreto llevado a cabo de manera grandiosa. Pero tiene la virtud de sostener la curiosidad durante sus casi dos horas de duración. Con algún momento especialmente logrado y unas interpretaciones sentidas y auténticas, funciona como drama y como recuerdo de una época que parece más pasada de lo que es

. La sutileza del espía (Javier Ocaña, El País)

Con un ritmo mucho más calmoso del habitual, la película está infinitamente mejor dirigida que escrita

. Espías como nosotros (Sergi Sánchez, La Razón)

Las escenas de tensión se reducen a lo mínimo y el espionaje se desnuda de su aparato místico, dando espacio para que la vulnerabilidad de los protagonistas conquiste el ánimo del espectador

Peligro, Hillary Swank estrena

2011-08-01T16:17:00.000+02:00

La víctima perfecta
(Antti Jokinen 2011)

Dentro de unos años la carrera de Hillary Swank será estudiada por universidades de todo el mundo. Tras dos papeles potentísimos y multipremiados (Boys don’t cry y Million Dollar Baby) Swank se encaminó por una carrera extraña trufada de películas que no son ni buenas ni malas sino simplemente invisibles. Nunca sabremos si la culpa de este camino es de su agente, Hollywood, el mercado o la propia Swank. Con lo cual a estas alturas Hillary Swank no deja de ser un enigma que nos impide poder clasificarla en ningún sitio en la actualidad (o la historia) del séptimo arte. Y La victima perfecta no parecia una película que resucitará la carrera comatosa de la actriz.

Con el típico material de derribo de psicópata acosador La víctima perfecta cumple con la previsibilidad que nos temíamos al ver su trailer. Y quizá conociendo esos problemas su director le pone más empeño que nunca. Porque La víctima perfecta puede ser acusada de previsible pero nunca de cutre o barata. Antti Jokinen cuida la producción de la película haciendo un montaje preciso y respetando el cine de genero (y el cine en general) como lo que es, arte. Para ello cuenta con la imprescindible ayuda de la gran fotografía de Guillermo Navarro. Gracias al cuidado y mimo de sus aspectos técnicos La victima perfecta acaba colando con una agradable inquietud. Si a eso le sumamos un par de detalles de erotismo malsano (una pena que la película no vaya por ahí), alguna referencia de pasada al giallo, sus ganas de ir al grano (por fortuna no hay epilogo moralizante) y un dúo protagonista bastante sólido uno no acaba con la sensación de tomadura de pelo que se esperaba.

Lo mejor: la fotografía de Guillermo Navarro

Lo peor: demasiado previsible

. Hillary Swank corretea semidesnuda en un "thriller" fallido (Mariló García, Cinemanía)

La Swank sostiene prácticamente toda la película, tan sola como el miedo al aislamiento que nos quieren transmitir (chicas, vivir sola es peligroso, ¡venga ya!) y regalándonos algunos desnudos elegantes, pero gratuitos

. Mirando por un agujerito en la pared (Carlos Colón, Diario de Sevilla)

Hilary Swank está bien, en todos los sentidos. Jeffrey Dan Morgan hace correctamente de doble de Bardem. Aparece unos minutos Christopher Lee, lo que siempre se agradece, porque esta película forma parte de un proyecto de recuperación de la productora Hammer, que tan buenos ratos nos hizo pasar en cines de barrio y de verano con sus vampiros, momias y doctores majaretas

. Otro perturbado en Nueva York (Pablo Orihuel, La noche americana)

Es sólo una película más, que caerá en el montón de los olvidados, esas películas que no tuvieron la grandeza de, al menos, intentar hacer historia, aunque sea con la excusa más tonta

Cuestión de clase(s)

2011-07-29T20:12:00.000+02:00

El hombre de al lado
(Mariano Cohn, Gastón Duprant 2009)

El verano siempre ha tenido la (mala) fama de estar lleno de blockbusters que muchas veces son de calidad dudosa. En cambio se habla poco de que el verano es una época donde se estrenan algunas joyas que por su contenido difícil no encuentran acomodo en otros meses del año. Una de estos diamantes en bruto es la argentina El hombre de al lado. Con un estilo frío deudor de un Haneke o unos Dardenne la película le suma un peculiar sentido del humor negro para construir una demoledor retrato sobre la realidad la clase alta burguesa.

La película narra como un triunfador arquitecto ve como su intimidad es invadida cuando su desagradable vecino construye una ventana enfrente de su casa. Como espectador ponemos el chip en clave trhiller estilo De repente, un extraño para ponernos al lado del supuesto bueno de la película. Pero El hombre de al lado no es un trhiller. En realidad tampoco es una comedia y un drama ya que su inteligencia trasciende a cualquier clasificación. Mariano Cohn y Gastón Duprat retratan con un ojo clínico la hipocresía, mediocridad y (en parte) violencia de una personaje (y una clase) cuya desconfianza y desprecio por los demás ayudan a crear un mundo peligroso para la humanidad. Rafael Spregelburd interpreta magistralmente a un cobarde que utiliza la mentira para sobrevivir y lograr que su mundo artificial siga existiendo sin ninguna invasión del exterior. El retrato se completa con el otro lado del espejo donde un descomunal Daniel Aráoz se come la pantalla con un personaje fascinante que durante toda la cinta no deja de ser amenazador pero cuya honradez y sinceridad acaba triunfando frente a esa clase tan pacifica (¿?) como amenazante que ejemplifica Spregelburd.

Además de un ataque lúcido e inteligente a una clase burguesa, acomodada e inhumana El hombre de al lado nos ofrece uno de los duelos actorales más apasionantes de los últimos años

Aunque a Cohn y Dupraz se les puede acusar de utilizar algún subrayado de más para reflejar la podredumbre del personaje de Rafael Spregelburd generalmente siempre acierta. Además El hombre de al lado nos deja algunos de los mejores duelos actorales vistos en años como son los que nos brindan Spregelburd y Aráoz a través de esas ventanas que reflejan dos mundos distintos. Mundos que nunca se tocan si algunos privilegiados pueden impedirlo haciendo lo que sea necesario.

Lo mejor: cualquiera de los careos entre Rafael Spregelburd y Daniel Aráoz

Lo peor: un par de subrayados prescindibles en el personaje de Spregelburd

. El agujero en la pared y un desencuentro inevitable (Fernando López, La Nación)

El film no ahorra mordacidad (en el fondo, lo más grave es que los dos tienen algo de razón) y es algo ambiguo respecto de sus simpatías, pero deja que los hechos que el guión imaginó, y que hacen progresar la acción más allá de algún titubeo ocasional, intensifiquen la sorda violencia hasta que en el patético giro final cada uno revele su verdadera cara

. Miradas a una intimidad mezquina (Julio R. Chico, La mirada de Ulises)

El guión es preciso en su construcción, con abundantes situaciones cómicas y todo un repertorio de gags que se suceden en el tiempo sin dar la sensación de acumulación ni de artificio -salvo el desenlace, algo forzado en busca de la puntilla crítico-moral–

. La verdad a la vista (José Arce, La Butaca)

La batalla anímica que se desarrolla en torno a la casa se despliega a lo largo de un metraje que aúna de modo peculiar tragedia, comedia y sátira global, un tortazo sarcástico cuyo cierre, a pesar de presentarse de modo un tanto forzado, funciona perfectamente con el resto del conjunto. Qué perra es la vida en ocasiones. Para todos

Autopista hacia lo freak

2011-07-26T18:30:00.001+02:00

Paul
(Greg Mottola 2011)

Es complicado no tenerle simpatía a Paul. Ya desde el principio se nota que es una película escrita desde el cariño por parte de sus dos protagonistas , Simon Pegg y Nick Frost. En Paul se nota que hay un guión escrito por un par de colegas que ha llevado algunas tardes (y noches) de recuerdos, cultura popular y risas. Por eso no es difícil ponerte del lado de Paul, especialmente de su historia. Pero luego está la película.

Aunque Paul tiene muchos elementos positivos tiene que lidiar con el hecho de que una estupenda broma cómplice entre dos amigos debe convertirse en una película. Y es más en una película de Hollywood. Por eso se echa en falta que Paul consiga con el espectador una complicidad que nos transforme en un miembro de ese dueto que forman Pegg y Frost. Al final Paul queda como una especie de hermano menor de Zombies Party y se nota que en el espectáculo falta un perfecto maestro de ceremonias como hubiera sido Edgar Wright (aunque Greg Mottola hace un buen trabajo). Los guiños a Spielberg y la ciencia ficción (la aparición de Sigourney Weaver no es casual) están bien dosificados asi como el ritmo de una película que siempre tiene nuestra atención aunque no nuestra pasión incondicional. La razón principal es que Paul a veces cae en el recurso de convertirse en una típica road movie cómica de persecuciones que en una película sólida. Curiosamente la estrella de la película (Paul) acaba palidiciendo ante un estupendo reparto humano destacando una emocionante Blythe Danner en un personaje en el que Pegg, Frost y Mottola han sabido capturar la esencia del creyente. We want to believe. Y aunque a Paul se le eche en falta algo más de morro hay motivos para creer en él.

Lo mejor: es imposible no tenerle simpatía

Lo peor: en momentos se vuelve rutinaria

. El viaje a EE.UU no sienta bien a Pegg y Frost (Beatriz Maldivia, Blog de cine)

Arranca con brío y se va deshinchado según progresa, en su estructura ya consabida y explotada de road-movie, hacia un final bastante convencional

. Un extraterrestre en el que quiero creer (Luis M. Álvarez, Extracine)

Conocedor de que tiene en sus manos un guión excepcional, Greg Mottola no sólo se limita a buscar el encuadre adecuado para cada uno de los impagables momentos a los que se enfrenta un grupo de terrícolas que protegen a un extraterrestre que, más que perdido, ha estado prisionero en la Tierra, sino que sabe enfatizar con sutileza y acierto todas y cada una de las situaciones en las que se ven envueltos, valiéndose de imágenes contundentes, cuando no dispone de diálogos

. Un alien sin censura (Adrián Pino, Llums de la ciutat)

La historia ha sido construida como una alocada comedia de aventuras que nos engancha de principio a fin. Greg Mottola, el director, se muestra hábil presentando a sus personajes y la misión que les ocupa, de modo que uno entra en la película rápidamente y espera con ganas la llegada del alien. Luego todo es un no parar de huidas, encuentros inesperados, peleas y nuevas huidas; en ningún momento se pierde el ritmo y la película se digiere con facilidad

Feedback adelanta Sitges 2011. Entrevista a Mike Hostench subdirector del Festival Internacional de Cinema de Catalunya

2011-07-20T23:51:00.002+02:00

La próxima edición del Festival de Sitges promete. Con motivo del décimo aniversario del estreno de la soberbia A.I. Inteligencia Artificial el festival dedicará su 44 edición a la inteligencia artificial. Como muestra tenemos los asombrosos posters creados por la compañía de publicidad China con dos geminoides creados por el Hiroshi Ishiguro en Japón.

Dado que este Sitges tendrá un leitmotiv tan científico, el espacio de ciencia Feedback (creado por Ángeles Gómez) ha hablado con el subdirector del festival Mike Hostench para que nos anticipe cuáles son las novedades de una edición que más nunca mirará al futuro.

. Feedback: Inteligencia Artificial en Sitges. Entrevista a Mike Hostench

Caballero sin espada

2011-07-18T18:52:00.000+02:00

Convención en Cedar Rapids
(Miguel Arteta 2011)

Que Convención en Cedar Rapids esté producida por Alexander Payne y Jim Taylor es un detalle que no se debe pasar por alto. Al igual que sus películas esta historia tiene un importante poder humanista donde nos disponemos a conocer las virtudes y miserias de la gente más sencilla posible. Siguiendo a un personaje cercano al de una película de Capra, Convención en Cedar Rapids nos muestra como un honrado agente de seguros (¿?) pueblerino descubre las trampas y mentiras del mundo real en una convención. En vez abordarlo por el lado oscuro Miguel Arteta opta por hacer una comedia sencilla y ligera sin regodearse en la crueldad de ese descenso a los infiernos.

Al final Convención en Cedar Rapids es tan ingenua como el personaje que interpreta Ed Helms. Arteta no aspira a conocer a sus personajes más allá de sus estereotipos y no ahondar en una realidad mucho más cruda quizá porque su objetivo es no perder ese tono de sencillez que tiene la historia. Al final Convención en Cedar Rapids nos deja a un estupendo trio protagonista con Ed Helms realizando su prototipico papel, John C. Reilly sabiendo aportar locura y carisma en una película necesitada de algo de vida y una madura y serena Anne Heche cada vez mejor actriz. Si a todo eso se le suma la elegancia con que está rodada y fotografiada (la escena de la piscina Convencion en Cedar Rapids se convierte en un agradable paseo por una América nada glamourosa ni original pero cercana.

Lo mejor: John C. Reilly

Lo peor: a veces peca de ser demasiado ingenua

. Modo seguro (José Arce, La Butaca)

Su tendencia a la amabilidad melosa no convierte “Convención en Cedar Rapids” en una comedia menos divertida, con un reparto liderado por un estupendo Ed Helms que encuentra el apoyo necesario en imprescindibles como John C. Reilly, Stephen Root, Anne Heche, los icónicos Kurtwood Smith y Sigourney Weaver o el omnipresente Thomas Lennon

. Inocencia burlada (Jordi Costa, El País)

Es importante dejarlo claro: en esta pequeña película hay una gran película; la piel de comedia de la crueldad de última generación protege un poderoso relato sobre la pérdida de la inocencia en un universo donde los valores ideológicos (religiosos, empresariales) no son más que la cortina de humo de una mediocridad corrupta

. Convención en Las Vegas (Ana Sánchez de la Nieta, Fila Siete)

A Arteta además se le notan las ganas de imitar a Capra y hacer un poco de crítica social, pero ésta es tan leve, tan maquillada, que se diluye antes de que lleguen los títulos de crédito

Elige tus mitos (o momentos) eróticos del cine

2011-07-15T12:59:00.000+02:00

Todos sabemos que el sexo quizá sea la cosa que más venda del mundo. No en vano es lo que lleva al ser humano a mostrar lo mejor y lo peor que tiene dentro. Y el cine ha sabido utilizarlo creando imágenes y momentos para el recuerdo eso si utilizando más el erotismo que el sexo puro. En la futura temporada de Vivir Rodando (y en colaboración con Esperanza Gómez) habrá un programa dedicado a mitos (o momentos) eróticos del cine y por eso os pedimos ayuda para encontrar los más significativos. Desde clásicos como Marilyn Monroe, Mae West, Brigitte Bardot, Marlon Brando en Un tranvia llamado deseo ,a casos más recientes como la Kathleen Turner de Fuego en el cuerpo , Sharon Stone, la pareja Naomi Watts y Laura Elena Harring de Mullholand Drive. Colabora en un programa muy especial (que se podrá escuchar en septiembre u octubre) y cuéntanos tus mitos (o momentos) eróticos favoritos de la historia del cine. Por medio de mail (vivirodando@gmail.com) o través del Facebook o Twitter de Vivir Rodando.

Las películas son los nuevos libros

2011-07-08T19:33:00.000+02:00

Bad Teacher
(Jake Kasdan 2011)

Como todo el mundo sabe cuando un profesor pone una película en clase (generalmente) su objetivo es ganar ese tiempo sin ejercer la docencia. Pues Bad Teacher en un gran acierto muestra que esta práctica es la utilizada por el personaje de Cameron Diaz para dar clase. Poner películas a los alumnos para poder dormir o emborracharse en su horario laborar. Su excusa es que "las películas son los nuevos libros". Quizá el primer objetivo de Bad Teacher no es ser una película crítica con el sistema educacional pero bajo su apariencia de comedia de humor grueso acierta con el verdadero estado de la educación de niños / adolescentes en el mundo. En punto muerto. En un acertado diálogo Diaz confiesa a un alumno que el colegio no deja de ser un escalon olvidable hasta llegar al único sitio donde uno puede ser libre en su juventud, la universidad (algo cuestionable)

Como grandísima cómica que es, Cameron Diaz borda un personaje inhumano, insoportable y con un desprecio total por el resto de seres humanos (especialmente sus alumnos). Pero el gran acierto de Jake Kasdan es que el otro extremo, los que podríamos denominar buenos, son retratados como personajes peores que la Elizabeth Hasley de Diaz. La hipocresía y estupidez del personaje de Justin Timberlake o la psicopatía del de Lucy Punch (los dos geniales) enmarcan Bad teacher en un entorno pesimista donde el alumno no deja de ser un ave de paso que espera no salir del todo herido. Kasdan acierta en no bajar el tono de Bad Teacher e intentar salvar al personaje de Díaz que no en ningún momento deja de su bajada a lo más abyecto (y divertido) del ser humano. Sólo es prescindible esa escena final con el decepcionante personaje de Jason Segel donde Kasdan parece bajarse los pantalones. No es una película neorrealista sobre la educación (ni lo pretende) pero bajo sus grandes dosis mala leche quizá encontremos un espejo sobre lo mal que lo estamos haciendo para educar a los futuros dueños del mundo. Hay mucha risa en Bad Teacher pero también bastante miedo.

Lo mejor: Cameron Diaz vs. Lucy Punch

Lo peor: la escena final entre Jason Segel y Cameron Diaz

. Una comedia muy gamberra (José A. Murillo, No es cine todo lo que reluce)

Bad Teacher es una comedia muy divertida, muy gamberra y entretenida, totalmente recomendable, espero que os lo paséis tan bien como lo he hecho yo

. ¡Qué bien le sienta ser soez a Cameron Diaz! (Juan M. Fdez, Vanitatis)

La cinta es un no parar de gags en los que la combinación de las palabras soeces de Díaz con el tocapelotismo de la divertida secundaria Lucy Punch, harán las delicias de los amantes de este tipo de comedias. Quédense con su cara. Punch dará que hablar en un futuro

. Profesora huevona busca película vaga (Javier Ruiz de Arcaute, Las horas perdidas)

Una peli de sota, caballo y rey para sobremesa de fin de semana. No da para más

Cachondeo referencial

2011-07-06T11:59:00.004+02:00

Caballeros, princesas y otras bestias
(David Gordon Green 2011)

Está claro que David Gordon Green tiene mala suerte en España. Después de que una obra que recibió tan buena criticas como Superfumados pasará sin pena ni gloria le ha tocado otro tanto a Caballeros, princesas y otras bestias. A pesar de ser un proyecto más ambicioso y de contar con Natalie Portman o James Franco en el reparto la película ha sido marginada de forma bastante increíble. Y aunque la serie escrita por Danny McBride y Ben Best, De culo y cuesta abajo (guionistas de Caballeros, princesas y otras bestias) va poco a poco siendo más apreciada sigue viviendo en cierta marginalidad. Y es una pena porque Gordon Green o McBride tienen mucho talento para esta nueva comedia norteamericana que saben utilizar un estilo directo e incluso soez con mucha inteligencia.

Especie de divertimento sobre cuentos medievales Caballeros, princesas y otras bestias acierta en su tono gracias a que sus referentes están realmente bien buscados. No es una película hecha por el gracioso de turno sino que uno puede encontrar ecos de Los caballeros de la mesas cuadrada y sus locos seguidores donde cada broma estaba perfectamente argumentada en su entorno. Minotauros, brujas, amuletos...son utilizadas con gracia y sentido al servicio de una historia que como buena historia medieval cumple con todas sus etapas: viaje por grandes laderas, batallas con monstruo, encuentro con una pieza preciada (la espada), lucha final con mago malvado.... Aunque el rey de la función acaba siendo un estupendo Danny McBride que logra levantar los momentos de bajón del film cuando Caballeros, princesas y otras bestias se vuelve más rutinaria. Aparte de estar bien acompañado por gente como Portman, Franco, Justin Theroux o Toby Jones sabedores de la juerga a la que han sido invitados. Una pena que al final la película se quiera tomar demasiado en serio a si misma y se olvide del sano cachondeo que debería presidir de principio a fin la película. Quizá el mal recibimiento que ha tenido Caballeros, princesas y otras bestias en todo el mundo se dbe que David Gordon Green se queda a medias y no sabe rematar cuando la película pide a gritos más locura, juerga, sexo y sangre. Al final Caballeros, princesas y otras bestias es una comedia entretenida pero demasiado simple.

Lo mejor: Danny McBride

Lo peor: le falta locura

. ¡Por la gesta! (José Arce, La Butaca)

Lo que propone David Gordon Green a partir de un libreto totalmente descerebrado, lisérgico y desmitificador no es sino un encadenamiento de gags chocarreros y picajosos cuyo humor nace de la descontextualización de su cuadrilla central

. El candado de la princesa (Javier Ocaña, El País)

Como si los chicos de Porky's, Desmadre a la americana o American pie se hubiesen perdido en un cuento infantil, pero con infinita menos gracia

. ¿Dónde te has metido, Portman? (Sergi Sánchez, La Razón)

Danny McBride carece por completo de chispa, la aparición de Natalie Portman como amazona vengadora está fuera de lugar y todos los chistes con penes, gays y etcétera parecen salir de un fumadero de mal opio

África bajo la piel

2011-07-04T21:05:00.001+02:00

- Una mujer en África - (Claire Denis, 2009)

Si el mundo ha humillado desde siempre al continente africano el cine no iba ser distinto describiendo algunas veces África como una vergonzante postal. Por suerte luego hay películas como Una mujer en África que hablan del continente desde dentro, desde la piel de los protagonistas. Teniendo la película de Claire Denis un argumento muy sencillo que se podría contar en un par de líneas, la obra dice muchas cosas a través de las poderosas imágenes que crea la directora magistralmente acompañadas por la música de Tindersticks.

Aunque está envuelta en el contexto de una revuelta en África, la película habla sobre la pertenencia a un lugar. Como Isabelle Huppert cree que su único lugar en el mundo es su plantación pero en cambio África no acepta a ese white material por mucho empeño que ponga ella. Todo bajo un clima de violencia y tensión que Denis firma sin ningún tipo de escabrosidad ayudada por esa serenidad que aporta el personaje de Huppert. Sin diálogos ni explicaciones excesivas Una mujer en África habla sobre el colonialismo y la violencia en el continente simplemente mostrando unos trazos sin apenas subrayados (una mirada, un plano a un arma...) Simplemente mostrándonos y metiendonos en las pieles blancas y negras de los personajes. Por eso sorprende y avergüenza que alguien que rueda de forma tan poderosa haya estrenado por primera vez en España veintiún años después de su opera primera.

Lo mejor: las poderosas imagenes de Denis sumadas a la música de Tindersticks

Lo peor: que sea la primera película de Denis estrenada en España

. Cuando lo blanco no se vuelve negro (Luis M. Álvarez, Extracine)

Isabelle Huppert vuelve a demostrar el motivo por el que es considerada una de las mejores actrices, ya no francesas, sino del mundo mundial. Ella sola, y casi sin diálogos, es capaz de soportar sobre sus hombros toda la película

. Maravillosa descripción del orgullo colono blanco encarnada con pericia por Isabelle Huppert (Nando Salvá, Cinemanía)

Melodrama político muy físico y a la vez completamente abstracto, es una historia íntima y pesadillesca acerca de hombres blancos enfrentados al final de su poder económico poscolonial en algún país africano dividido entre un gobierno corrupto y un anárquico movimiento rebelde

. Tenía una granja... (Begoña del Teso, Diario Vasco)

´Una mujer en África' fluye ante nuestros ojos con pasmosa elegancia casi monacal, nos hunde en la butaca con algunos planos que zarandean el alma y su raíz se enreda, salvaje, en nuestro ánimo

Tan confortable como el propio hogar

2011-07-01T18:37:00.001+02:00

- Win Win (Ganamos todos) - (Thomas McCarthy, 2011)

Tras el cierto eco mediático que tuvo The Visitor uno podia sospechar que Thomas McCarthy querría hacer algo más ambicioso en su próxima película para llamar la atención definitivamente. Pues todo lo contrario. Si una cosa destaca de Win Win (Ganamos todos) es su extraordinaria e insobornable sencillez. McCarthy vuelve a retratar a hombres comunes y buenos alejados de cualquier foco de glamour en donde la sencillez es su principal baza en la dirección.

Win Win (Ganamos todos) tiene un gran virtud que sólo poseen cierto tipo de películas. Es una película previsible donde sabes los pasos que va a dar cada personaje. Historia de adolescentes perdidos, padres de familia con dudas y con un microcosmos humilde y seguro Win Win (Ganamos todos) tiene su mejor baza en la comodidad con que uno se encuentra dentro de ella. Sabedor que es una historia sencilla y sin sorpresas McCarthy se centra en un reparto magnifico (donde sorprende Alex Shaffer) que sin estridencias te acaba conquistando y que estés atento a la pantalla aunque, paradójicamente, sepas lo que va a ocurrir. Parte de su triunfo es que McCarthy rueda sin ningún tipo de excesos, ni cae en la lagrima fácil con escenas dramáticas muy contenidas (también mérito de los actores) ni en un pastiche de comedia dramática deportiva ya que el deporte de la lucha está perfectamente insertado en la película. No pretende forzarnos a llorar ni reir dejando la historia hable por si misma. Y a pesar de sabertela uno se da cuenta que ha visto Win Win (Ganamos todos) prácticamente sin pestañear. Thomas McCarthy vuelve a estrenar de puntillas otra película pero poco a poco su nombre cada vez es más conocido para mucha gente. Simplemente con el peligroso arma de la sencillez.

Lo mejor: su excepcional reparto

Lo peor: la historia te la sabes

. Escritor de personajes (Javier Ocaña, El País)

Enormes personajes, existencialistas de bolsillo, sabios de la condición humana desde estudios basados casi en la vagancia, como aquel escribiente Bartleby que siempre prefería no hacerlo

. La victoria del plano medio (Sergi Sánchez, La Razón)

El resultado es tan previsible como la vida en esos suburbios americanos que son tan idénticos a sí mismos

. Clichés hiperrealistas (Mª Dolores Clemente Fernández, Cine Maverick)

Impecablemente escrita y trufada de detalles cómicos y de momentos rebosantes de autenticidad, Win Win, ganamos todos da toda una lección de humanidad y de empatía con el prójimo sin caer en la sensiblería barata

Más de lo mismo ¿Por qué no?

2011-06-27T19:35:00.003+02:00

- Resacón 2 ¡Ahora en Tailandia ! - (Todd Phillips, 2011)

Primero confirmar lo que todos sospechan. Sí, Resacón 2 ¡Ahora en Tailandia! es prácticamente idéntica que su antecesora. Es más algunas de sus secuencias pueden estar copiadas al milímetro de Resacón en Las Vegas. Después de esa afirmación uno puede montar en cólera y despotricar sobre la maquinaria inhumana de Hollywood que sólo se dedica a producir películas como si fuera una fábrica de churros. La otra opción es dejarse uno de filosofar y apuntarse a la fiesta. Todd Phillips sabedor de la obligación de hacer una continuidad tras el megaexito de la primera parte opta por el camino más inteligente, coger todas las virturdes de esta y sobredimensionarlas. Y la cosa funciona bastante bien.

Resacón 2 ¡Ahora en Tailandia! ya no es un descubrimiento ni una sorpresa pero tiene la virtud de ser como una explosión de humor sucio con un excepcional sentido del ritmo. Si obviamos un epilogo y un prologo que no aportar mucho la parte central de la película de Todd Phillips no se corta un pelo en su búsqueda de un humor tan caótico como efectivo dejando momentos tan surrealistas como la canción que canta Ed Helms o impactantes como la conversación con una prostituta en el puticlub. El resto ya lo sabemos Zach Galifianakis se merienda las escenas, Ken Jeong se luce, Ed Helms demuestra lo buen actor cómico que es, Bradley Cooper cumple, el soso Justin Bartha por suerte no tiene mucho protagonismo y encima ¡sale un mono que fuma!. Todo ello entre secuencias quizá no tan brillantes como la primera pero no por ello menos disfrutables. Porque la lógica de Phillips tiene su sentido. Sí uno se rió con Resacón en Las Vegas, ¿por qué no hacerlo con una película parecida o igual?

Lo mejor: las fotos finales

Lo peor: obviamente el efecto sorpresa ha desaparecido

. Provocadora insistencia (Ezequiel Boetti, Noticine)

"Resacón 2, ¡ahora en Tailandia!" apunta directo al tuétano de la idiosincrasia norteamericana muñida de una incorrección subyacente impactante, que pone patas arriba todo lo modélico

. Borrachera clónica (María Guerra, La script)

¿Funciona Resacón 2? Solo para los entregados a la causa. Funciona para aquellos que estén dispuestos a olvidar las sorpresas, los giros y los retruécanos disparatados de su hermana mayor. Eso ya es bastante, porque Phillips quiso ampliar el fenómeno con Salidos de cuentas con Galifianakis y Robert Downing Junior, y no consiguió arrancar más de dos risas al respetable

. Ha vuelto a suceder... (Jesús Benabat, El cine que vivimos peligrosamente)

Resacón 2 es un despropósito mayúsculo que amenaza con reeditarse indefinidamente mientras los beneficios sigan abultando los fondos de su productora, tal y como está ocurriendo desde su esperado estreno a escala internaciona

Infiel e insustancial

2011-06-25T19:20:00.000+02:00

- Sólo una noche - (Massy Tadjedin, 2010)

La infidelidad ha sido uno de los temas favoritos del cine durante toda su historia e incluso algunos autores como Woody Allen o Ingmar Bergman han logrado hacer auténticas tesis sobre ella. Ahora Massy Tadjedin intenta profundizar en Sólo una noche sobre las dudas de un matrimonio con respecto al compromiso y la fidelidad llegando a plantear el sentido que tiene la unión matrimonial. Y hay que reconocer que la idea promete y está bien planteada al desarrollar esas dudas a través de una relación en paralelo de cada uno de los miembros de la pareja. El problema es que Tadjedin acierta en su planteamiento pero falla por completo al alimentarlo de unos personajes con los que sentir algún tipo de empatía. Porque los personajes de Sólo una noche parecen maniquíes cortados por un patrón donde sus supuestos problemas parecen chiquilladas impropias de unos personajes supuestamente inteligentes.

Lo que en un principio parece un cuarteto potente se desintegra poco a poco como un azucarillo. Sam Worthington no da visos de ser la estrella que viene aportando una cara de palo permanente a un personaje en supuesta lucha contra su conciencia. Así como no son muy bien recibidos ciertos tics de Keyra Knightley cuyas dudas a veces son demasiado cercanas a cierto pijismo superficial. Más culpa tiene la directora de no saber sacar partido a Eva Mendes o de retratar al principio a Guillaume Canet como el típico amante francés de salón. Aunque el principal problema es la poca humanidad que muestran unos personajes salidos de algún relato cool en alguna revista neoyorquina y cuyas cuitas acaban no importando nada. Cierto es que cuando Tadjedin quiere dejar de lucirse con una impostada profundidad surgen algunos buenos momentos como la última parte de la relación entre Knightley y Canet donde los personajes de postal se vuelven reales y humanos. Porque la verdad es que antes no importaba mucho lo que les pasara.

Lo mejor: los momentos finales entre Keyra Knightley y Guillaume Canet

Lo peor: su impostada profundidad de clase alta

. La tentación (Beatriz Maldivia, Blog de cine)

Tadjedin consigue que ‘Sólo una noche (Last Night)’ tenga un aspecto elegante y aparente, gracias a la oscura fotografía, a la elección de las localizaciones o decorados y a sus decisiones de realización. Es decir, la cineasta demuestra un pulcro gusto estético a la hora de poner en imágenes estos diálogos

. Pretencioso aburrimiento (Miguel Ángel Tejero, La noche americana)

El principal problema, de los muchos que asolan la película, es lo poco interesante de sus personajes. No sabemos mucho de ellos y no terminan de desarrollarse a lo largo de los 90 minutos de metraje, a pesar de en algunos casos no paran de hablar

. Hablamos de infidelidad. Lo mejor: la pareja Knightley-Canet (Mariló García, Cinemanía)

El problema de Sólo una noche es la pareja Worthington-Mendes, que no transmite ese deseo por lo prohibido. Al contrario, la química Knightley-Canet es brutal (tal vez por lo que guarda de amor imposible)

Darín contra todo

2011-06-24T18:11:00.001+02:00

- Un cuento chino - (Sebastián Borensztein, 2011)

Hay actores cuyo principal mérito no es sólo ser buen actor sino tener un carisma que arrastra al espectador hacia su interpretación. Y ese carisma va más allá de cualquier técnica interpretativa o de la calidad de los trabajos en los que participa sino que es algo innato que se lleva en la sangre. Es obvio que uno de estos ejemplos en el panorama actual es Ricardo Darín. Porque si un actor que no forma parte del star system hollywoodiense atrae e hipnotiza al público español ya sea ahciendo cine, teatro o una simple entrevista es que tiene algo especial. Por eso Un cuento chino es la clase de película donde si el actor protagonista no fuera el que es la película no existiria.

Sencilla comedia dramática, Un cuento chino no enamora ya que bajo su ligereza no hay mucho más donde se pueda rascar. Cierto es que, al revés que otras del mismo corte, Sebastián Borensztein no desespera alargando ciertas situaciones sentimentaloides por otra parte previsibles (la ruptura de la vitrina de la madre). En su falta de pretensiones está lo mejor y lo peor de la película. Porque suena forzado el intento de lograr vinculos de sufrimiento y perdidas entre los dos personajes protagonistas. También se podría decir que el personaje hosco, maniático, con heridas del pasado pero buena personaje es un personaje bombón para Darín. En realidad el actor argentino tiene el talento suficiente para esquivar los maniqueísmos del personajes convirtiéndolo en alguien real. En Un cuento chino vemos el porqué un actor es una estrella, cuando supera todos los obstáculos que tiene. Incluidos los de su propia película.

Lo mejor: la capacidad de Darín para sostener prácticamente solo la película

Lo peor: la película no da para mucho más

. Lo que cayó del cielo (José Arce, La Butaca)

No se olvida la autocrítica social e institucional intrínseca a buena parte de la cinematografía argentina, de manera que lo simbólico y lo material conviven con naturalidad en este cuento presidido por un Darín capaz de arrancar carcajadas con su férrea claridad y de aportar carácter a un papel con un fondo y un pasado más interesantes a medida que se desarrolla

. ¿Os gusta Ricardo Darín? (Sergi Sánchez, Canal TCM)

Se ha hablado de Amélie como modelo, sobre todo por los desvíos surrealistas que a veces amenizan la trama. Lamentablemente a Borenzstein le falta la imaginación de Jean-Pierre Jeunet. Sólo Darín hace posible que la película se aguante con una cierta dignidad. La dignidad de los que se saben imprescindibles

. Un cuento argentino (Martín Ipa, La mirada encendida)

Película de voluntad aleccionadora, portadora de un “mensaje” de alcance existencial, Un cuento chino comienza a fallar a medida que se intenta tomar en serio a sí misma: el humor discreto del inicio (que intenta evitar la ridiculización grosera del personaje chino, aunque sea retratado como un niño) virará, hacia el último tercio, en un tono denso y culposo, que debe recurrir a la Guerra de Malvinas para justificarse a sí misma y al personaje

Armas imaginativas y encalladas

2011-06-21T19:27:00.000+02:00

- Micmacs - (Jean Pierre Jeunet, 2009)

Tras el fenómeno social Amélie y el intento de gran producción de Largo domingo de noviazgo hacia tiempo que no sabíamos nada de Jean Pierre Jeunet. Algo completamente normal ya que dos proyectos tan grandes y ambiciosos hicieron mella en una especie de sello Jeunet que pudieron rozar su agotamiento. Casi siete años después de Largo domingo de noviazgo (estrenada con dos años de retraso en España) llega un Jeunet con ganas de reencontrarse a si mismo y quizá bajando el listón. Con Micmacs nos encontramos con el genio gótico afrancesado de Jeunet regalándonos unas imágenes que en Europa (quizá) sólo el puede lograr. Hay tenemos los inventos del personaje de Michel Crémadés, esos tejados parisinos nocturnos o la casa reciclada de los protagonistas para comprobar que el Jeunet de Delicatessen todavía sigue vivo y merece la pena ver sus trabajos. El problema es que Micmacs coge algunos vicios del Jeunet más previsible.

Esta historia de tráfico de armas, minas antipersonas y venganzas es contada como una especie de cuento ameliniano donde el tono no es siempre acertado (las minas antipersona en el partido de fútbol). Al final la narración de la historia se vuelve atropellada y previsible impidiendo que ni empaticemos del todo con el chapliniano Danny Boon ni odiemos a unos maniqueos André Dussollier y Nicolas Marié. Micmacs permite a Jeunet ejercitar su arte sin pensar mucho en lograr un conjunto que realmente encandile al espectador aunque uno pueda alucinar con gran parte de la inventiva del director francés. Por eso Micmacs da que pensar sobre el posible encallamiento de Jeunet.

Lo mejor: el talento creativo de Jeunet

Lo peor: lo previsible que se convierte la historia en manos de Jeunet

. Otra delicatessen de Jean Pierre Jeunet (Beatriz Maldivia, Blog de cine)

Jeunet, como habitualmente, hace triunfar el encanto del diferente. Para ello, les otorga el protagonismo a los perdedores y va más allá, hasta permiterles ganar. Sabemos que no es más que ficción, pero nos estimula y libera

. El cortometrajista Jeunet (Javier Ocaña, El País)

Una obra en la que continúan esos socavones narrativos en los que suele caer su cine, y en la que el carácter inaudito ha perdido impacto. Quedan, eso sí, sus maravillosas píldoras, lo que hace que de nuevo nos preguntemos si Jeunet no es más que un maravilloso cortometrajista al que las distancias largas se le atragantan

. Una bala en la frente (Xavier Vidal, Cinoscar & Rarities)

Jeunet demuestra una vez más su condición de niño prodigio con una película que entra por la vista y en sus adentros es una crítica a todos los señores de la guerra que se enriquecen a costa de la muerte de inocentes

El tren de la bruja

2011-06-14T13:16:00.000+02:00

- Insidious - (James Wan, 2010)

Ocho meses después de la finalización del último Festival de Sitges comprobamos que muchas de las películas que se pudieron ver en el certamen se han estrenado tarde y mal o directamente no han llegado a España. Con lo cual el cine de terror (o fantástico) sigue vendiéndose como algo para especialistas o un sector muy especifico del consumidor del cine. Y en estas llega una nueva película de James Wan (presentada con buenas críticas en Sitges), creador de Saw y en parte precursor de que el torture porn llegue a las pantallas de todo el mundo (si la censura lo permite). Pues resulta que la Insidious de Wan es todo lo contrario a lo esperado y lo que nos llega es un acto de amor mostrando un terror de artificios pero que acaba desprendiendo una naturalidad envidiable.

Insidious es una película de casa(s) encantada(s), fantasmas, ruidos y sombras donde nada se esconde. Wan convierte Insidious en un espectáculo de magia donde se pueden ver los trucos. Porque la película no deja de ser una historia para recordar cómo se sentía uno al ver su primera película de horror y te traslada a un mundo de terrores infantiles donde pasarlo mal era sinónimo de pasarlo bien. Insidious tiene un aroma de una hermosa ingenuidad donde un espectador “serio” puede pensar que el film siempre está al borde del ridículo más espantoso. Pero si uno quiere pensar en cuando era niño y miraba debajo de la cama o en las armarios para ver si había monstruos, puede dejarse transportar por Wan a un mundo de terror sin vergüenza donde por fin conoceremos al hombre del saco. Pero el gran triunfo de Insidious es que bajo su manto de clasicismo da más miedo que otra películas supuestamente rompedoras.

Lo mejor: el viaje de Patrick Wilson

Lo peor: a veces le falta calma a la narración de la historia

. Corrientes circulares del terror posmoderno (Sergio F. Pinilla, Cinemanía)

En Insidious se percibe la influencia de las plataformas Playstation o XBox en el diseño de los personajes, los escenarios y hasta en el argumento. Esto no resta méritos a una factura técnica impecable, a un diseño de producción que al principio nos convence de que, efectivamente, estamos asistiendo a un nuevo renacimiento del género de terror

. James Wan busca el norte (Gerard Fossas Noguera, Butaca preferente)

Insidious es una película bipolar en la que se refleja lo mejor y lo peor que puede ofrecer su director, un hombre que deambula por el amplio lecho que hay entre la eterna promesa y el fiasco. De todas formas, el filme no aburre a pesar de que al cabo de una hora empieza a desinflarse progresivamente hasta dejar la irremediable sensación de que James Wan no ha tenido éxito esta vez, pero que quizá haya encontrado el rumbo para volver a ser “el director de Saw”

. Terror bien logrado al estilo de la vieja escuela (Rodrigo Chavero, El espectador avezado)

Me atrevo a decir que "Insidious" es una película para cualquier tipo de público. Es inteligente, cuidada y lógica en su progresiva secuencia, por lo que califica para espectadores que no son adictos al género