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      2016 

      Película 

      Carol / The Duke of Burgundy

      Interpretaciones

      Adam Driver (Paterson)
      Lorena Iglesias (Esa sensación)

      Encuesta anual

      Los odiosos ocho

      2015 

      Película 

      It Follows

      Interpretaciones

      Ramón Barea (Negociador)
      Essie Davis (Babadook)

      Encuesta anual

      Del revés (Inside Out)

      2014 

      Película 

      Sólo los amantes sobreviven

      Interpretaciones

      Leonardo DiCaprio (El lobo de Wall Street)
      Emmanuelle Seigner(La Venus de las pieles)

      Encuesta anual

      El gran hotel Budapest

      2013 

      Película 

      La cabaña en el bosque

      Interpretaciones

      Philip Seymour Hoffman (The Master)
      Adèle Exarchopoulos (La vida de Adèle)

      Encuesta anual

      Django desencadenado

      2012 

      Película 

      Moonrise Kingdom

      Interpretaciones

      George Clooney (Los descendientes)
      Rooney Mara (Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres)

      Encuesta anual

      Moonrise Kingdom

      2011

      Película 

      Drive

      Interpretaciones

      Ryan Gosling (Drive)
      Natalie Portman (Cisne negro)

      Encuesta anual

      Midnight in Paris

      2010

      Película 

      La red social

      Interpretaciones

      Joaquin Phoenix (Two lovers)
      Emma Stone (Rumores y mentiras)

      Encuesta anual

      Origen

      2009

      Película 

      La clase

      Interpretaciones

      Frank Langella (El desafío. Frost contra Nixon)
      Charlotte Gainsbourg (Anticristo)

      Encuesta anual

      El curioso caso de Benjamin Button
      Déjame entrar
      Los mundos de Coraline
      El secreto de sus ojos

      2009

      Película 

      Tropic Thunder

      2008

      Película 

      Zodiac
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Locura americana




El lado bueno de las cosas
(Silver linings playbook)

Una película de David O. Russell | Estados Unidos | 120 minutos

Intérpretes:  Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert De Niro, Jacki Weaver, Shea Whigham, Chris Tucker, Julia Stiles, Anupam Kher

Cines: (Alicante)  Yelmo Cines 3D Puerta de Alicante, Ábaco San Vicente 3D, Cinebox Plaza Mar 2 3D, Aana San Juan, Autocine El Sur, La Esperanza

Con mejores o peores ejemplos el cine norteamericano es maestro en la creación de la llamada comedia romántica. Dos personajes en principio antagonistas se enamoran poco a poco en un entorno con tendencia a la locura cosa que se hacia especialmente patente en la screwball comedy. Ahora David O. Russell con El lado bueno de las cosas tiene todos esos elementos para seguir construyendo la gran comedia norteamericana. Si miramos la curiosa carrera de O. Russell se puede comprobar que en sus comedias (Flirteando con el desastre, Extrañas coincidencias...) tiene tendencia a la “complicación” intentando revestirlas de cierta complejidad que en algunos casos hace que uno desconecte de ellas. Con El lado bueno de las cosas nos encontramos con un caso parecido. El entorno de locura de la comedia romántica esta vez pasa al interior de los protagonistas principales (Bradley Cooper y Jennifer Lawrence) ya que desde el primer momento la película nos deja claro los desequilibrios mentales de ellos dos. Ahí O. Russell juega con fuego no tanto por cierta frivolización de estos desequilibrios (no nos vamos a poner políticamente correctos) sino porque la justificación de los desencuentros (y encuentros) de Cooper y Lawrence a sus estados mentales respectivos no acaba cuajando del todo.

Por suerte O. Russell cuenta con dos actores en estado de gracia que entienden que El lado bueno de las cosas es una película donde poder lucirse. Bradley Cooper en continua reivindicación y Jennifer Lawrence ahora inmerso ahora inmensa en una mega saga blockbuster (Los juegos del hambre) sacan tal mezcla de furia y talento  en sus encuentros que hacen saltar las chispas de una película que, a veces, pierde el rumbo. Sus encuentros en la cafetería, corriendo o en las prácticas de baile insuflan tal ritmo y vida a la historia que ya por ello merece la pena verla. El lado bueno de las cosas tenía mimbres de una pequeña comedia romántico / dramática con dos protagonistas potentes. Pero O. Russell peca de cierta tendencia al exceso al rellenar de agujeros la historia que hace que El lado bueno de las cosas tenga cierta tendencia a la dispersión en vez de ir a lo concreto. En el camino para llegar a lo que queremos (el número de baile y el beso final) asistimos a un ir y venir que solo sirve para que la película llegue a unas innecesarias dos horas. Un par de horas nada aburridas pero algo inútiles. De toda esta dispersión sale reforzado un Robert De Niro que sabe sacar petróleo de sus escenas de Bradley Cooper y se convierte en un refuerzo de lujo para los dos protagonistas. Mientras tanto El lado bueno de las cosas abre puerta que no sabe o quiere cerrar. Desaprovecha el talento de una Jacki Weaver que apenas puede lucirse (por mucha nominación al Oscar que tenga) y esboza pinceladas de personajes secundarios (Chris Tucker, Julia Stiles, Shea Whigham...) a los que presta atención y margina de forma un tanto aleatoria. Al final El lado bueno de las cosas se disfruta por las pinceladas de genialidad que da en un cuadro de tamaño excesivo.  

Lo mejor: la química furiosa de Bradley Cooper y Jennifer Lawrence

Lo peor: la película tiende a la dispersión

OPINIONES


• Mucho más que una comedia romántica (Desirée de Fez | Playground Magazine)

Estamos ante una película relativamente optimista, pero sólo relativamente, porque invita a creer en la posibilidad de remontar pero no en la certeza de no volver a caer. Y para hablar de la vida como ese eterno ensayo y error, Russell se sirve, recapitulando, del humor afilado y perspicaz antes señalado

Capra wannabe  (Mary Carmen Rodríguez | Las horas perdidas)

El Lado Bueno de las Cosas es una comedia que se ve con agrado. Pero su big eight, opta a los ocho premios más importantes, es realmente exagerado se mire por donde se mire. Aunque en absoluto puedo decir que sea una mala película

• Historias de Filadelfia (Paula Arantzazu Ruiz | Sensacine)

Elegante, divertida y mágica como un musical, estamos ante la mejor 'feel good movie' del año y una de las más conmovedoras fábulas sobre el ir aprendiendo a bailar la vida junto a la persona que quieres





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Silver linings playbook
2012 Estados Unidos 120 min.
Director : David O. Russell
Guión: David O. Russell
Intérpretes: Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert De Niro, Jacki Weaver, Shea Whigham, Chris Tucker, Julia Stiles
8 nominaciones a los Premios Oscar: Película, director (David O. Russell), actor (Bradley Cooper), actriz (Jennifer Lawrence), actor de reparto (Robert De Niro), actriz de reparto (Jacki Weaver), guión adaptado, montaje
Cines: (Alicante) Yelmo Cines 3D Puerta de Alicante, Ábaco San Vicente 3D, Cinebox Plaza Mar 2 3D, Aana San Juan, Autocine El Sur, La Esperanza 
 
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Naturaleza y emociones intensas




Bestias del sur salvaje
(Beasts of the southern wild)

Una película de Benh Zeitlin | Estados Unidos | 91 minutos

Intérpretes:  Quvenzhané Wallis, Dwight Henry, Levy Easterly, Lowell Landes, Pamela Harper, Gina Montana, Nicholas Clark, Kaliana Brower

Cines: (Madrid) Cinesa Manoteras 3D, Conde Duque Santa Engracia 3D, Golem, Dreams Palacio de Hielo,Paz / (Barcelona) Cines Alexandra, Aribau, Cinesa Diagonal Mar 3D, Cinesa Heron City 3D, Yelmo Cines Icaria 3D, Verdi, Gran Sarrià Multicines

Uno podría hablar de Bestias del sur salvaje como la típica apuesta “indie” que se cuela en la gran fiesta de los Oscar ante trasatlánticos como Django desencadenado, Los miserables o Lincoln. Aunque eso es cierto la estatuilla dorada no debe despistarnos ya que la visión del film de Benh Zeitlin intenta ser toda una experiencia.  Y ciertamente lo es. Otra cosa es que dependiendo muchos factores uno pueda dejarse llevar por un el particular mundo creado por Zeintlin. Historia de seres desarraigados perdidos en una Norteamericana casi fantasmal (ambientada en Misisipi) Bestias del sur salvaje tiene entre uno de sus principales méritos el crear un micromosmos particular y único para esos seres perdidos sin patria alguna (lo que ellos llaman La Bañera). A partir de ahí Zaitilin se centra en la particular relación de dos de estos personajes (padre / Dwight Henry e hija / Quvenzhané Wallis) mezclándola con el poder de la naturaleza (huracanes, lluvia, viento...) del lugar. Todo ello rodada con una grandísima intensidad y una poderosa banda sonora que acompaña prácticamente a todo el metraje. Un menú con tantos elementos que depende del ojo que lo mire pueda ser más o menos indigesto.

Bestias del sur salvaje es una película que merece ser vista y, por supuesto, en pantalla grande. El problema es que toda esa intensidad de Zeitlin es más fría de lo que puede parecer a primera vista. La mezcolanza antes mencionada no siempre funciona como debería y a veces se convierte en un muro para penetrar en el verdadero corazón de la película. Como si Benh Zeitlin hubiera preparado tan a conciencia cada momento de la Bestias del sur salvaje que le hubiera faltado insuflar algo de calidez a la historia. Por suerte Zeitlin tiene un as en la manga, Quvenzhané Wallis . La actriz ejerce de motor y le  pone tanta energia y pasión (sin perder naturalidad) que la película se mueve a su ritmo convirtiéndose en la unión entre película y espectador. El director sabe tanto lo que hace que es difícil no soltar la lagrimita con algunos momentos (el encuentro con las bestias, el funeral...) mientras que otros son más prescindibles (la huida de los niños por el mar...) Aun así Bestias del sur salvaje es una película tan especial que depende de la naturaleza del espectador para que cada uno se emocione o se que como estaba antes de verla.

Lo mejor: Quvenzhané Wallis, el motor de la película

Lo peor: a veces su emoción está demasiado calculada

OPINIONES

• La gloria del fango (Javier Ocaña | El País)

No es una película para pasar el rato, es una inyección de espíritu sureño, de ensoñación bronca, dulce y terrible


La infancia en llamas  (Luis Martínez | El Mundo)

Con el estruendo del 'Katrina' de fondo, se trata de recorrer el relato mítico de lo viejo que cede su sitio a lo nuevo; del progreso que devora la posibilidad misma de imaginar un futuro. Y todo ello, desde la mirada alucinada, febril y voraz de su protagonista. Y ya siento tanto ripio. Es lo que tienen las metáforas, que se pegan a los dedos


• Animales fuertes, corazones débiles (Tonio L. Alarcón | Miradas de cine)

Con la pericia de un director mucho más veterano, Zeitlin construye un mundo fantástico a partir de detalles cotidianos, a priori naturales, sacándolos de su contexto habitual y extrañando, así, nuestra percepción, sin necesidad de caros efectos de maquillaje ni retoques infográficos




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Beasts of the southern wild
2012 Estados Unidos 91 min.
Director : Benh Zeitlin
Guión: Benh Zeitlin
Intérpretes: Quvenzhané Wallis, Dwight Henry, Levy Easterly, Lowell Landes, Pamela Harper, Gina Montana, Nicholas Clark
4 nominaciones a los Premios Oscar: Película, director (Benh Zeitlin), actriz (Quvenzhané Wallis), guión original
Cines: (Madrid) Cinesa Manoteras 3D, Conde Duque Santa Engracia 3D, Golem, Dreams Palacio de Hielo,Paz / (Barcelona) Cines Alexandra, Aribau, Cinesa Diagonal Mar 3D, Cinesa Heron City 3D, Yelmo Cines Icaria 3D, Verdi, Gran Sarrià Multicines

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/ VR53.6X05 / Programa Vivir Rodando 25 Enero 13
(Steve Buscemi)

El secundario es una figura clave en las películas a veces más importante que los actores principales, el director o el guionista. Ellos mantienen a flote la película cuando esta parece hundirse y pueden salvar cualquier desastre inimaginable. Además los, a veces mal llamados, secundarios suelen ganarse las simpatías del público por encima de una estrella que se dedique a chupar planos como un loco. Sin duda uno de los actores más queridos y respetados es el neoyorquino Steve Buscemi. De físico y rostro peculiar el actor se ha colado en más de un centenar de películas mostrando una versatilidad espectacular y convirtiéndose en un robaescenas nato. Actor fetiche de los Coen o Tom DiCillo, compañero inseparable de Adam Sandler, director (Trees Lounge, Animal Factory...), estrella catódica (Boardwalk Empire, Los Soprano...) y sin duda uno de los mejores actores que hay en el actual cine norteamericano. Por ello el programa 53 de Vivir Rodando está dedicado al actor Steve Buscemi con la presencia de Esperanza Gómez (@_culdesac) y José Carlos Lledó (@VivesLledo). 



Para escuchar o descargar el programa pincha en:

• / VR53.6X05 / Programa Vivir Rodando 25 Enero 13 (Steve Buscemi)
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Conciencia de Tarantino




Django desencadenado
(Django unchained)

Una película de Quentin Tarantino | Estados Unidos | 165 minutos

Intérpretes:  Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Kerry Washington, Samuel L. Jackson, Don Johnson, Walton Goggins, James Remar, Tom Savini, M.C. Gainey, RZA, Todd Allen, James Russo

Cines: (Alicante) Navas, Yelmo Cines 3D Puerta de Alicante, Ábaco San Vicente 3D,Cinebox Plaza Mar 2 3D, Aana San Juan, Autocine El Sur

La crítica de cine Beatriz Martínez hacia una inteligente reflexión en su cuenta de twitter al escribir: “¿Por qué casi todas las críticas sobre Django se basan en las referencias y no analizan la peli?” Es verdad que cuando Quentin Tarantino estrena una nueva película nos encontramos con artículos, críticas y artículos de opinión (muchos de ellos excelentes) que hablan de referencias, películas o músicas que inspiran las películas de Tarantino sin hablar de la película en si. Es cierto que el propio director y la idiosincrasia de las películas suelen provocar a que uno hable de una posible fuente que del resultado en si mismo. Por eso por mucho que se hable de Tarantino puede parecer que nos estamos perdiendo a un director con un potente discurso propio. Con Django desencadenado el director por fin aterriza en el western o mejor dicho en un genero que le gusta más el spaguetti western. Cogiendo la película de culto de Sergio Corbucci (Django) como una simple base Tarantino va a crear una película que poco a poco en sus casi tres horas de metraje va a tomar tal personalidad propia que sólo se le podrá comparar con el propio cine del director de Pulp Fiction o Death Proof.

Como prácticamente todas las películas anteriores de Tarantino Django desencadenado tiene formato de gran espectáculo. Una película de aventuras con un protagonista carismático (Django / Jaime Foxx) que inicia una travesía de rescate (en este caso de su mujer) y venganza. En esta aventura por supuesto hay muertes, acción y tiroteos sangrientos. Uno puede quedarse con esta película y disfrutar como un loco en su butaca de cine. Y digo butaca de cine porque si siempre es necesario ver una película en pantalla de grande esta vez es casi imprescindible para disfrutar de un Tarantino paisajístico (especialmente en su primera parte) que no desmerecería a los grandes maestros del genero. Volviendo al tono lúdico de Django desencadenado cualquier persona con ojos en la cara debería poder disfrutar del espectáculo del film. Pero sería injusto no ver el trabajo de Tarantino con este film al crear una obra sólida y con gran espíritu crítico y social. Django desencadenado es narrativamente la película tarantiniana más convencional ya que es una historia que va del punto A al B sólo dejando por el camino algunos breves flashbacks. Ya no hay saltos en el tiempo ni el punto de vista de los personajes simplemente porque lo que está construyendo es tan grande que no necesita que el espectador se despiste con argucias narrativas. Esta construcción se basa en los pilares de la estrecha amistad que une a los personajes de Jaime Foxx y un soberbio Christoph Waltz que compone el reverso luminoso del Hans Landa de Malditos bastardos. La química entre Foxx y Waltz y los diálogos de Tarantino crean una relación tan cómplice que Django desencadenado podría recordarnos a clásicos como las amistades masculinas en las películas de Howard Hawks o en Dos cabalgan juntos de Ford. Durante la primera mitad del film donde veremos el aprendizaje de Django para convertirse en el mito que será no deja de ser el descubrimiento entre dos personas (Foxx y Waltz) desubicadas en un (violento) mundo que no comprenden. Para la segunda parte del film Tarantino nos reserva otra relación de amistad diameltramente opuesta a la de Foxx y Waltz entre el racista Calvin Candie (Leonardo DiCaprio)  dueño de una plantación y Stephen (Samuel L. Jackson) una especie de falso padre adoptivo negro. En esta ocasión Tarantino nos muestra unos personajes terribles ubicados perfectamente en el entorno violento de la película pero construida con el mismo mimo, cariño y complicidad que la creada con Django y el doctor King Schultz. Por eso los momentos más brillantes de Django desencadenado no son lo de explosión (que también) sino esos momentos en que estas dos parejas tan diferentes (por lo menos en un primer vistazo) interactúan. Por eso sus dos horas cuarenta y cinco minutos de duración se hacen escasas ya que la película necesita algo más de este cuarteto soberbio especialmente ahondar más entre la relación de DiCaprio y Jackson.

La diversión tarantiniana se mezcla con una bofetada al espectador en una película tan compleja como llena de conciencia de lo que fue la barbaridad de la esclavitud


Esclavitud. Es una pena que Spike Lee no vaya a ver Django desencadenado por una absurda pataleta. No sólo creo que le hubiera gustado sino que si el hubiera dirigido la película (o una parecida) se parecería a la visión de Tarantino. No es casualidad que el gag más divertido del film sea uno dedicado al Ku Klux Klan no sólo ridiculizándolos sino humanizándolos (en el sentido de ser humano como ser patético). Django desencadenado es efectiva en cuanto a su denuncia de la esclavitud como una mancha vergonzosa e imborrable dentro de la historia de Estados Unidos. En plena celebración de la sesión de investidura de Barack Obama como presidente de los Estados Unidos Quentin Tarantino muestra a unos blancos inmisericordes ante los negros y donde el único “rostro pálido” comprnsivo es una alemán (otro pueblo con una mancha para la historia). Pero Django desencadenado no acepta la sumisión y crea para una especie de superhéroe negro como Django para que sea una especie de icono para su raza. Aunque tenga que serlo fuera de una ley hecha sólo para el hombre blanco. Parece complicado que a Spike Lee no le gustará esta película. Al final Django desencadenado une la diversión tarantiniana con una bofetada de conciencia al espectador en general y al norteamericano en particular. Tiroteos sangrientos, diálogos perfectos, mucha diversión pero también crueles peleas a muerte o torturas a negros. No es casualidad que el ajuste final de Django sea con lo peor de la sociedad (en palabras del proio Django) un negro que no sólo asume su condición de esclavo sino que práctica la misma o más crueldad que el peor blanco esclavista en un discurso absolutamente actual. Al final la película es un ajuste de cuentas con toda la sociedad.  Explotation, Corbucci, Mandingo de Fleischer, spaghetti western, la aparición de Franco Nero, Ennio Morricone… los referentes están ahí y son disfrutables pero no deben despistarnos de la una obra tan diferente, personal y compleja que es Django desencadenado.

Lo mejor: las parejas tragicómicas de Foxx / Waltz y DiCaprio / Jackson

Lo peor: le falta media hora

OPINIONES


• El acontecimiento cinematográfico del año (posiblemente) (Desirée de Fez | Playground Magazine)

Es un festín visual y sonoro, una obra apabullante que pone contra las cuerdas el ingenio y lo sensacional


Afro-Tarantino y la mutación del arquetipo   (Jordi Costa | Diario Kafka)

Django desencadenado, el western con más frases subordinadas de la historia del género, es una película obsesionada con el lenguaje y, en esos nexos de unión con las obras de Fleischer y Jacopetti&Prosperi, juega a liberar todo ese imaginario del sadismo esclavista de su sustrato (ideológico o lúbrico) reprobable


• Puro, purísimo Tarantino (Jordi Battle Caminal | La Vanguardia)

Vamos, puro Tarantino, amarrado con la fuerza física, visceral, de un Sam Fuller. Si la película es o no racista (a Spike Lee le ha escocido), es tema baladí, pues no hay en Tarantino preocupaciones ideológicas o históricas: todos sus filmes conciernen al propio cine. Esa es su grandeza







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Django unchained
2012 Estados Unidos 165 min.
Director : Quentin Tarantino
Guión: Quentin Tarantino
Intérpretes: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Kerry Washington, Samuel L. Jackson, Don Johnson, Walton Goggins, James Remar, Dennis Christopher, Michael Parks
5 nominaciones a los Premios Oscar: Película, actor de reparto (Christoph Waltz), guión original, fotografía, montaje de sonido
Cines: (Alicante) Navas, Yelmo Cines 3D Puerta de Alicante, Ábaco San Vicente 3D, Cinebox Plaza Mar 2 3D, Aana San Juan, Autocine El Sur

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Solemne Spielberg



Lincoln
(Steven Spielberg 2012)

Por fin el más famoso cineasta norteamericano de las última décadas se ha encontrado con Abraham Lincoln. Tras retrasos, cancelaciones, bajas (la de Liam Neeson como Lincoln) Steven Spielberg pudo rodar su película sobre el más famoso presidente norteamericano como una especie de “ahora o nunca”.  Como he defendido en alguna ocasión estos últimos años ha sido una de las épocas creativas más interesantes de Spielberg. No ha habido Tiburón o Encuentros en la tercera fase pero sí obras arriesgadas, oscuras y apasionantes como Munich o La guerra de los mundos. Con lo cual es curioso ver como encaja una previsible visión clásica de Lincoln en el Spielberg del siglo XXI. Y la verdad es que es una obra difícil de encajar. Lincoln es adulta y solemne como si después de lo que ha tardado el director en rodarla le diera miedo establecer un desafió que manchara una figura del personaje histórico. Es más probable que Spielberg haya querido ser más John Ford que nunca el cual si que pudo encontrarse con Abraham Lincoln algunas veces durante su carrera (El joven Lincoln, El caballo de hierro...) Lo que está claro es que le ha salido una película sin apenas fuegos artificiales haciendo que su visión sea extraña pero reconfortante.

Aunque la película se llame Lincoln está no es una biografía al uso. Si John Ford en El joven Lincoln se centraba en un caso que un joven abogado Lincoln defendía Spielberg imita a su maestro y se ubica en un momento concreto para (intentar) elaborar un retrato del decimosexto presidente de los Estados Unidos. La película habla del final de la Guerra Civil Estadounidense y de la aprobación de la decimotercera enmienda de la Constitución de los Estados Unidos que abolía la esclavitud pero desde una perspectiva más intima y con menos épica de lo que uno podía esperar. Los efectos de la guerra los vemos de forma esporádica (una batalla al principio y los muertos al final) ya que Lincoln es una película de habitaciones y despachos. Y hay que reconocer que cuando la película crece es cuando vemos al Lincoln más intimo y personal o sea cuando el personaje de Daniel Day-Lewis se encuentra con su mujer (Sally Field) o su hijo (Joseph Gordon-Levitt). El resto es cine político de altura bien dialogado y donde hay una cierta ironía (o pesimismo) sobre lo que es la democracia (o su funcionamiento). Es verdad que a veces Spielberg se le nota que se debate entre la película densa y adulta que es y que se le vaya la mano de hacer una nueva Amistad .  Al final uno se queda la sensación de que Spielberg cumple al crear una obra (quizá demasiado) solemne pero entretenida donde los factores esperados no fallan: la poderosa interpretación de Daniel Day-Lewis, la música de John Williams, la fotografía de Janusz Kaminiski, los buenos secundarios (Spader, Lee Jones, Holbrook...)... El problema es que queda la otra sensación. De que a Spielberg el personaje le ha podido y la película tiene ese tono adusto porque el director no ha querido (o podido) ir algo más allá quizá entendiendo que una película de estas características necesitaba ese tono. De todas maneras Lincoln es una película tan peculiar en estos tiempos que sólo el tiempo decidirá si es una obra destinada a crecer o a estancarse.

Lo mejor: las conversaciones entre Daniel Day-Lewis y Sally Field

Lo peor: cuando parece una nueva Amistad

OPINIONES

• Luces y sombras del mito (Almudena Muñoz | La Butaca)

Lincoln cuenta anécdotas y chascarrillos, cojea y le quiebran los principios, pero ese esfuerzo simpatizante no impide que la película sea áspera, dura y vieja como el rostro del presidente, hecho a la medida de las virtudes interpretativas —cargantes o precisas, según detractores o partidarios— de Daniel Day-Lewis, perfectamente caracterizado


Spielberg homenajea al presidente explorando las cloacas de su gobierno  (Manuel Piñon | Cinemanía)

 Es sin duda el mejor y más extenso reparto como conjunto de una película en muchísimo tiempo. Algunos le darían el Oscar a Tommy Lee Jones por ponerse esa peluca rancia, pero hasta el último tipo con o sin frase de Lincoln entra y sale como un primera figura. La escenografía también recuerda que lo que estamos viendo tiene más de retablo que de cine, que si en 1865 se hubiera contado esta historia se habría hecho de este modo. No es la película que nadie podía esperar. Precisamente por eso es tan buena

• An absorbing, densely packed, sometimes funny telling of the 16th president's masterful effort in manipulating the passage of the 13th Amendment (Todd McCarthy | The Hollywood Reporter)

In the event, Spielberg directs in a to-the-point, self-effacing style, with only minor instances of artificially inflated emotionalism and a humor that mostly undercuts eruptions of self-importance. It's a conscientious piece of work very much in the service of the material, in the manner of the good old Hollywood pros, without frills or grandiosity






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Lincoln
2012 Estados Unidos 127 min.
Director : Steven Spielberg
Guión: Tony Kushner
Interprétes: Daniel Day-Lewis, Sally Field, Tommy Lee Jones, David Strathairn, Joseph Gordon-Levitt, James Spader, Lee Pace, Gulliver McGrath, Hal Holbrook, Michael Stuhlbarg
Música: John Williams
12 nominaciones a los Premios Oscar: Película, actor (Daniel Day-Lewis), actor de reparto (Tommy Lee Jones), actriz de reparto (Sally Field), director, guión adaptado, vestuario, diseño de producción, montaje de sonido, banda sonora original, fotografía y montaje
Cines: (Alicante) Yelmo Cines 3D Puerta de Alicante, Aana, Cinebox Plaza Mar 2 3D, Aana San Juan, Ábaco San Vicente 3D , La Esperanza

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El terror cotidiano



Amor
(Michael Haneke 2012)

La posibilidad de ver una película titulada Amor dirigida por uno de los directores de cine más perturbadores de la historia (Michael Haneke) es un menú demasiado delicioso como para pasar de él. A partir de su Palma de Oro en el Festival de Cannes hasta llegar a sus cinco nominaciones a los Premios Oscar y su estreno en España se ha hablado tanto de la película que Amor se ha convertido en la película más popular de Haneke. Y esto es curioso ya que estamos ante la película aparentemente más sencilla del director austriaco. Amor nos traslada a la vida de un anciano y acomodado matrimonio que debe luchar contra la enfermedad y lenta agonía de uno de ellos. Haneke que ha retratado como pocos la violencia nos la traslada a un ámbito doméstico y cercano como es en tu propio hogar y con tu propia pareja o familia como podría ocurrir en Funny Games o Caché (Escondido). La diferencia es que esta vez la violencia que trae crueldad o impotencia no viene de terceras personas sino de un elementos tan incontrolables como la enfermedad y la muerte. Haneke establece una batalla entre dos elementos tan poco analizables como el amor (profundo e insobornable) y la muerte (irremediable). Al final Amor llega a la conclusión de que es una batalla pérdida ya que son dos elementos más cercanos de lo que creemos.

Amor es una película puramente Haneke. El director austriaco nos lleva a un apartamento del que apenas salimos y nos muestra a una pareja de la que no nos separaremos en toda la película. Una amable pareja de ancianos intelectuales cuyo único miedo en la vida es que alguien pueda entrar por la noche en su cómoda casa a robar. Haneke muestra respeto al colocar la cámara en una distancia prudencial para no entrometerse en su cotidianeidad. Nos volvemos a encontrar con el Haneke frío y clínico pero con algunos matices más cálidos (la secuencia de las fotos) que hacen que Amor sea un trago más fácil de superar que otros que nos ha brindado el director austriaco. Para darle humanidad al conjunto Amor con dos actores excepcionales como Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva que aportan una increíble naturalidad ya sea comiendo juntos o teniendo que soportar duras escenas respecto al estado del personaje de Riva. El estado del personaje de Emmanuelle Riva con medio cuerpo paralizado y su continuo deterioro es el motor del conjunto. Aunque es verdad que Haneke no se corta en mostrar el proceso patético de la muerte también acierta al darle el protagonismo de la película al personaje de Jean Louis Trigtinant. La muerte y la enfermedad se ve con mayor dureza a través de los ojos del ser amado que hace de enfermero y acompañante que a través del que los sufre. Quizá este Amor sea una película que de primeras impacte menos que otras de Haneke e incluso con algunos elementos que puedan sobrar (la paloma o el sueño de Trintignant...). Pero también es cierto que su efecto llega cuando uno ha reposado y se encuentra en su vida cotidiana. Porque el terror más profundo puede estar al lado nuestro en la persona a la que queremos y en nuestro propio hogar. Y es inevitable.

Lo mejor: la enfermedad a través de los ojos de Trigtinant

Lo peor: escenas como el sueño de Trigtinant o la de la paloma pueden sacarte de la película

OPINIONES

• El Amor crudo y emocional de Haneke (Israel Arias | Europa Press)

 En esta ocasión su propuesta es tierna a veces, melancólica otras, pero sobre todo es incomoda. Incluso desde el punto de vista formal. Nos obliga a mantener la mirada ante escenas que nos muestran realidades con las que nunca querríamos enfrentarnos y que se nos hacen, o más bien Haneke logra que se nos hagan --no se engañen, ese es su objetivo-- eternos e impúdicos


Michael Haneke, en el amor y en la muerte  (Carlos Reviriego | El Cultural)

El director austriaco nos muestra a la muerte trabajando. Y, como es dogma en su cine, lo hace sin máscaras sentimentales o estrategias de dulcificación. Desde el más aséptico de los realismos

• Haneke y la ternura (Sergi Sánchez | La Razón)

La imbatible honestidad de Emmanuelle Riva y Jean-Louis Trintignant al afrontar el reto heroico de dejarse filmar por un Haneke que los transforma en ásperas reencarnaciones de un tiempo que no perdona justifica por sí sola la visión de la película. Sin embargo, el gran hallazgo de «Amor» es que, después de todo, cuenta la historia de dos personas que creen que lo que sienten el uno por el otro es, claro, el fin de todas las cosas





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Amour
2012 Austria 127 min.
Director : Michael Haneke
Guión: Michael Haneke
Interprétes: Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert, William Shimell, Ramón Agirre, Rita Blanc
Festival de Cannes 2012: Palma de Oro
5 nominaciones a los Premios Oscar: Película, actriz (Emmanuelle Riva), director, guión original, película de habla no inglesa
Premios del Cine Europeo 2012: Película, director, actriz (Emmanuelle Riva), actor (Jean-Louis Trintignant)
Cines: (Alicante)  Aana

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Quiniela 85 Premios Oscar:
Participa y llévate el DVD de Drive de Nicolas Winding Refn



 Ya están aquí las nominaciones a los 85 premios Oscar. Por diversas razones las candidaturas al premios de cine más famosos del mundo han dejado multitud de sorpresas ya sea aparición u omisión.  Por ello es una edición ideal para crear una quiniela / concurso que avive un poco el debate al igual que ya se hizo el año pasado. El ganador se llevará la película Drive (en DVD) de Nicolas Winding Refn la mejor película para Vivir Rodando en 2011 y nominada al mejor montaje de sonido en la 84 edición de los Premios Oscar. La ceremonia tendrá lugar en la madrugada del domingo 24 al lunes 25 de febrero

El proceso es el siguiente:

Participan veinte categorías: Película, director, actor principal, actriz principal, actor de reparto, actriz de reparto, guión original, guión adaptado, película de animación, película de habla no inglesa, banda sonora original, canción, montaje, sonido, montaje de sonido, efectos visuales, fotografía, diseño de producción, vestuario y maquillaje / peluqueria.

A modo de quiniela cada participante deberá enviar el ganador de cada una de las categorías anteriormente citadas. Los nominados a cada categoría están en la parte final de esta entrada. 

Deberá votarse en todas las categorías

Gana quien tenga más aciertos. En caso de empate se realizará un sorteo entre los participantes con más aciertos.

Aunque se hayan enviado las votaciones se pueden cambiar hasta el último día de plazo que será el mismo domingo 24 de febrero a las diez de la noche 

Sólo se admitirá una votación por persona

El ganador se llevará la película en DVD de Drive compuesta por Nicolas Winding Refn.

Se pueden enviar las votaciones a:

Al correo de Vivir Rodando (vivirodando@gmail.com)

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Cuando dejéis los votos poner una cuenta de correo electrónico (o alguna otra forma de localizaros) para ponerme en contacto con vosotros en caso de que seais los ganadores

Suerte y buen ojo a todos

* El ganador de la quiniela de los 85 Premios Oscar es: Indalecio Arenas de Sevilla

Nominaciones a los 85 Premios Oscar...

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Un aprendizaje personal



The Master
(Paul Thomas Anderson 2012)

Paul Thomas Anderson se está convirtiendo en un bien preciado que Estados Unidos debería cuidar. Aunque desde el cine USA nos llegan propuestas buenas, regulares o mediocres uno echa en falta algo de riesgo u obras que supongan un desafio para el espectador. Por suerte Anderson existe para ir con cada película presentado retos que cada vez se disfrutan más. Si en una película soberbia como Pozos de ambición alguien podía acusar al director de algún que otro exceso  en The Master aparece más desnudo sin perder ni ápice de complejidad. The Master habla de la relación de un  perturbado antiguo miembro de la Marina con el líder de una nueva secta que empieza a surgir en la Norteamérica de la década de los 50.

El principal acierto de la película es que Anderson se olvida de crear un circulo eterno de personajes (Magnolia, Boogie Nights...) o hacer que la trama y situación histórica del film sea determinante para el espectador (Pozos de ambición). En el primer caso la película se desnuda completamente. The Master se basa en los (soberbios) duelos actorales que mantienen Joaquin Phoenix y Phillip Seymour Hoffman. Entre maestro y alumno, dueño y esclavo, padre e hijo, actor explosivo (Phoenix) y actor más sobrio y carismático (Seymour Hoffman). Luego Anderson abre la puerta para que aparezcan otros invitados como la ladymachbetiana Amy Adams y la cambiante música de Jonny Greenwood que va de la densidad a la belleza. Y aunque es importante el entorno histórico para elementos como la aparición de las sectas The Master no aspira a convertirse en una lección de historia sino en algo más personal. Con todos estos elementos Paul Thomas Anderson crea una obra de un extraño magnetismo con un puñado de escenas que primero fascinan por una belleza más intima que en otras películas suyas.  La fascinación de The Master sigue cuando el espectador intenta descifrar que está viendo tras esas escenas que dicen más de lo que en apariencia muestran.  Lo más fascinante es que escribir sobre una película tan especial como The Master es una batalla absurda. Es una experiencia tan personal entre la película y el espectador que es imposible de trasladar esas sensaciones a una tercera persona. Por ello The Master es una recomendación imprescindible aunque a uno le pueda repeler después de verla.

Lo mejor: la canción que le canta Seymour Hoffman a Phoenix al final de la película

Lo peor: que pueda repeler a alguna gente

OPINIONES

• Un violentísimo duelo psicológico y emocional entre dos hombres dañados (Nando Salvá | Cinemanía)

En todo caso, esa guerra entre el hombre y el animal es la principal investigación de The Master, y que sus descubrimientos sean infructuosos no los hace menos excitantes. Al contrario, confirman The Master como un estudio psicológico de vidas marginales completamente absorbente y una historia emocional del charlatanismo y de la destrucción mutua asegurada entre padres e hijos, y como la demostración de que, sobre todo una vez despojado de su cinefilia reverencial, su autoconsciencia técnica y su necesidad de precisión narrativa, el verdadero maestro es Paul Thomas Anderson


The Disciple  (Violeta Kovacsis | Número Cero)

El personaje encarnado por Phoenix tiene ecos del ser asalvajado de 'Woyzeck', pero, sobre todo, del misántropo que no conoce el romance de Punch Drunk Love (Embriagado de amor): tiene un poso violento y frágil y explota su agresividad en planos que lo convierten en una suerte de bailarín

• El maestro es él (Javier Ocaña | El País)

Anderson es un Sinclair que además de escribir tiene poderes sobrehumanos en su cámara. Capaz de hipnotizar con un plano en principio inocuo. Nadie filma como él. Y además se rodea bien. Jonny Greenwood, guitarrista de Radiohead, vuelve a ser el hijo imposible de Béla Bartók con su partitura. Philip Seymour Hoffman, capaz de dar miedo y dar lástima en apenas un segundo. Y Joaquin Phoenix, un animal salvaje suelto en cada toma. Decían que Anderson, atención, de solo 42 años, era el nuevo Kubrick. Nada. Anderson es solo Anderson. El maestro








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The Master
2012 Estados Unidos 137 min.
Director : Paul Thomas Anderson
Guión: Paul Thomas Anderson
Interprétes: Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, Laura Dern, Kevin J. O'Connor, Rami Malek, Jesse Plemons, Fiona Dourif
Música: Jonny Greenwood
Festival de Venecia 2012: Mejor director (Paul Thomas Anderson), mejor actor (Joaquin Phoenix, Phillip Seymour Hoffman)
Cines: (Alicante) Cinebox Plaza Mar 2 3D, Yelmo Cines 3D Puerta de Alicante, Aana

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Retrato quirúrgico de una caza



La noche más oscura
(Kathryn Bigelow 2012)

Osama Bin Laden ha sido una especie de totem para Estados Unidos. Tras los espantosos atentados del 11 de septiembre de 2001 el pueblo y mandatarios norteamericanos fijaron su odio en la figura del terrorista de Arabia Saudi. Hubo poca calma para analizar unos hechos de tan terrible magnitud y Estados Unidos decidió que la culpa de sus males estaban en una sola persona. Una persona de la que la mayoría no había oído hablar en su vida. Y comenzaron a surgir reportajes y perfiles que hicieron de Bin Laden un especie de (terrible) marca conocida en el mundo entero. La noche más oscura retrata la caza de Bin Laden por parte de los Estados Unidos casi desde la fecha de los mismos atentados del 11-S. Por suerte el proyecto está en las manos adecuadas las de la directora Kathryn Bigelow. La principal razón es que su última y oscarizada película, En tierra hostil, es una especie de hermana de esta. Allí bajo el pretexto de la guerra de la Irak Bigelow retrataba unos personajes vacíos que no entendían de ideologías y políticas sino que cuya máxima religión era la adicción al riesgo y a la muerte. Con La noche más oscura vuelve a un escenario más complejo multiplicando por diez sus efectos dada la magnitud del proyecto.

Desasosegante y voluntariamente fría la película de Kathryn Bigelow es un documento tan contundente que difícilmente se le va a uno de la cabeza 

La noche más oscura retrata la obsesión por encima de cualquier cosa de un personaje (Jessica Chastain) por capturar a Osama Bin Laden. Chastain es un motor silente del cual no sabemos las razones de esa obsesión ya que jamás las explica o da una pista sobre ello. Patriotismo, deber o venganza pueden ser opciones para entender como alguien pierde una supuesta  humanidad para lograr un objetivo. Opciones que nunca sabremos porque Jessica Chastain como todos los personajes de La noche más oscura son unos autómatas que cumplen “con su trabajo”. Y ahí es donde el trabajo de Kathryn Bigelow cobra todo el sentido. La directora deshumaniza completamente La noche más oscura para lograr una obra desasogante y terrible donde términos como bien, mal o heroísmo se entremezclan creando una forma espesa. No tiene que venir La noche más oscura para que sepamos que aparatos de Estados Unidos (y otros países) torturan y asesinan personas. Pero sí para mostrarlo de una manera tan fría que para cualquier persona con un mínimo de humanidad tenga escalofríos al verla. No es La noche más oscura una película critica a las torturas y a los métodos ilegales de los estados. Ni tampoco es un ensanlazamiento. Bigelow va más allá de, por ejemplo, un reporterismo de guerra al uso siendo curdamente ambigua y dejando que sea el propio espectador recoja los pedazos de la historia para unirlos.

Retrato quirúrgico de una caza La noche más oscura no aspira a hacer amigos ya que pasados los días su visión sigue golpeando en la cabeza. A partir de verla uno puede empezar cientos de debates sobre derechos humanos, terrorismo, violencia, historia... pero siempre con una sensación de sacudida.  Porque aunque La noche más oscura impacta en su violencia exterior (las torturas, el asalto final...) es la violencia interior la que uno no se saca la cabeza. Esos personajes ambiguos, deshumanizados y vacíos a los que acompañamos durante casi dos horas y media en su supuesta defensa del bien son a los que no podemos olvidar. Como uno no podrá olvidar la mirada de Jessica Chastain al final de La noche más oscura que resume en un momento toda la película de Kathryn Bigelow.
  

Lo mejor: el rostro de Jessica Chastain al final de la película

Lo peor: que no haya ninguna mención al 11-M

OPINIONES

•  Mucho más que la muerte de Bin Laden (Israel Arias / Europa Press)

 El halo de veracidad que envuelve toda la película es tal, que por momentos el espectador tiene la sensación de estar asistiendo a una recreación documental de los hechos. Los interrogatorios, las reuniones, los operativos... todo parece real. Tamaño logro es consecuencia directa de un arduo trabajo de preproducción. Del concienzudo acopio y análisis de información que se ha prolongado durante años

 • Gestionando el odio (José Arce / La Butaca)

Una joya tan ruda como su propio contenido, tan despiadada como la falta de consideración que los gestores del odio tienen con nosotros. La noche más oscura no acaba nunca

•  A la caza de Bin Laden (Lluís Bonet Mojica / La Vanguardia)

Como suele ser habitual, La noche más oscura tiene un desorbitado y a veces innecesario metraje. Pero rastrea de manera minuciosa en los métodos de trabajo de la CIA, especialmente gracias al personaje recreado por la notable Jessica Chastain. Una investigadora de los servicios de inteligencia, cuya perspicacia y talento incrementarán de manera progresiva su importancia en una misión que se alargó durante diez años. Una vez más, Bigelow no deja indiferente al espectador.







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Zero Dark Thirty
2012 Estados Unidos 157 min.
Director : Kathrym Bigelow
Guión: Mark Boal
Interprétes: Jessica Chastain, Joel Edgerton, Taylor Kinney, Kyle Chandler, Jennifer Ehle, Mark Strong, Chris Pratt, Mark Duplass, Harold Perrineau, Jason Clarke
Música: Alexandre Desplat
Cines: (Alicante) Cinebox Plaza Mar 2 3D, Yelmo Cines 3D Puerta de Alicante, Ábaco San Vicente 3D, Aana San Juan