Encuesta anual Vivir Rodando: Elige tus películas favoritas de 2017 Programa Vivir Rodando 99: Canciones de cine (IV): Samples Programa Vivir Rodando 98: Sitges 2017 Programa Vivir Rodando 97: Verónica Programa Vivir Rodando 96: 40 aniversario del Festival Internacional de Cine Independiente de Elche
  • INICIO
  • VIVIR RODANDO ES...
  • ► PODCAST VIVIR RODANDO (2008-2017)
  • LO MEJOR (2007-2016)
  • HISTÓRICO
      2016 

      Película 

      Carol / The Duke of Burgundy

      Interpretaciones

      Adam Driver (Paterson)
      Lorena Iglesias (Esa sensación)

      Encuesta anual

      Los odiosos ocho

      2015 

      Película 

      It Follows

      Interpretaciones

      Ramón Barea (Negociador)
      Essie Davis (Babadook)

      Encuesta anual

      Del revés (Inside Out)

      2014 

      Película 

      Sólo los amantes sobreviven

      Interpretaciones

      Leonardo DiCaprio (El lobo de Wall Street)
      Emmanuelle Seigner(La Venus de las pieles)

      Encuesta anual

      El gran hotel Budapest

      2013 

      Película 

      La cabaña en el bosque

      Interpretaciones

      Philip Seymour Hoffman (The Master)
      Adèle Exarchopoulos (La vida de Adèle)

      Encuesta anual

      Django desencadenado

      2012 

      Película 

      Moonrise Kingdom

      Interpretaciones

      George Clooney (Los descendientes)
      Rooney Mara (Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres)

      Encuesta anual

      Moonrise Kingdom

      2011

      Película 

      Drive

      Interpretaciones

      Ryan Gosling (Drive)
      Natalie Portman (Cisne negro)

      Encuesta anual

      Midnight in Paris

      2010

      Película 

      La red social

      Interpretaciones

      Joaquin Phoenix (Two lovers)
      Emma Stone (Rumores y mentiras)

      Encuesta anual

      Origen

      2009

      Película 

      La clase

      Interpretaciones

      Frank Langella (El desafío. Frost contra Nixon)
      Charlotte Gainsbourg (Anticristo)

      Encuesta anual

      El curioso caso de Benjamin Button
      Déjame entrar
      Los mundos de Coraline
      El secreto de sus ojos

      2009

      Película 

      Tropic Thunder

      2008

      Película 

      Zodiac
  • TWITTER | FACEBOOK | RSS | ITUNES
  • CONTACTO
  • LISTAS
  • ► PROGRAMA VIVIR RODANDO 99: CANCIONES DE CINE (IV): SAMPLES
  • RESUMEN 2016
  • ENCUESTA ANUAL VIVIR RODANDO: ELIGE TUS PELÍCULAS FAVORITAS DE 2017
0

En algún lugar de la fama



Somewhere 
(Sofia Coppola 2010)

En Somewhere no se ve el rodaje de una película ni aparecen los típicos tópicos de los films centrados en el mundo del cine y en Hollywood para ser más concreto. Pero no importa. Sofia Coppola no necesita ninguno de esos elementos para ofrecer un rotundo y certero análisis no tanto sobre el mundo del cine sino sobre las estrellas y los monstruos que crea. Con su estilo minimalista y comtemplativo Coppola habla sobre temas recurrentes suyos como la soledad, el vacio y la incomunicación producida por un mundo artificial curiosamente creador por personas.

Coppola ya alejada del mundo del star system al que erroneamente muchos quisieron meterla tras el exito de Lost in translation se siente completamente libre para realizar quizá su película más compleja. A traves de cuadros y momentos magistrales y hermosamente realizados comprobamos el vacio vital de una estrella del cine (magnífico Stephen Dorff) que vive sin hogar de hotel en hotel y siendo un títere (patéticas las escenas de la rueda de prensa y la gala de premios italiana) de la industria (Hollywood) por la cual tantos supuestos privilegios tiene. Siendo más un tio que un padre para su hija y cuyas relaciones sexuales son realizadas más por inercia que por deseo el personaje de Johnny Marco se convierte en un zombie cuya vida (real) ha dejado de existir hace tiempo. Todo eso narrado con el tempo, la paciencia y la belleza que Sofia Coppola pone a todos sus trabajos donde el espectador es parte activa y debe recomponer las piezas que en este caso el personaje de Marco va dejando. Con Somewhere uno entiende que para ahondar en el alma de una película (y de un personaje) no hace muchos dialogos y explicaciones. Simplemente tener los ojos abiertos.

Lo mejor: contar mucho enseñando poco

Lo peor: su vergonzoso retraso en el estreno

. Todo eso se parece a la sonrisa de papá (Pablo O. Scholz, Clarín)

Somewhere habla del vacío de la fama y de las relaciones humanas. De las negligencias y las frases nunca dichas a tiempo. Coppola tiene un timing propio, que para algunos será cansino. Cuestiona y se burla de la prensa del espectáculo internacional, del showbusiness, pero su ojo apunta hacia algo mucho más íntimo. Aunque tarde en hacerle verbalizar a Johnny lo que le pasa en su interior, cuando la verdad estalle, nada podrá recomponerse como era antes

. La sofisticación del imbécil (Javier Ocaña, El País)

Somewhere viene a ser así el reverso cruel y churretoso de aquella apoteosis de la pijería titulada María Antonieta

. . La màscara verdadera de l'actor (Quim Casas, El Periódico)

Somewhere és una pel·lícula més aspra que Lost in translation, té menys coartades «modernes» més enllà de la banda sonora (Phoenix principalment) i alguns tocs cool indissociables del cinema de la realitzadora

0

Relato criminal y social



No habrá paz para los malvados 
(Enrique Urbizu 2011)

El cine negro (o policíaco) nunca ha dejado de ser otra cosa que una llamada a la voz de la conciencia de la ciudadanía. Porque este tipo de cine es más social que el llamado cine social. Tras un soberbio inicio No habrá paz para los malvados se inmiscuye en la vagancia, la confusión y la inutilidad de las altas esferas que ayudan (involuntariamente) a que se cometan actos atroces. 11-M, 11-S...las lista es eterna. Urbizu muestra su capacidad para narrar con sequedad toda una parte central (lo que es la trama) sobria y bien explicada pero a la que desgraciadamente le falta algo de pasión y hondura. Enrique Urbizu es tan bueno que hace que no perdamos atención de la caza humana que lleva acabo el personaje de José Coronado y además de indignarnos y sobrecogernos con lo que se ve en pantalla. Otra cosa es la sensación de que algunos personajes muy interesantes como los de Helena Miquel, Younes Bachir   o Rodolfo Sancho acaban siendo meros títeres quizá comidos por la magnética presencia del Santos Trinidad de Coronado.

No habrá paz para los malvados es toda para Coronado. Aunque su personaje no habla mucho y permanece imperturbable durante toda la película gobierna la historia con mano de hierro incluso cuando no aparece en escena. Eso es lo que tienen actores que ya son clásicos como José Coronado que saben hipnotizarte y desear que vuelvan a aparecer enseguida en la película. Su Santos Trinidad inunda tanto el film que el cierto esquematismo que tiene No habrá paz para los malvados aunque no molesta se hace algo patente. Aun así Urbizu vuelve a demostrar su solidez y saber estar y hace que siga dando pasos para convertirse en un clásico de nuestro cine.

Lo mejor: su inicio

Lo peor: Coronado se come demasiado a Urbizu

. Un maldito milagro (Adrián Massanet, Blog de cine)

Con Santos empezamos, y con él terminamos la película. Una narración compulsiva que se podría describir, a grandes rasgos, como quince minutos iniciales de una sordidez salvaje, una zona media en la que se van superponiendo los puntos de vista de manera ejemplar, y que se dirigen, frenéticos, a los quince minutos finales, en los que no oímos ni un solo diálogo, y que son la explosión de todos los elementos, el clímax perfecto de una ficción que no deja tregua al espectador

. Historia de un policia (Óscar Brox, Miradas de cine)

En No habrá paz para los malvados, esa realidad no rehuye mostrar los signos de nuestra tragedia más reciente, esto es, los atentados del 11 de marzo cuya sombra planea alrededor de su trama. Pero hay un matiz que diferencia su tratamiento de otros enfoques llevados a cabo dentro del cine de consumo. Donde la mayoría de filmes se enfrentan frontalmente con el terror, ensayando estrategias narrativas que lo pongan eficazmente en escena


El preciso empleo del formato panorámico; el detallismo escenográfico; la verosimilitud con que se plasma el entorno policial; y la interpretación de José Coronado, a quien Urbizu conoce como nadie y exprime del modo más fructífero para ambos, evidencian el mimo con que ha sido forjada “No habrá paz para los malvados”. Pero todo es cuestión de expectativas. Esperábamos una cinta del mejor William Friedkin. Y nos hemos topado con una de aquellas correctas “películas de crímenes” dirigidas hace sesenta años por Antonio Isasi o Julio Coll para la factoría Iquino
0

Química sin compromiso



Con derecho a roce 
(Will Gluck 2011)

Tras el estupendo trabajo que Will Gluck realizó en Rumores y mentiras se esperaba con interés esta segunda aventura llamada Con derecho a roce. Y la valoración, a grandes rasgos, es positiva. Al igual que su primera película Con derecho a roce es un trabajo con ritmo, colorista, irónicos y cuidados diálogos y un tratamiento más adulto que el resto de comedias norteamericanas al uso. En este trabajo tan neoyorquino hay mucho de esa comedia urbana y emocional que se realizan en La Gran Manzana y del que Gluck saca su parte más florida y, porqué no decirlo, pija pero no por ello menos interesante. Sin ser exagerado no hay tanta distancia en esta Con derecho a roce de algunas de las películas urbanas de Woody Allen donde se hablaba de las relaciones de pareja.

Si Rumores y mentiras funcionaba en parte gracias a el torrente interpretativo de la interpretación de Emma Stone aquí Con derecho a roce juega gran parte de su baza en la química de Justin Timberlake y Mila Kunis. Y la cosa funciona. Tanto en las escenas de cama (geniales los primeros encuentros en Timberlake y Kunis) como en sus parloteos los dos son creíbles en sus papeles de pijos, guapos, triunfadores pero con heridas que evitan que sus personajes caigan en el estereotipo. Con derecho a roce pasa de puntillas por temas tan interesantes como la falta de valores, el miedo a quemar etapas en vida o la pérdida del ser querido sin ahondar mucho en ello quizá porque a Gluck le faltan galones para ir más allá. También es una pena que el director no sepa rematar del todo su película en un final acelerado y sin la pizca de picardía que tiene el resto de la película. Aun asi Gluck sale endemne del reto de su tercera película y dejando el follamiguismo como ese gran mito desconocido.

Lo mejor: los primeros encuentros sexuales entre Mila Kunis y Justin Timberlake

Lo peor: cierto pijismo poco aguantable

. Clooney como modelo (Javier Ocaña, El País)

Aunque un tanto histérica (las cancioncillas de fondo no paran), la película se ve con cierto regocijo mientras mantiene su juguetona efervescencia, pero en cuanto surge el amor todo se hace más convencional y rutinario

. La busqueda de la satisfacción (José Arce, La Butaca)

Más dulce que ácida, más angelical que humana ─incluso las escenas sexuales pecan de un excesivo remilgo carnal que choca frontalmente con los frescos enfrentamientos dialécticos de los amantes─, una propuesta que encuentra estimables aportes aislados, sí, pero que se diluyen en un global desilusionante

. Guerra de sexos (Sergi Sánchez, La Razón)

La película, que debería titularse «¿Por qué lo llaman sexo cuando quieren decir amor?», propone el mismo esquema que los clásicos que pretende deconstruir. Que a estas alturas se nos insista en que un hombre y una mujer que quieran ser amigos siempre acabarán en la cama resulta un poco irritante
1

Familia según Malick



El árbol de la vida 
(Terrence Malick 2011)

Viendo El árbol de la vida uno piensa que si Malick no existiera habría que inventarlo. Simple y llanamente porque la película tiene algunas de las escenas más bellas que yo he podido ver en un largometraje. Cuando uno habla de belleza formal enseguida surgen las dudas sobre la superficialidad estética o pedantería que en esta ocasión uno debe aparcar. En gran parte de El árbol de la vida hay fondo y forma. La película de Terrence Malick es uno de los retratos más lucidos sobre lo realmente complejo que es la unidad familiar y las heridas que dejan a lo largo de la vida de cada uno. Malick trata al espectador como un ser inteligente suprimiendo diálogos y subrayados innecesarios y dejando que seamos nosotros los que logremos entender todo el torrente de sentimientos que ocurren en la familia. Además están las soberbias y contenidas interpretaciones de Brad Pitt, Jessica Chastain y Hunter McCraken que junto con las líricas imágenes de El árbol de la vida logran emocionar y establecer un vinculo entre esa familia norteamericana y nosotros. Una pena que el ojo de Malick no se haya centrado únicamente en esta parte de la película.

El resto de El árbol de la vida (su parte inicial y final) la poesía y la belleza de Malick siguen presentes pero ya con menos sentido. Aunque uno llega a entender el mensaje sobre la creación y la muerte que propone el director (la escenas finales en la playa son fantásticas) no es menos verdadero que chirría después de haber visto la sinceridad con que Malick había hablado antes. No llega a ser pedante (aunque lo roza) en su visión sobre el big bang y la creación de la vida pero es una pena que no haya perdido tanto tiempo en ella... Porque en esa narración central y familiar es de lo mejor que ha realizado Malick en su vida. Lástima que le haya sobrado su intentona de hacer una triple pirueta mortal. 

Lo mejor: uno de los mejores retratos sobre la familia que se ha visto en el cine

Lo peor: la sensación de que la parte sobre la creación y la de Sean Penn sobran (aunque no molestan)

. Un lugar en el universo (Enrique Lop, Cine 365)

El surgimiento de la vida en la Tierra sirve de paralelismo al nacimiento de un ser humano del que seguimos sus primeros pasos. La condensación en la representación mediante secuencias cortas de las fases iniciales de un hombre es brillante y totalmente reconocible por cualquiera sea de donde sea. Esta vocación de tratar temas universales es uno de los grandes aciertos del film que Malick sabe reflejarlos perfectamente y sin esfuerzo

. La sinfonía de Dios (Juan J. Loza, Málaga de cine)

La maestría de Malick se refleja en cada fotograma, en el trabajado montaje, a través de un guión escueto, sutil. Utiliza frases cortas, oraciones susurradas y abundantes silencios que expresan una belleza extraordinaria que conmueve y emociona

. El misterio de la luz en la oscuridad (Julio R. Chico, La Mirada de Ulises)

No hay pretenciosidad, impostación ni grandilocuencia en su discurso, por mucho que la cinta esté plagada de profundas reflexiones y de oraciones sentidas elevadas al cielo, de manieristas movimientos de cámara y marcadas angulaciones

0

Cruda realidad paralela



Los amos de Brooklyn 
(Antoine Fuqua 2009)

No es la primera vez que el cine nos enseña las entretelas más oscuras de la policia. Desgraciadamente muchas veces se deja llevar por el lado hollywoodiense y hace oidos sordos a la realidad. En muchos films los policias no dejan ser titeres buenos o malos en vez de personas con dudas e impulsos. Por eso es tan gratificante la aparición de una película como Los amos de Brooklyn donde los arquetipos y los tópicos brillan por ausencia. En vez de hacer un retrato general (y seguramente insuficiente) Antoine Fuqua se centra en las personalidades y vidas de tres policias al límite (estupendos Richard Gere, Don Cheadle y Ethan Hawke) para mostrar el estado de las cosas. En Los amos de Brooklyn no hay parloteo innecesario ni moralismo de salón sino simpleme y llanamente vida real.

Fuqua ni glorifica ni justifica a sus tres protagonistas sino que nos enseña como sus circunstancias personales les hace actuar de distinto modo. En ese momento el relato de Fuqua es demoledor porque habla de la responsabilidad de una sociedad enferma que no se quiere curar del estado del trio protagonista que ya no representan a la policia sino al ciudadano de a pie. Y con ese retrato de individuales Fuqua consigue un fresco perfecto y demoledor de la vida no sólo en Brooklyn sino en cualquier rincón del mundo. Todo ello en una película perfectamente narrada en paralelo y que obvia excesos y fuegos articiales innecesarios. Porque todo asesinato y violencia que hay en Los amos de Brooklyn no es tan duro como cualquiera de los tortuosos momentos en soledad que tienen Gere, Cheadle y Hawke. Los amos de Broolyn es una bendición porque trata al espectador como adulto sin ahorrarle ni un gramo de la realidad que se vive en las calles. Quizá por eso ha tardado dos años en estrenarse ya que mostrar la realidad nunca ha dado beneficios.

Lo mejor: su relato sobrio y sin concesiones

Lo peor: aunque Hawke está bien también está algo más pasado que sus compañeros Cheadle y Gere


. Regreso a los 70 (Alberto Abuín, Blog de cine)

Así pues los tramos protagonizados por Don Cheadle, Wesley Snipes y Ethan Hawke —hasta la utilización del mismo actor remite a ‘Training Day‘— se tornan más facilones por así decirlo, el riesgo de Fuqua es minúsculo, y en el caso de Hawke cae en subrayados innecesarios

. Lo mejor de cada casa (José Arce, La Butaca)

El espectro técnico es correcto ─quizá la fotografía de Patrick Murguia merezca una mención especial, así como una estimable banda sonora─, y Fuqua presenta una realización sobria, disponiendo con calma las piezas que han de confluir, como puede imaginar el espectador, en un epílogo tendente a la redención vía sufrimiento más o menos extremo de las partes implicadas

. Como "cowboys" suicidas (Sergi Sánchez, La Razón)

La mayor virtud de la película es su habilidad para recrear una atmósfera de desesperación, reivindicando la dimensión trágica de ese policía que ha perdido todo vínculo con los valores positivos de la institución que representa
1

Giallo de la Mancha



La piel que habito 
(Pedro Almodóvar 2011)

La piel que habito llega en el mejor momento posible. Con sus sesenta y dos años Pedro Almodóvar vive el momento más creativo y fértil de su carrera. Sus últimas películas siguen siendo tan almodovarianas como siempre pero en ella su sentido del riesgo  está perfectamente acoplado con una buena narración de las historias. Por eso es bueno que esta película, en un principio, tan especial llegue cuando a mí parecer más fuerte se encuentra. La piel que habito no deja de ser una película de terror / horror europea de toda la vida con mad doctor incluido pasada por el tamiz melodramático de Almodóvar. En resumen un cóctel peligroso pero también atractivo.

Lo principal que hay que destacar en La piel que habito es que es una película especialmente bien contada. Esta historia imposible de venganzas y quirófanos está ejemplarmente desarrollada y narrada haciendo que realmente crea toda la locura que ve en la pantalla. Cosa realmente poco común en este tipo de historias. Y como autor que es Almodóvar no deja que su particular giallo se escape de sus manos cogiendo las riendas de la historia y sabiéndolo transforma cuando quiere en un melodrama colorista. Y eso es lo mejor de La piel que habito. Se sitúa siempre en el filo de lo ridículo y de lo absurdo pero nunca se cae en un metraje de dos horas. Es obvio que el director manchego se encuentra en un momento tan especial de se carrera que sabe como controlar cada detalle para hacer un conjunto más sólido de lo que uno se puede esperar.

La piel que habito se sitúa el en filo de lo ridículo o grotesco pero como un genial funambulista Almodóvar nunca llega a caerse  

Antonio Banderas está sorprendentemente convincente en su película más interesante en años. Su mad doctor es alguien contenido y hermético y por ello más ambiguo y peligroso. Del resto no hay dudas. El reparto sabe como no hacer excesos y creerse unos personajes al límite. Elena Anaya, Jan Cornet, Blanca Suárez, Marisa Paredes (otra hubiera hecho un destrozo con su personaje) reconocen que ya hay suficiente locura en la película y componen ejemplarmente desde la sobriedad. Y luego está Roberto Álamo, su tigre, su acento y su historia con Marisa Paredes. Es cierto que chirría pero también lo es que es perfectamente coherente con una película al filo. En otro momento Almodóvar hubiera alargado esa parte de la película y ahora la coloca al principio sin hacerla el leitmotiv del film. Quizá para recordarnos que su cine (y en especial esta película) es como una montaña rusa de subidas y bajadas. Pero una montaña rusa cada vez mejor montada y firme pero sin perder su capacidad de sorprender.

Lo mejor: su poder de fascinación nunca decae  

Lo peor: la poca entidad del personaje de Eduard Fernández  

. La piel que habito es la epidermis (Ana Sánchez de la Nieta, El cine que no cabía en Twitter)

Los sentimientos, las emociones que se supone que tendrían que provocarme el horror que estoy viendo brillaron por su ausencia. Se quedaron en la epidermis. No me creí nada, no conecté, no sufrí con los protagonistas

. Mudando la piel (N.F. Cores, Cine 365)

La proeza del manchego consiste también en rizar el rizo y convertir La piel que habito en un mix bien equilibrado de géneros que se pasea a sus anchas por el thriller psicológico, la ciencia ficción biológica, el melodrama, el gore refinado y el terror al estilo clásico

. El triunfo de las formas superficiales (Julio R. Chico, La Mirada de Ulises)

En su nueva propuesta, Almodóvar arriesga y continúa moviéndose entre las formas esteticistas de unos interiores de exquisita decoración y una temática en que la pasión sexual o la violencia sádica se hacen tan enfermizas como explícitas y excesivas