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  • HISTÓRICO
      2016 

      Película 

      Carol / The Duke of Burgundy

      Interpretaciones

      Adam Driver (Paterson)
      Lorena Iglesias (Esa sensación)

      Encuesta anual

      Los odiosos ocho

      2015 

      Película 

      It Follows

      Interpretaciones

      Ramón Barea (Negociador)
      Essie Davis (Babadook)

      Encuesta anual

      Del revés (Inside Out)

      2014 

      Película 

      Sólo los amantes sobreviven

      Interpretaciones

      Leonardo DiCaprio (El lobo de Wall Street)
      Emmanuelle Seigner(La Venus de las pieles)

      Encuesta anual

      El gran hotel Budapest

      2013 

      Película 

      La cabaña en el bosque

      Interpretaciones

      Philip Seymour Hoffman (The Master)
      Adèle Exarchopoulos (La vida de Adèle)

      Encuesta anual

      Django desencadenado

      2012 

      Película 

      Moonrise Kingdom

      Interpretaciones

      George Clooney (Los descendientes)
      Rooney Mara (Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres)

      Encuesta anual

      Moonrise Kingdom

      2011

      Película 

      Drive

      Interpretaciones

      Ryan Gosling (Drive)
      Natalie Portman (Cisne negro)

      Encuesta anual

      Midnight in Paris

      2010

      Película 

      La red social

      Interpretaciones

      Joaquin Phoenix (Two lovers)
      Emma Stone (Rumores y mentiras)

      Encuesta anual

      Origen

      2009

      Película 

      La clase

      Interpretaciones

      Frank Langella (El desafío. Frost contra Nixon)
      Charlotte Gainsbourg (Anticristo)

      Encuesta anual

      El curioso caso de Benjamin Button
      Déjame entrar
      Los mundos de Coraline
      El secreto de sus ojos

      2009

      Película 

      Tropic Thunder

      2008

      Película 

      Zodiac
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  • EVENTO: CINE, CIENCIA Y FUTURO (2-29 NOVIEMBRE / SALA PHENOMENA)
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Familias modernas de toda la vida

- Los chicos están bien - (Lisa Cholodenko, 2010)


Lisa Cholodenko se hace mayor. Parece ser que pasan los tiempos de High Art y la directora ha optado por hacer una película costumbrista, familiar y relajada. Y ese relax es lo mejor y lo peor de Los chicos están bien. Con el film Cholodenko intenta decirle al mundo una verdad (aunque una parte de la población se niegue a escuchar) y es que toda unidad familiar suele tener los mismos exitos y miserias. Importa poco la naturaleza sexual de sus componentes, los vicios son siempre son los mismos. En Los chicos están bien hay infidelidades, adolescentes confusos, hastío y amor. El problema es que Cholodenko se niega a profundizar más allá de la anécdota familiar y hace que su retrato sea demasiado superficial. Hay apuntes más que interesantes en la relación entre los personajes de Annette Bening y Julianne Moore o la inmadurez del personaje de Mark Ruffalo (un personaje muy bien construido). Pero desgraciadamente son sólo apuntes.

Bien es cierto que el ambiente calmado (y a veces tópico) de Los chicos están bien permite que el extraordinario trío protagonista (Annette Bening, Julianne Moore y Mark Ruffalo) ofrezcan un recital de talento volando por encima de sus personajes. Se pueden entender más cosas viendo los rostros de Benning o Ruffalo que en cualquier línea de guión. Quizá Cholodenko vio que con esta manera de actuar podía hacer su película más accesible y que su mensaje llegará a más a gente. Es una manera de actuar muy respetable y que funciona porque la historia se disfruta. Pero se echa en falta algo más de arrojo. También uno puede pensar que la directora quería derribar mitos y decir que una familia es igual de aburrida independientemente de su procedencia y de los miembros que la compongan.

Lo mejor: poder disfrutar del gran talento de Annette Benning, Julianne Moore y Mark Ruffalo

Lo peor: no aporta nada nuevo

. La nada cotidiana (Pablo Vázquez, Miradas de cine)

Lo que nos trae la buena de Lisa Cholodenko se queda en el terreno intermedio, desabrido y perezoso al que nos tiene acostumbrados el cine independiente norteamericano con sello Sundance. Y se embarra a conciencia en una cotidianeidad exasperante donde todo se parece demasiado a la vida y en la que todos los personajes son lo suficientemente sosos para que puedan parecernos cercanos y reconocibles

. ¿Los chicos están bien? (Beatriz Martínez, Cine 365)

Annette Bening y Julianne Moore consiguen perfilar dos interpretaciones que se ajustan la una a la otra como un guante, modulando la comedia y el drama de sus vidas con verdadera maestría, originando un clima de cotidianeidad fresco y natural, en el que los flecos de su relación se convierten en tentáculos que conectan el pasado, el presente y el futuro de la misma, convocando sus fantasmas de manera invisible en la pantalla

. Familias diferentes (Roberto González, La Verdad)
Se echa en falta un mayor desarrollo en las relaciones sociales de los hijos mencionados en el título, pero su ajustada duración evita que el conjunto resulte aburrido
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Mal-Gust-O-Vision: Night of the creeps (3 de marzo. Ocho y medio. Alicante)



Amantes del cine y la diversión ya podéis ir cogiendo vuestras agendas y marcando el próximo jueves 3 de marzo. Porque para los que estéis en Alicante ese día Malgusto prepara una noche espectacular con el Mal-Gust-O-Vision. En el marco incomparable y cinéfilo que es el Ocho y medio se pondrá la mítica película Night of the creeps (que muchos conoceréis por el titulo El terror llama a su puerta). Todo ello aderezado con un cóctel (que sus organizadores han tenido a bien llamar Agua de violencia) y aturdidora música acorde con la naturaleza del evento. Además podréis encontrareis un stand para comprar las fantásticas camisetas del catalogo de Malgusto. Una noche destinada a la sana diversión que solo puede aportar el cine de culto de terror. No lleguéis tarde porque os lo podéis perder. El jueves 3 de marzo a las 20:30 en el club Ocho y medio (Plaza Santa Teresa, 15. bajo).

Más información del evento aquí.
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América profunda y silenciosa

- Winter's bone - (Debra Grandik, 2010)


Winter’s bone es un gran milagro. Viéndola da la impresión que está realizada por un gran maestro que cuenta con decena de clásicos en su filmografía. Pues no. La realidad es que está realizada por una Debra Granik una directora de cuarenta y siete años cuya Winter´s bone es su segunda película. Por eso hay que grabarse en la cabeza el apellido de Granik por haber realizado un trabajo tan sobresaliente. Winter’s bone es una película dura y de paisajes ásperos que gracias al trabajo de la directora impresiona, duele pero nunca provoca rechazo. Donde cualquiera hubiera creado un telefilme barato Granik perfila una historia de silencios y miradas que enseñando poco se explica perfectamente.

Generalmente la llamada América profunda es mostrada (por los propios norteamericanos) con trazos gruesos y llenos de tópicos que generalmente muestran a unos personajes sin alma y ridículos. Granik no comete ese error y mira con ternura y piedad a unos personajes condenados a vivir en un sitio sin esperanza. Pero siempre hay una salida. Esa luz la marca un personaje duro como es el de Ree (asombrosa Jennifer Lawrence) que se niega a rendirse pero sin negar sus raíces y su lugar de procedencia. Porque por mucha violencia, crimen y mentiras que haya en Winter’s bone Debra Granik ama a esa tierra fría donde suceden los hechos. Es una América profunda pero también cercana.

Winter's bone habla de temas como la violencia, el miedo o el amor familiar sin caer nunca en estereotipos ni excesos diciendo mucho sin mostrar practicamente nada 

Es sensacional ver una película que nunca cae en lo superficial y sabe mostrar todo lo que piensan los personajes (no sólo los de Lawrence y John Hawkes sino también los secundarios) sólo utilizando un numero limitado de planos. Sin excesos ni piruetas simplemente dejando que la historia ( y sus silencios) hablen por si mismos. En Winter’s bone hay amor por la familia, violencia, crimen... pero en ningún momento se ven . Simplemente están soterrados en el duro invierno de los personajes. En Debra Granik hay talento ya que es complicado contar tantas cosas con prácticamente ningún exceso. Al final se utiliza tanto el término que uno no sabe que es una obra maestra. Sólo sé que sea lo que sea Winter’s bone se acerca a esa definición. 

Lo mejor: el asombroso trabajo de dirección de Debra Granik

Lo peor: pensar que sólo se ha podido disfrutar por "el efecto Oscar"

. Realismo sin artificios (Juan J. Loza, Málaga de Cine) 

Una brillante inter­pretación, de la jo­ven Jennifer Law­ren­ce que dosifica, mantiene, expresa e intensifica el drama, se merece la  candidatura al Oscar. Realismo social sin artificios, con una naturalidad afectiva

. La esencia del mejor cine norteamericano (Manuel Piñón, Cinemanía)

Rigurosa hasta provocar desaliento, Granik saca un partido extraordinario a Jennifer Lawrence y John Hawkes, los grandes beneficiados de los espacios que deja esta historia mínima

. La ley del silencio (Julio R. Chico, La mirada de Ulises)

Granik nos da una película sobria y tremendamente dura, con un hondo poso de tristeza pero dejando que un rayo de luz traiga un poco de esperanza para esa atribulada familia
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/ VR33.4x06 / Programa Vivir Rodando 22 Febrero 11 (Oscars 2011 / II)



Cisne negro, David Fincher, Winter’s bone, Aaron Sorkin, Mark Ruffalo, Roger Deakins, Alexandre DesplatPixar…  Tanto talento en la ceremonia de los próximos Oscars (que se celebrará en la madrugada del 27 al 28 de febrero) pone los dientes largos. Si todo a eso le sumamos diversos temas como el efecto Weinstein en El discurso del rey, categorías que pueden dar la sorpresa (actor y actriz de reparto) o la duda de si funcionaran James Franco y Anne Hathaway como presentadores está claro que estamos ante una ceremonia especial. La que marca el nuevo siglo en la meca dorada del cine. Por eso el programa Vivir Rodando dedica el programa de hoy a descubrir los favoritos a llevarse la estatuilla dorada. Para ello cuenta, por tercer año consecutivo, con el gran sabio Nacho Gonzalo (administrador de la web Lo que yo te diga) que desentraña el gran enigma. ¿Quién se llevará el Oscar?


Si quieres escuchar o descargar el programa pincha en:

. VR33.4x06 Programa Vivir Rodando 22 Febrero 11 (Oscars 2011 / II)
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Espejos rotos

- Cisne negro - (Darren Aronofsky, 2010)


Tras ver Cisne negro uno llega a la conclusión de que la película necesitaba a Darren Aronofsky. Pero que también Aronofsky necesitaba a Cisne negro. El talento visual innegable del director se había visto enfocada en buenas películas (Pi, Réquiem por un sueño...) pero que no acababan de rematar. Quizá porque por mucho talento que tenga uno el cine es un arte de equipo y Aronofsky se encontraba demasiado solo. En Cisne negro da la impresión que Aronofsky ha encontrado “su película” donde poder sacar todo el cine (visual) que lleva dentro sin parecer artificial ni redundante. Para eso cuenta con la labor del gran derroche de energia de Natalie Portman, la sutilidad interpretativa de Mila Kunis y Barbara Hershey, el guión sólido de Mark Heyman, Andrés Heinz y John J. McLaughlin , la fotografía de Matthew Litabique y todo el significado que Tchaikovsky habia puesto en El lago de los cisnes.

Turbia pesadilla psicológica da la impresión de ser una historia gótica ambientada en el frío y descorazonador siglo XXI. Ese ambiente mecánico y claustrofóbico (con planos muy cerrados independientemente del escenario) que tan bien les hubiera ido a Polanski o Fincher es controlado perfectamente por Darren Aronosfky. Cisne negro nos adentra en un territorio irreal para hablar sobre la identidad y la transformación en el mundo del arte en donde generalmente la belleza (la obra en si misma)  se ve mezclado por el horror (la perfección, la falta de identidad...) En otras manos (o en otra época de Aronofsky) Cisne negro hubiera sido un exceso pero si miramos con lupa la película nos damos cuenta que eso no es así. Porque aunque la historia no es original el guión es fuerte y logran construir personajes como los de Kunis y Hershey (también gracias a sus sobresalientes interpretaciones) que en otras manos hubieran sido excesivos aquí se tornan sutiles diciendo muchas cosas sin necesidad de alzar la voz.

Portman con una interpretación gestual de otro mundo y Aronofsky creando una espectáculo que además de impresionar narra logran una recta final que eleva al cine a una categoría que va más allá del arte

Da la impresión que nada sobra en Cisne negro. Ni siquiera esas partes de terror que recuerdan a los mejores momentos de Dario Argento. Es una historia de espejos (que están continuamente en toda la película) deformes y rotos que precisamente en su imperfección muestran la verdadera naturaleza de las personas. Y esa dualidad aquí la demuestra de manera sobresaliente Natalie Portman que parece que ha nacido sólo para interpretar Cisne negro. Y cuando llega la recta final Portman y Aronosfsy saben que han cumplido con el trabajo y que ahora toca hacer otra cosa. Algo llamado arte. En su final, Cisne negro convierte al cine en algo grande que va más allá de cualquier cosa. Bigger than life. Portman con una interpretación gestual de otro mundo pasando del blanco al negro sólo con la mirada y Aronofsky creando una espectáculo que además de impresionar narra. Y tras ese agotador y maravilloso viaje actor y actriz saben que es hora de dar un respiro al espectador finalizando con el sereno rostro de Portman. Como diria Nina Sayers: perfecto. Ha sido perfecto.

Lo mejor: Natalie Portman transformada en cisne negro

Lo peor: podrían aparecer más los personajes de Barbara Hershey y Mila Kunis

. Bucle: fe en la perfección (Mónica Jordan, Miradas de cine)
Cisne negro es la visión de Nina —como Pi, fe en el caos era la de Max— de un mundo que la engulle, que trama a su alrededor para inestabilizar su danza, desde la aparición de la nueva bailarina hasta la actitud de su madre hacia ella o la propia inestabilidad que que lleva consigo el personaje del director artístico

. El vuelo de la pluma y el hacha (E. Rodríguez Marchante, ABC)

Aronofski empieza con notabilísimo equilibrio su camino hacia el desequilibrio, la transformación, y la pureza y el blancor de Natalie Portman moldea una Nina realmente extraordinaria y que, poco a poco, va abriendo sus poros hacia el otro lado

. Retrato de una obsesión (Email_galicia, Mis críticas de películas)

Visualmente la película es exquisita, la coreografía es perfecta (al menos para alguien que no sabe de ballet), y la música de Clint Mansell encaja a la perfección con los temas clásicos de Tchaikovsky. En conjunto nos encontramos con una de las mejores películas del año
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Joaquin Phoenix se ha ido para siempre

- I'm still here - (Casey Affleck, 2010)


Sólo viendo el principio de I’m still here podemos entender todo el significado de la película dirigida por Casey Affleck. En ese inicio vemos a Joaquin Phoenix en plena promoción de En la cuerda floja acudiendo a varias entrevistas para publicitar la cinta. En todos los encuentros le realizan al actor las mismas (rutinarias) preguntas a las que el contesta igual y de forma mecánica en todos los sitios. Mostrándonos esto antes de que Phoenix sufra “su transformación” parece ser que Affleck quiera mostrarnos como es el mundo de Hollywood. Una maquinaria sin alma relleno de figuras mecánicas que actúan de manera previsible. Quizá por eso I’m still here no es el documental curioso y divertido que podríamos esperarnos sino que tiene que ver más con una bajada a los infiernos.

En un principio se podría pensar que I’m still here pertenecería a la estirpe de documentales contemporáneos tan redondos y brillantes como Anvil. El sueño de una banda de rock o Exit through the gift shop. Pues no. Casey Affleck coge el camino más duro y sucio. Quizá porque piense que eso es la fama, un sitio farragoso donde no se puede ser uno mismo. I’m still here es agresiva, con aristas y a la vez perturbadora. Seguramente el problema es que Affleck debió meter más la tijera ya que no todo lo que pasa en la película es interesante. Por otra parte se puede pensar que el director / actor no queria dejarse nada en el tintero. Con un estilo feísta, I’m still here muestra la transformación de alguien en buscarse a si mismo (un Joaquin Phoenix estelar) y como el mundo no permite esa búsqueda. Porque aunque el protagonismo es de Phoenix los aterradores detalles que conforman la película son los que le dan sentido. El burlesco público de sus conciertos, una prensa sin escrúpulos (¿a quién le importa si Phoenix tiene éxito en la música? llega a decir una diabólica voz en off periodística) y un Puff Daddy con ese rictus siempre amenazante. Todos conforman una especie de infierno en el que Joaquin Phoenix actor / músico intenta sobrevivir sin perder el alma (y la cabeza) y que Affleck nos muestra en toda su crudeza. Uno al final tiene que reflexionar si Phoenix pierde (de forma ficticia) la cabeza queriéndose hacer músico (o según se mire intentando ser libre) o se adentra en la locura porque se da cuenta que su carrera en Hollywood tenia un precio. Su alma. Puede ser que tras la realización de I’m still here Phoenix se de cuenta que el titulo del film estaba equivocado. Joaquin Phoenix no desapareció al convertirse en el rapero JP. Se había ido hace tiempo. Quizá al trabajar su primer día en Hollywood. 

Lo mejor: Phoenix desapareciendo en un río de Panamá

Lo peor: que Casey Affleck no haya cortado algunos momentos que no aportan nada

. I'm still here...y que siga (Carlos Sanz, Extracine)

Es todo tremendamente previsible pero a la vez es perfectamente natural. El espectador no puede evitar saber lo que va a suceder tras cada escena porque lo que sucede en las anteriores sirve de preámbulo para lo que viene después. Se trata, por tanto, de una contínua caída en picado, hasta lo más bajo de lo más bajo que podamos imaginar, donde Phoenix se amolda a la perfección a cada uno de los requerimientos de estas situaciones tan deprimentes que sufre

. Cultura de la (in)fam(i)a (Jordi Costa, El País)

Provocador falso documental, broma siniestra sostenida en el tiempo y desarticulada tras el estreno, I'm still here se resiente de la puesta en evidencia de su tramoya

. Broma pesada entre cuñados (Alberto López, La noche americana)

En lo que no hay discusión posible es en la fuerza bruta de la naturaleza que es Phoenix como actor. Es el único que gana con la certeza de la falsedad del filme
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Resultado Quiniela Premios Goya 2011

Hace unas semanas se abrió la quiniela de Vivir Rodando (junto con Lo que yo te diga) sobre los 25 Premios Goya que se darán este domingo. Estos son los resultados estadísticos que han salido en las siete categorías y que demuestran que estamos ante una de las ediciones más imprevisibles e igualadas. Podéis participar hasta el domingo y el ganador se llevará un DVD del magnifico documental Anvil. El sueño de una banda de rock.

MEJOR PELÍCULA


Balada triste de trompeta (36%)
Pa negre (23%)
También la lluvia (23%) 
Buried (18%)

Igualdad máxima. No sabemos si la polémica entre Iciar Bollaín y Álex de la Iglesia jugará a favor de Buried o Pa negre o se ha enfriado la cosa. Una categoría en la que todo puede pasar

MEJOR DIRECTOR

Álex de la Iglesia (Balada triste de trompeta) (41%)
Rodrigo Cortés (Buried) (35%)
Iciar Bollaín (También la lluvia) (12%)
Agustí Villaronga (Pa negre) (12%)

Tres clásicos del cine español contra un recien llegado (Rodrigo Cortés). Y parece que hay ganas de premiarlo. Aunque la sensación es que estamos ante una categoría abierta.

MEJOR DIRECCIÓN NOVEL

Emilio Aragón (Pájaros de papel) (59%)
David Pinillos (Bon appétit) (23%)
Jonás Trueba (Todas las canciones hablan de mí) (18%)
Juana Macías (Planes para mañana) (0%)

Está claro que cuando sale el nombre de Emilio Aragón todo el mundo le señala con el dedo. Aunque no creo que esté tan claro su premio en una categoría más abierta de lo que parece. Sorprende que no haya ningun voto para Juana Macías.

MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA PROTAGONISTA

Javier Bardem (Biutiful) (83%)
Antonio de la Torre (Balada triste de trompeta) (12%)
Ryan Reynolds (Buried) (5%)
Luis Tosar (También la lluvia) (0%)

Mejor actor en Cannes, nominación al Oscar, alabanzas de medio mundo... Parece que Bardem tiene su Goya asegurado. Sólo que alguien piense otros factores (como que Biutiful no es exactamente española) podría quitarle el premio. No ha sacado el cien por cien de los votos.

MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA PROTAGONISTA

Nora Navas (Pa negre) (56%)
Elena Anaya (Habitción en Roma)  (22%)
Emma Suárez (La mosquitera) (17%)
Belén Rueda (Los ojos de Julia) (5%)

Algo tendrá una actriz (y una interpretación) cuando luchando contra estrellas como Anaya, Suárez o Rueda saca el mayor porcentaje de votos. Demostración que Pa negre es una película de actores.

MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA DE REPARTO

Karra Elejalde (También la lluvia) (70%)
Sergi López (Pa negre) (18%)
Álex Angulo (El gran Vázquez) (12%)
Eduard Fernández (Biutiful) (0%)

Cuatro de los actores más respetados del cine español se dan cita en esta categoria. Y se demuestra que el Karra Elejalde en También la lluvia es uno de los valores más solidos de la película.

MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA DE REPARTO

Laia Marull (Pa negre) (47%)
Ana Wagener (Biutiful) (23%)
Terele Pávez (Balada triste de trompeta) (18%)
Pilar López de Ayala (Lope) (12%)

Una de las categorías más igualadas de esta edición. Y cuando hay igualdad mejor confiar en la efectividad de Laia Marull en los Goya. Ojo con alguien con tanto talento y tan respetada como Ana Wagener.

MEJOR ACTOR REVELACIÓN

Francesc Colomer (Pa negre) (59%)
Juan Carlos Aduviri (También la lluvia) (31%)
Oriol Vila (Todas las canciones hablan de mí) (5%)
Manuel Camacho (Entrelobos) (5%)

Lo que parece una lucha entre Colomer y Aduviri (con algo de ventaja para el primero) puede no serlo tanto. La frescura de Camacho y el buen hacer de Vila (que de revelación tiene poco) pueden tener mucho que decir.

MEJOR ACTRIZ REVELACIÓN

Carolina Bang (Balada triste de trompeta) (52%)
Marina Comas (Pa negre) (31%)
Aura Garrido (Planes para mañana) (12%)
Natasha Yavorenko (Habitación en Roma) (5%)

Curioso el caso de Carolina Bang. Criticada por algunos, nominada a los Yoga...pero en la quiniela muchos creen la ven como favorita. Es verdad que esa tendencia ha ido disminuyendo a favor de Marina Comas. Sorprende los pocos votos que han recibido Aura Garrido y Natasha Yavorenko.

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

Buried (Chris Sparling) (53%)
Balada triste de trompeta (Álex de la Iglesia) (24%)
También la lluvia (Paul Laverty) (12%)
Biuitful (Alejandro González Iñarritu, Armando Bó y Nicolas Giaboconé) (5%)

Es obvio que la original y angustiante propuesta de Buried tenga todas las papeletas de ser premiada. Pero ahí está Balada triste de trompeta. El guión de Álex de la Iglesia ha sido criticado...pero también premiado en Venecia. Categoría abierta.

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

Pa negre (Agustí Villaronga) (95%)
Habitación en Roma (Julio Medem) (5%)
Elisa K (Jordi Cadena) (0%)
Tres metros sobre el cielo (Ramón Salazar) (0%)

Pues la categoría con un favorito mas claro no es la de actor principal sino esta. Y con razón. Un buen trabajo de una película muy nominado y que compite con obras con poca suerte en la taquilla (Habitación en Roma y Elisa K) y una menospreciada por la critica (Tres metros sobre el cielo)

MEJOR MÚSICA ORIGINAL

Balada triste de trompeta (Roque Baños) (70%)
También la lluvia (Alberto Iglesias) (30%)
Biutiful (Gustavo Santaolalla) (0%)
Buried (Victor Reyes) (0%)

Mano a mano entre los dos nombres más significativos de la música de cine en España, Roque Baños y Alberto Iglesias. Los votantes dan cierta ventaja a Baños cuya música ha sido destacada por todos...incluso a los que no le han gustado la película.
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Crispación de la soledad

- 127 horas - (Danny Boyle, 2010)

No me gusta ser de esos a los que cuando un director de talento tiene éxito (llamemos éxito a Oscars, taquilla...) les gusta acusarlos de “vendidos” y que utilizar esa expresión tan horrible que es “se han vuelto comerciales”. Pero que no me guste ser así no quiere decir que no tenga una sensación extraña (desagradable más bien) al ver 127 horas. Yo fui de esas personas que defendieron a Danny Boyle cuando estrenó una estupenda película llamada La playa y muchos se rieron de ella. Está claro que considero a Boyle uno de los mejores y más vibrantes narradores que hay en la actualidad. Siempre que cuente una historia adecuada a sus características. Cosa que no sucede con 127 horas.

Con 127 horas Boyle se encontraba con un problema. El director no creía suficiente el one man show de James Franco durante casi hora y media y pensó que debía ser aderezado con sus artes cinematográficas. Con lo cual la película se convierte en todo un espectáculo del mejor / peor Danny Boyle. 127 horas se convierte en un show irritante y desquiciante que llega a ridiculizar (de acuerdo lo hace sin querer)  toda la epopeya que sufre el personaje de Aaron Ralston (James Franco). Uno puede entender que Boyle quiera hacernos pasar por el sufrimiento mediante esos excesos (las visiones, el montaje frenético...) pero eso no quiere decir que lo consiga. Mediante un espectáculo videoclipero y descomunal logra la colaboración de sus cómplices A. R. Rahman (una música nada en consonancia con lo que sucede en la pantalla) y Simon Beaufoy para que el espectador no sienta casi ninguna empatía con el personaje de Franco. Y no será por el estupendo trabajo del actor que es el que aporta más honradez en este trabajo. Cuando Boyle intenta calmar su furia descontrolada, Franco logra conectar tanto con su personaje (y su sufrimiento) como con el espectador. Lo que está claro es que Danny Boyle logra su objetivo. 127 horas no aburre en ningún momento aunque en muchos momentos logra algo mucho peor. Crispar a un espectador que en vez de tener el corazón en un puño acaba con la cabeza como un bombo.

Lo mejor: el honrado trabajo de James Franco

Lo peor: Danny Boyle no se corta ni un pelo

. Sobreactuando en la montaña (Joric, Jenesaispop)

Hora y media de juegos de artificio, de lucecitas y colorinchis, cuya única función es “hacer tiempo” para la “gran escena (gore) final”, esa que ha provocado desmayos (o eso dicen) y todos esperamos desde que se produce el conflicto dramático

. Perdido consigo mismo (Carlos Losilla, Cine 365)

No hay descanso, no hay tregua, y cualquier tipo de reflexión nos es negada en una especie de totalitarismo audiovisual que no deja espacio para otra cosa que no sean las filigranas absurdas de Boyle, su exhibicionismo a toda costa

. Atrapado (Sergio Roma, Cinebulosa)

Boyle va construyendo un elegante producto que nos atrapa desde un primer momento, casi desde el primer plano, y a base de una cámara inquieta, una potente e incesante música (A.R. Rahman vuelve a colaborar, además de un sensacional tema de Dido) y la extraordinaria interpretación de James Franco consigue de "127 horas" un estupendo film donde suspense, angustia, drama e incluso comedia se mezclan con la suficiente destreza para poder estar hablando de una de las películas del año
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En el capítulo de hoy...

- La trampa del mal - (John Erick Dowdle, 2010)

El estreno de La trampa del mal es un misterio en si mismo. Una pequeña película de argumento televisivo (que no tiene que ser malo) sin miembros conocidos en el reparto se hace un hueco en la cartelera española. Y eso que estrenar se ha convertido en una misión cada vez más complicada. Pues todo llega porque el argumento (ojo, no el guión) se le ocurrió a M. Night Shyamalan un director que no esta pasando su mejor momento con el público. Misterios del mundo del cine que uno no llega a entender. Y esa idea se refuerza cuando vemos la película y uno comprende que su sitio sería ser un excelente episodio de Expediente X o The twilight zone. Pero uno también debe quitarse los prejuicios de encima de tanto en tanto (para el cine y para la vida) y ser sincero. La trampa del mal se convierte en una agradable y bastante bien contada historieta de terror que acaba ganándose más simpatias que odios.

Y no por su guión que asalta con alevosia todos los topicos esperados. El personaje latino religioso, el policia que busca redención tras un pasado traumatico, los conflictos entre los “prisioneros del ascensor”... Y si además le encuentra unos cuantos giros absurdos (su pirueta final es de traca) y referencias diabólico / cristianas de más sabe que no podemos confiar mucho en el guionista (Brian Nelson) Pero si se puede salvar al director, John Erick Dowdle. Sabedor que está inmerso en un capitulo alargado de serie b sobrenatural dirige con mucho pulso y maestria esta historia haciendo que te creas todo este regalo envenenado. Erick Dowle maneja muy bien tanto los espacios cerrados del ascensor como su interacción con el universo exterior. Al final de La trampa del mal uno se ha tragado la broma sin pensar que le han tomado totalmente el pelo e incluso pensando que no ha estado mal este baño de ficción televisiva llevada al cine. Aunque es entonces cuando uno recupera sus DVD de Expediente X y se dispone a disfrutar como un crío. 

Lo mejor: cuando se vuelve juguetona 

Lo peor: los irritantes personajes del ascensor

. Creo en Shyamalan cuando dirige él (Alberto Abuín, Blog de cine)

Todo ello aderezado con cierto sentido del ritmo, aunque el guión de Brian Nelson está lleno de infinidad de detalles que terminan lastrando un film con una buena premisa. Llega un momento en el que ‘La trampa del mal’ se convierte en rutinaria y ofrece menos de lo que promete

. Las Crónicas de Shyamalan, capítulo 1 (José Arce, La Butaca)
Un reparto solvente sin más aspavientos que los necesarios, sangre, violencia, sustos e inquietud en buenas dosis y unas sensaciones globales amenas, que hacen que esta nueva demostración del negrísimo humor negro de Satanás se ajuste a las demandas de un público amplio dispuesto a pasar un buen rato sin más pretensiones

. Cita con el terror para descubrir al malo (Carlos Alonso, Espectadores)

La película es un ejemplo de cine de terror de calidad, pero el resultado es una serie B