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      1SÓLO LOS AMANTES SOBREVIVEN
      2MAGICAL GIRL
      3 EL GRAN HOTEL BUDAPEST
      4HER
      5UPSTREAM COLOR
      6PERDIDA
      7LA LEGO PELÍCULA
      8EL LOBO DE WALL STREET
      9GUARDIANES DE LA GALAXIA
      10A PROPÓSITO DE LLEWYN DAVIS
  • LO MEJOR (2007-2013)
  • HISTÓRICO
      2013 

      Película 

      La cabaña en el bosque

      Interpretaciones

      Philip Seymour Hoffman (The Master)
      Adèle Exarchopoulos (La vida de Adèle)

      Película seguidores

      Django desencadenado

      2012 

      Película 

      Moonrise Kingdom

      Interpretaciones

      George Clooney (Los descendientes)
      Rooney Mara (Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres)

      Película seguidores

      Moonrise Kingdom

      2011

      Película 

      Drive

      Interpretaciones

      Ryan Gosling (Drive)
      Natalie Portman (Cisne negro)

      Película seguidores

      Midnight in Paris

      2010

      Película 

      La red social

      Interpretaciones

      Joaquin Phoenix (Two lovers)
      Emma Stone (Rumores y mentiras)

      Película seguidores

      Origen

      2009

      Película 

      La clase

      Interpretaciones

      Frank Langella (El desafío. Frost contra Nixon)
      Charlotte Gainsbourg (Anticristo)

      Película seguidores

      El curioso caso de Benjamin Button
      Déjame entrar
      Los mundos de Coraline
      El secreto de sus ojos

      2009

      Película 

      Tropic Thunder

      2008

      Película 

      Zodiac
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  • ESTRENO DE LA SEMANA: DOS DÍAS, UNA NOCHE

       

      Dos días, una noche

      (2014 Bélgica 95 min.)
       
      Una película de Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne

      Cines

      (Madrid)   

      Conde Duque Santa Engracia 3D | Dreams Palacio de Hielo | Paz | Renoir Plaza de España (V.O.S.) | Renoir Retiro (V.O.S.) | Verdi HD (V.O.S.) | Yelmo Cines Ideal 3D (V.O.S.)

      (Barcelona)   

      Balmes Multicines (V.O.S.) | Renoir Floridablanca (V.O.S.) | Renoir Floridablanca (V.O.S.) | Verdi HD (V.O.S.) | Yelmo Cines Icaria 3D (V.O.S.)

  • EVENTO:'ABYCINE' FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE ALBACETE (24 OCTUBRE - 1 NOVIEMBRE)
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Ben Affleck, nuevo cronista negro del siglo XXI

 - The Town. Ciudad de ladrones - (Ben Affleck, 2010)

La importancia de The Town. Ciudad de ladrones va más allá de ser una buena película. Su valor radica en la constatación de un hecho importante, saber que Ben Affleck tiene mimbres de buen y consistente narrador. Con lo cual ya podemos meter al actor / director en la lista de nombres a los que merece la pena seguir y rascarse el bolsillo para ver su obra. Es verdad que The Town. Ciudad de ladrones es inferior a Adiós, pequeña, adiós pero eso no significa que eso sea un paso atrás. Ni mucho menos. Con un material menos brillante Affleck consigue un película sólida y que respeta mucho al género negro que es donde mejor se mueve el director.

Ben Affleck demuestra ser brillante en su descripción de los ambientes turbios de una ciudad como Boston. Y va más allá porque propone una reflexión interesante sobre el destino de los jóvenes que crecen en un barrio como Charlestown  donde el destino más inmediato es ser un criminal. Cuando Affleck se mete en esas calles, lugares y personajes la película transmite verdad. No en vano la mejor escena de The Town. Ciudad de ladrones es el dialogo parco, duro y seco que tienen los personajes de Affleck y Chris Cooper en la carcel. En esa pequeña escena y sin efectismos ni dramatismos entiendes el porqué los personajes de The Town. Ciudad de ladrones tienen perdida la partida de su vida antemano. Si a esto le sumamos la habilidad del director rodando las tres escenas de los atracos constatamos que Affleck se sabe mover como pez en el agua en los mundos turbios del cine negro.

Pero todas estas virtudes no eximen los errores de Affleck. The Town. Ciudad de ladrones no llega a la gran película que muchos esperábamos. Seguramente porque en esta historia de polis y ladrones sufre de cierta dejadez en lo referido a “los polis”. La presencia de Jon Hamm es desaprovechada y la historia adolece de cierto síndrome “de pata coja”. No todos los elementos de The Town. Ciudad de ladrones tienen la misma fuerza e interés. Quizá Affleck porque como buen director de cine negro lo que le interese sean los ladrones y sienta cierta desidia ante los cuerpos de la ley. Es verdad que la relación entre Ben Affleck y Rebecca Hall puede sufrir cierta dosis de poca credibilidad pero no es tan absurda como se ha dicho por otros lares. El talento de Hall (y la historia en si misma) conceden cierto interés a una historia necesaria para que la narración avance. Lo importante de The Town. Ciudad de ladrones no es sólo poder disfrutar de una película sólida, con buen gusto y cuyas dos horas pasan en un suspiro. Su clave es saber que Ben Affleck es alguien en quien se puede confiar.  

Lo mejor: la confirmación de Ben Affleck como buen narrador

Lo peor: la falta de profundidad de algunos personajes

. Nueva capital 'noir' (Jordi Costa, El País)

El rótulo puede reciclarse en preciso comentario crítico: The town no es a Charlestown lo que The wire era a Baltimore. En otras palabras, la nueva película de Ben Affleck no es la disección, la autopsia del cuerpo enfermo de la nueva ciudad noir, sino un ejercicio de género que quiere ser clásico y se queda en casi clásico. Conviene, por tanto, aclarar qué significa ese casi

. La cara como tapadera del alma (Federico Marín Bellón, ABC)

La trama criminal, de eficacia implacable, se alterna con un romance más discutible. Nos tragamos a Ben Affleck como director, como guionista y hasta como cerebro de delincuentes, pero que exhiba morritos y se regale a sí mismo un pase de pectorales provoca sonrojo


Fa una mica de ràbia que Ben Affleck es reservi el personatge central i encara més que jugui a ser el noi dolent que no el deixen ser bo. Tampoc no hi falta alguna escena amb calçador perquè Affleck llueixi musculatura
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Ceguera momentánea

 - Los ojos de Julia - (Guillem Morales, 2010)


Los ojos de Julia tiene su punto fuerte y débil en una misma característica. Ser una película apadrinada por Guillermo del Toro. Ese dato hace que la película de Guillem Morales tenga una excelente promoción (no en vano fue la película inaugural del último Festival de Sitges), cuente con un poderoso reparto (Belén Rueda, Lluís Homar...) y el director cuente con todos los medios que necesite. En el lado negativo encontramos que este “apadrinamiento” nos lleva a pensar que Los ojos de Julia tiene ramalazos orfanatiles ya vistos con anterioridad. Porque una de las cosas que más molesta del film es que no hacia falta tanto (medios, metraje...) para contar tan poco (una simple historia de terror con psicópata traumatizado).

Lo mejor de la película es saber que Guillem Morales rueda muy bien. Se abstrae de todos los excesos e incoherencias que rodean a Los ojos de Julia para rodar con pulcritud, estilo y buen hacer un puñado de escenas excelentemente resueltas. La persecución con el móvil como única luz o parte del final del enfrentamiento entre la heroína y el villano demuestran que Morales sabe lo que se hace en cuanto a rodar un thriller se refiere. Curiosa (e incoherentemente) la película sabe sacar provecho del final porque es cuando asume su condición de terror más puro e, incluso, europeizado. A pesar de que Los ojos de Julia sufre un metraje excesivo y agotador es al final, cuando se deja de coartadas psicológicas peregrinas y banales, donde encuentra su razón de ser. Morales crea un clima enfermizo y sabe llevar perfectamente un climax asfixiante a sus últimas consecuencias (ese plano del cuchillo acercándose al ojo). Antes hemos encontrado una película narrativamente muy débil que desaprovecha el lujo de tener a gente como Lluis Homar o Joan Dalmau en el reparto confiriéndole unos personajes imposibles. Uno absurdo y otro lleno de tópicos. Aunque Los ojos de Julia juega acertadamente el conflicto de la ceguera peca de exceso de ambición intentando buscar un mundo interior a los personaje de Belén Rueda que realmente no lo tiene. Para muestra la ridícula imagen final con la que termina la película. Al final, Los ojos de Julia es una película donde se disfrutan algunos momentos más que el conjunto.

Lo mejor: adivinar que Guillem Morales tiene talento

Lo peor: la ridícula "galaxia" final

. Buena ejecución y notable reparto (David Ribet, Tu blog de cine)

Respecto al tono dramático que subyace bajo el entramado de mero suspense, supone todo un aliciente extra que, de algún modo, enriquece un poco más la historia, ya que otorga cierto calado emocional a los personajes principales, interés en sus relaciones y, sobre todo, presencia a sus motivaciones

. Ciegos de necesidad (Jesús Rubio, Tío Oscar)

En el fondo, la película huele a vieja serie B en nuevo envase, pero sin renunciar al entrañable lastre de unos personajes acartonados, atraídos como imanes por situaciones sórdidas y escenarios inhóspitos, y una acción muy coreografiada que por momentos acaba siendo gratuita cuando no fallida por su casualidad: ahí quedan los pobres recursos del guionista para dejar sola a la protagonista y permitir el avance compulsivo de la historia

. Un guión lleno de sombras (Jesús Arce, La Butaca)

Decepcionante, en una sola palabra, resulta una propuesta en la que el cuidado técnico, estético y formal trata de sepultar las sorprendentes limitaciones de un libreto, firmado a cuatro manos por Morales y Oriol Paulo, que exige mucho del espectador para ofrecerle más bien poco
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Sobrevivir en territorio ajeno

- La otra hija - (Luis Berdejo, 2009)

Sería obligatorio que tras el pase de La otra hija se pasara un DVD con la rueda de prensa que dio su director, Luis Berdejo, en el pasado festival de Sitges. Podía parecer la típica rueda de prensa pero Berdejo (un tipo muy inteligente) dejo frases que si te parabas a analizarlas entendías como había sido su experiencia trabajando en Estados Unidos. El director vino a explicar que La otra hija había sido un master pagado en la meca del cine y uno podía comprender que Berdejo ha hecho lo que ha podido con lo que le han dejado. Y todo eso se nota en la película.

La otra hija tiene muchos puntos en contra. Durante su metraje nada sorprende en el argumento y no hay elementos creativos de interes que ayuden a pensar que La otra hija va a ser una gran experiencia cinemtografica. Como película de genero de manual la película transcurre con una placida sobriedad que no molesta pero tampoco sorprende. La interpretación serena (hierática también) de Kevin Costner va en consonancia con una película cuyo misterio no interesa lo suficiente. Pero si vamos más allá de los aspectos negativos de La otra hija uno se da cuenta de un aspecto clave en una película. La otra hija no aburre. Y es ahí donde sale el talento que si que tiene Luis Berdejo. Sabiendo que no es exactamente “su película” y que dirigir en Estados Unidos es estar en una posición privilegiada, Berdejo aprovecha la oportunidad. Monta La otra hija como una película clásica de genero con una gran sobriedad y dignidad. No hay gran originalidad pero tampoco excesos. Berdejo es tan listo que hace que La otra hija sea un interesante drama familiar (norteamericano, claro) que habla sobre las relaciones entre hijos (adolescentes con todos sus cambios hormonales) y padres (perdidos). Para ello se apoya en la interprete más talentosa del reparto (Ivana Baquero) dejándola a sus anchas y permitiendo que se coma a su padre ficticio, Kevin Costner. Luis Berdejo da una lección de cómo sobrevivir trabajando en territorio ajeno manteniendo un halo de dignidad. En la rueda de prensa de Sitges, Berdejo dijo que el próximo proyecto que rodara le gustaría que “fuera con un guión suyo”. Se lo ha ganado. 

Lo mejor: su final

Lo peor: su falta de originalidad

. Ya soy mujer...insecto (Fausto Ferández, Cine 365)
Berdejo le suma una ambientación de cuento de brujería, muy de la escuela druídica (otro referente más en la trama) británica, ribeteada con lo que vendría a ser la doméstica variante de films con hijos o hijas deambulando por la locura y el instinto homicida

. El otro cine (Juan Pairet Iglesias, El séptimo arte)

Como otras tantas cintas, la profesionalidad con la que está resuelta 'La otra hija' está fuera de toda duda y su factura técnica resulta intachable, si bien se le puede achacar falta de imaginación y valentía en su puesta en escena, así como no ser capaz de rematar algunas secuencias con el necesario golpe de gracia que dote de consistencia a las mismas

. Berdejo apunta maneras pero se pierde en el bosque hollywoodiense (Javier Ruiz de Arcaute, Las horas perdidas)

El problema es precisamente que entre limitaciones, negociaciones y un guión interesante en su planteamiento, pero pobre en su desarrollo, la película se queda a medio camino de muchas cosas sin decantarse por una concreta, y con la terrible sensación de estirarse demasiado para encajar en el formato de largometraje
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"Se habla muy poco del papel de la mujer en la Guerra Civil" (Mikel Rueda, director de Estrellas que alcanzar)

Decir que Mikel Rueda es alguien nuevo en el mundo del cine sería mentir. En su haber tiene más de diez cortometrajes que le han hecho coger experiencia para poder iniciar la gran aventura de dirigir un largometraje. Esta primera aventura se llama Estrellas que alcanzar que se estrena este viernes 22 de octubre en España y narra una historia oscura de la Guerra Civil, la situación de las mujeres durante el conflicto. Grandes olvidadas que ahora la película de Mikel Rueda rescata


¿Cómo surgió la idea para realizar Estrellas que alcanzar?

Digamos que la película me llega de encargo. Yo presenté un guión mío a Baleuko (la productora) y al leerlo me dijeron que les gustaba y que querían hacerla pero que en esos momentos tenían una idea entre manos que querían desarrollar. Y me la propusieron. Después de documentarme varios meses acerca de lo que ocurrió en aquel lugar, decidí ponerme al mando del proyecto y dirigir la película. Si que es verdad, que al principio no sabíamos qué iba a salir de todo aquello, porque no teníamos claro el formato pero lo que la productora tenía claro es, que querían a alguien joven al frente del mismo. Querían alguien completamente ajeno, para poder alejarse de los hechos y contarlos desde fuera. Y es verdad, que al hablar de cine es muy difícil hablar de objetividad, ya que en el mismo momento en el que sitúas la cámara en un determinado lugar, estás sesgando la realidad pero sí que he intentado que los personajes hablen por sí mismos y que sean sus hechos los que les juzguen.

Uno de los temas de Estrellas que alcanzar es el trato a las mujeres republicanas durante la guerra civil. ¿Cree que las mujeres en esta guerra han sido olvidadas?

Es curioso, porque efectivamente se ha hablado mucho del papel del hombre en la guerra, de los maestros, artistas... pero muy pocas veces hemos oído hablar del papel de las mujeres, y más concretamente del de las madres. Y es que en aquella época, la sociedad vivía marcada por lo masculino era el hombre el que iba a la guerra, el que decidía lo que se hacía y lo que no y las mujeres se quedaban en casa. Y a su cargo quedaba algo mucho más importante que todo lo demás: la educación de las generaciones venideras. Y precisamente esa educación es la que quiso cargarse de raíz una parte de este país. Quisieron hacer desaparecer unos valores y unas maneras de entender la vida que se oponían por completo a las suyas. Y por eso es importante esta película, porque rinde homenaje a esas mujeres que no se callaron, que supieron seguir adelante cuando no había nada a lo que agarrarse.
  
El proceso de documentación debe haber sido clave. ¿Aprendió mucho durante el proceso de Estrellas que alcanzar?

La verdad es que sí. Yo conocía muy poco acerca de lo ocurrido en las cárceles de mujeres. No tenía ni idea, como muchos otros, de la desaparición de niños y su posterior movimiento en adopción a familias falangistas. Pero sobre todo de donde más he aprendido ha sido del contacto directo con las expresas que aún siguen vivas. Son un documento vivo de lo que allí sucedió... y fue gracias a ellas, que pude impregnarme de esa verdad que necesitaba la historia para ser real y llegar a la gente.

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De visita a Fuera de Series (43º Festival Internacional de Cinema de Catalunya / Sitges 2010)



Dado que la cuarta temporada radiofónica no empezara hasta mediados de noviembre, Vivir Rodando ha tenido un partido de pretemporada de los buenos. He sido el primer invitado del último programa de la nueva temporada del ya mítico espacio Fuera de Series. Con la familia Navas (CJ, Jorge y Don Carlos) he charlado durante una hora de mi experiencia en el 43 º Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya que se celebró en Sitges del 7 al 17 de octubre. Pero como siempre la experiencia de Fuera de Series fue intensa y charlamos sobre Mad Men, Rubicon, documentales de baloncesto (y tiburones, claro), Robert Stack, Bored to death, el II Festival de Series que se va celebrar en Madrid, las V Jornadas de Podcasting que se harán en Barcelona (jPod10).., los partidos de fútbol los lunes por la noche ...e incluso Jorge y yo pudimos defender La red social. Por cierto que hay muchas similitudes entre la película de David Fincher y Fuera de Series. Es brillante, entretenido y se hace muy, muy corto.


Para escuchar o descargar el programa:




PD. Fuera de Series estará en los V Jornadas de Podcasting de Barcelona el sábado 30 de octubre a las diez de la mañana. Podéis votar al programa y a CJ Navas en los Premios de Podcasting. Hay otras candidaturas excelentes como las de nuestro programa hermano de Lo que yo te diga o Lorena Gil (The TV Slayers)
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Verdades y mentiras de esa cosa llamada arte

- Exit through the gift shop - (Bansky, 2010)

Tengo la impresión que el debate sobre el arte callejero ha cambiado. La pregunta hace tiempo era si lo que veíamos era vandalismo o arte. Creo que ahora la pregunta es si ese arte que tenia un gran componente de reivindicación o arte se ha vendido al dinero y la comercialización.  Esta es una de las dudas que lanza el aire la gran cara visible ( o invisible mejor dicho) del arte callejero que es Bansky en su excelente documental Exit through the gift shop.

En un principio puede verse Exit through the gift shop como una oda al arte callejero o como una radiografía del mismo. Y en el segundo caso funciona a la perfección. A la manera de un verdadero / falso documental seguimos a algunos de los mejores (Invader, Shepard Fairey...) en este tipo de arte. Esa parte es frenética, interesante, divertida y, especialmente, muy didáctica. Pero Bansky demuestra que es un genio dándole la vuelta a la tortilla en la segunda parte de la película. Tras una parte muy brillante pero con la inevitable dosis de jabón Bansky propone un juego diabólico e irónico. La creación casi de la nada de un nuevo artista callejero. En Exit through the gift shop vemos la trastienda de un nuevo “artista” llamado Mr. Brainwash que curiosamente hasta ese mismo momento era el “verdadero” director del documental y sólo un fan de los artistas. Bansky pone mucha ironia, doble lectura y, quizá, autorreferencia al nuevo monstruo que ha creado. Exit through the gift shopes un excelente testimonio de una época y de una forma de vida. Pero no es sólo eso. Es un ensayo que a través de la imagen y el humor pone en tela de juicio el arte y su existencia. Hay que ser muy grande para realizar un documental que ensalce tu estilo o forma de vida y, a la vez, lanzar una o dos dudas sobre el mismo. Y todo con estilo e ironía. A lo mejor es que Bansky es tan genial como dicen.

Lo mejor: el ritmo y la ironía del conjunto

Lo peor: su lamentable distribución en España

. Las máscaras del arte (Sergi Sánchez, La razón)
«Exit through the Gift Shop» es una película sobre las máscaras del arte: una farsa que se esconde tras la etiqueta del documental realizada por un artista urbano aficionado a la ocultación que utiliza a su amigo y némesis para demostrar que cualquiera con voluntad de exponerse puede convertirse en el artista del momento

. El arte de la fama (Pablo López Muñoz, Tío Oscar)

Un acertado juego de espejos entre el artista original y acreditado, Banksy, que mira todo con altanera estupefacción, y la víctima del sistema, artista improvisado, Guetta, que se ve sobrepasado por su propia ambición, una ambición que ha sido generada por el mundo que le rodea. Un mundo de fama, pretensión, artificio y pose, sobre todo pose

. Ambigüedad documentada (José Arce, La Butaca)

Este trabajo versa, principal y casi únicamente, sobre la mercantilización radical, absurda e incluso ajena de la propia obra de arte
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Una vida mejor

 - La red social - (David Fincher, 2010)

Una de las razones del fracaso comercial de esa obra maestra que es Zodiac es que el público entendió que era una película sobre un asesino. La realidad es que el asesino era una excusa para hablar del vacío del ser humano, de la sobreinformación como tortura para el ciudadano de a pie... Y en La red social, David Fincher vuelve a hacer lo mismo. Facebook supone la excusa para volver a hacer una afilada radiografía del lado más oscuro del individuo. Y nunca mejor dicho porque la película es un retrato de la individualidad, de la lucha contra lo impuesto, la sociedad...y, a veces, contra uno mismo.

La red social podía haber sido una película barato sobre buenos (Eduardo Saverin, Cameron Winklevoss, Tyler Winklevoss, Divya Narendra...) contra malos (Mark Zuckerberg, Sean Parker... ) Pero si se analiza el cine de David Fincher y la obra de Aaron Sorkin podemos ver que sus personajes siempre son retratados en el filo de la ambigüedad. En la película se podria definir a Mark Zuckerberg como un antihéroe nihilista. Pero heroe al fin al cabo. Individuo que lucha contra los ricos, cachas, triunfadores por herencia... que cree que tiene derecho a aspirar a una vida mejor. Un Robin Hood que roba a los ricos...para darselo a él mismo. Ahí es donde radica la fuerza de La red social. En la velocidad de sus dialogos, los encuadres perfectos, el montaje maestro...hay un contenido donde nada se da por supuesto y deja al espectador la sensación de que el ser humano puede ser cruel en sus errores como perdonable por ellos mismos. La red social no va exactamente (como se podía suponer) de sexo, drogas, dinero (el vil metal es irónicamente despreciado en el film) o ambición desmedida. Ni siquiera creo que sea el retrato de una generación. La red social podría ser exportable a cualquier época o estado del ser humano. Con un estilo cercano al Bret Easton Ellis (pero nunca llegando a su autismo emocional) la película llega con brillantez y sin exceso al fondo del ser humano. El que no se resiste a andar por el camino que le han marcado. Aunque deba dejar la poca alma que uno tiene.

La red social es el retrato de un antihéroe nihilista que aspira a ser mejor aunque para ello tenga que vender su (casi nula) alma

Es verdad que La red social es Fincher en estado puro. Pero el maestro es tan bueno como listo. Porque La red social es una especie de All Star donde cada elemento se ha juntado con el otro para lograr un conjunto sin fisuras. En la película tenemos los eternos diálogos de Sorkin, el talento visual de Fincher (una competición de remo que podría pasar a la historia del audiovisual), la música acertadamente ensordecedora de Trent Reznor y Atticus Ross y la interpretación magistral de Jesse Eisenberg. Todos aportan su grano de arena para crear una obra tan descomunal como sutil. Sólo hay que ver los breves pero certeros retratos femeninos de los personajes interpretados de Rashida Jones y Rooney Mara (aquí hay futuro). Por eso La red social termina con una excelente secuencia que deja abiertas muchas preguntas (y da bastantes respuestas) sobre la naturaleza del individuo. Y donde el espectador debe dar su solución sobre lo que es esta maravillosa experiencia que es La red social.

Lo mejor: la perfecta unión de los talentos de Fincher, Sorkin, Reznor, Ross y Eisenberg 

Lo peor: su escasa duración

. El reflejo de una generación (Daniel Lobato, La noche americana)

Al igual que hiciera con Zodiac, Fincher otorga a La red social un estilo sobrio y muy analítico, se limita a enseñar sin entrar a juzgar las acciones de los personajes

. La paradoja de Zuckerberg (Jordi Costa, El País)

Fascinante estudio de personaje y preciso retrato de una época -el estricto presente-, La red social se abre como una novela de campus y culmina en una secuencia final perturbadora, que quizá lanza un guiño inconsciente al Samuel Beckett de Film (1965)

 . A universal story that's hard not to like (Ann Hornaday, The Washington Post)

"The Social Network" can't be taken as the literal record of events -- which ultimately involved Zuckerberg being sued by his partners and competitors. Clearly Sorkin and Fincher had higher aspirations for their film. With surgical precision, exhilarating insight and considerable storytelling flair, they make Zuckerberg both a metaphor and a lens through which to understand contemporary culture
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Las dos caras de Oliver Stone

- Wall Street: El dinero nunca duerme - (Oliver Stone, 2010)

Tenía todo el sentido del mundo que hubiera una secuela de Wall Street en los tiempos que corren. Era muy positivo que el Oliver Stone atrevido y valiente pusiera su ojo sobre la pobre actualidad económica y nombrara con nombres y apellidos a los culpables (banqueros, políticos...) El problema era que daba la impresión que Stone estaba perdiendo en sus últimas películas toda esa bilis y mala leche que demostró durante gran parte de su carrera.

Pero hay buenas noticias, Wall Street: El dinero nunca duerme es bastante más disfrutable de lo que anunciaban antes de su estreno en España. La película ya anuncia (con unos créditos de apertura bastante de los ochenta) que Stone quiere recuperas su potente y atractivo ritmo narrativo. A través de una primera hora magnifica nos adentramos en el Wall Street del siglo XXI de forma trepidante, con una gran puesta en escena (con recuerdos al Stone de antaño), magnificas interpretaciones y un acertado análisis del estado actual del mundo (los culpables están en Wall Street). Incluso nos podemos creer que exista un broker ecologista y que sea buena persona (el personaje de Shia LaBeouf). La pena es cuando Wall Street: El dinero nunca duerme se convierte en una lucha entre el Stone que fue y el que realmente es. El maravilloso paranoico que dice ser un critico del stablishment USA y el que realiza películas que pueden rozar el telefilm. Las apariciones de una llorica (y bastante insoportable) Carey Mulligan nos avisan de que no es oro todo lo que reluce.

El pistoletazo de salida la da la penosa reconciliación de los personajes de Michael Douglas y Carey Mulligan en unas escaleras, secuencia que viene después de una estupenda escena / careo entre Josh Brolin y el propio Douglas. Las dos caras de Stone. Y Oliver Stone, como si de un Gordon Gekko del cine se tratara, nos tima con un final incoherente y absurdo rematado con una fiesta de cumpleaños final que es de vergüenza ajena. Y entonces es cuando lo vemos claro. En conjunto Wall Street: El dinero nunca duerme es una gran película que nos recuerda que Oliver Stone es un grande. El problema es que sibilinamente se ha vendido al capital, a la banca y le ha hecho el juego a los poderosos. Esta vez el poder lo representaba un sentimentalismo absolutamente inadecuado.

Lo mejor: el pulso narrativo de Stone

Lo peor: un final y un epílogo inadecuados e incoherentes

. 'Wall Street. El dinero nunca duerme', a medio camino (Juan Rodríguez Millán, La Sala de Cine)

Sí es cierto que se acerca por momentos en secuencias llamadas en el guión a ser grandes para el análisis y reflexión. Pero no menos cierto es que la película deriva mucho más a la situación de los personajes que a la de la economía global

. Innecesaria humanidad (Mex Faliero, Fancinema)

Uno descree de la construcción maniquea de los villanos, que no sienten compasión ni ante un bebé descuartizado. Pero la forma en que Stone expone aquí el vínculo padre-hija no sólo es incompatible con los personajes, sino que trae como consecuencia un epílogo ridículo y para nada conectable con el mundo de miserias que se nos quiso mostrar durante dos horas

. Capitalismo en tiempos de crisis (Quim Casas, Cine 365)

El dinero, como elemento pragmático, real, mueve el capitalismo, y la película de Stone es un nuevo estudio sobre el funcionamiento del capitalismo más atroz rodado con algo menos de talento que la primera aparición en escena del tiburón de las finanzas Gordon Gekko
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Aventuras españolas en USA, justicieros sin poderes y finales del mundo (43º Festival Internacional de Cinema de Catalunya / Sitges 2010)













Llegaba otra película esperada en Sitges 2010. La aventura americana de uno de los hijos del festival, Luis Berdejo. La otra hija arrancaba en esta edición con las presencias en el film de una superestrella com Kevin Costner y una futura star (como dijo el director del festival Ángel Sala en la rueda de prensa) como Ivana Baquero. Y la película me deja diferentes sensaciones. La otra hija no es una gran película, demasiado previsible y, a veces, con falta de ritmo. Pero no es menos cierto que nunca miré el reloj cuando la vi, está hecha con un acertado clasicismo y tiene un magnifico final que hace que olvides errores anteriores. Escuchando a Berdejo en la rueda de prensa posterior (por cierto un tipo realmente agradable e ingenioso) se podría intuir que no habia hecho exactamente la película que había querido y que daria realmente las talla en un proyecto “más personal”. Ya avisaba Berdejo que su próximo proyecto le gustaría que fuera “con un guión suyo”. Mucha suerte al director. Me da buena espina. Por cierto, en la rueda de prensa aparecieron por sorpresa la gran Leticia Dolera y Paco Plaza.













Porque en la jornada de ayer, Sitges vivió mucho el cine USA. Se premió con la Máquina del Tiempo a Richard Kelly, se vio la nueva película de James Wan, Insidious (que tanto ha divertido al periodista de El País, Jordi Minguell) y se estrenaron dos films como Super y Vanishing on the 7th street. Se podía temer que Super acabará siendo un proyecto USA mainstream con chistes fáciles sobre un hombre normal que se convierte en superhéroe. Apoyado en un gran reparto (magnificos Rainn Wilson y Ellen Page) dirige un trepidante y violento cómic sazonado de chistes de humor negro. Sin ser perfecta, Super es rápida, trepidante y nada acomodaticia. Y con dos puntos a favor unos de los mejores títulos de crédito que servidor ha visto en el cine y, como en La otra hija, un gran final. Si una película empieza bien y acaba bien sólo puedes apoyarla. Con Vanishing on the 7th street llegaba uno de los clásicos del festival, Brad Anderson (que estuvo presente en la sala). No hay nada nuevo ya que Anderson sigue con estilo calmado y sobrio. Es verdad que a mí me ha dejado la sensación de que ha manejado mejor el climax y el misterio mejor que en otros films suyos. Un film bastante interesante y que me parece un paso adelante en la carrera de Anderson.












Y más USA. Una USA clásica y necesaria de reivindicar. Mañana a las diez de la mañana estará Joe Dante dando una clase magistral. Dos horas después Roger Corman (y su esposa Julie) hablarán con los aficionados. Tener a tiro a dos tipos con tanto talento y oficio, que han hecho tanto por el cine popular y que son mitos contemporáneos es algo que no tiene precio.

Más seguimiento en el Twitter de Vivir Rodando

PD. Eso si, lo mejor del Festival ha sido un subtítulo encontrado el periódico oficial del certamen



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Lecciones carpenterianas, recuerdos de resplandor y cuarentenas originales (43º Festival Internacional de Cinema de Catalunya / Sitges 2010)











Y llego él. El maestro Carpenter puso fin a demasiados años de silencio tras la estupenda Vampiros. Y pocos sitios tan adecuados donde regresar que en el Festival de Sitges. A primera hora de la mañana los espectadores del festival veíamos como uno de los grandes maestros (no del genero sino del cine) ponía de nuevo su talento. Porque sí, lo ha hecho. A estas alturas muchos habréis leído cosas malas de The Ward. Opiniones que no comparto. The Ward no es nada original, típica historia de psiquiátrico, traumas y muertos vengativos. Lo que es original es ver como un hombre de ... da lecciones de dirección. The Ward es apasionante e inquietante en tanto lo es la puesta en escena de Carpenter. No es En la boca del miedo pero The Ward se disfruta mucho. Y a las ocho de la mañana más.

 












Y no sólo de películas vive Sitges. El director Richard Kelly tuvo un encuentro con fans donde expreso sus ideas sobre el séptimo arte. Quedaron claro varias cosas, una que Kelly tiene más fans en España de lo que parece. La sala Tramuntana del Auditori prácticamente se lleno para ver y hablar con el director. Lo segundo es que Kelly tiene un mundo propio donde la cultura popular (música, cine...) tiene una importancia predominante. Guste más o menos (recordemos los palazos a The box) Kelly tiene visos de ser un autor. Si le dejan. Otra charla interesante fue la de Jan Harlan, productor ejecutivo de El resplandor. Con motivo del 30 aniversario del film, el productor mantuvo una charla didáctica e interesante donde el protagonista absoluto fue Stanley Kubrick. Harlan se quejo de la fama de perfeccionista de su amigo Kubrick ya que el director sólo quería “hacer la mejor película posible”. Como no puede ser de otra forma apareció en la charla el gran proyecto kubrickiano que nunca se llevo a cabo, Napoleón. No poder ver nunca ese film es una desgracia. Nos conformaremos con El resplandor.












Y mientras Secuestrados impactaba y daba muestras de película que dara que hablar (¿posible triunfadora de esta edición?) se proyectaba un film donde habia puestas grandes esperanzas.  Y no decepcionó la argentina Fase 7. Con grandes dosis de humo negro y una acertada puesta en escena, Fase 7 habla sobre como viven en estado de cuarentena los vecinos de una comunidad. Sólo echándole una parte final dubitativa y alargada Fase 7 caló entre el público y no sería de extrañar que su guión o el mismo publico hicieran que se llevará algún galardón. Puede ser la típica película que se lleva las simpatías de la gente. Película que gustó tanto como lo hizo otra sudamericana como es la uruguaya La casa muda. Se están haciendo bien las cosas en esa tierra.

Y pasa otro día más en Sitges. Un día más donde uno se va adormir sabiendo que Carpenter es muy grande. Por si no lo había dicho ya. Mas seguimiento en el twitter de Vivir Rodando.
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Neumáticos de culto, timos exorcistas e invasiones zombis (43º Festival Internacional de Cinema de Catalunya / Sitges 2010)



El miedo llega a Sitges. Cuando uno ve una cola larguísima llena de adolescente dando la vuelta al hotel donde se celebra el festival a las ocho de la mañana un halo de inquietud recorre tu cuerpo. El miedo llega cuando descubres que esas personas no han dormido por ver una preview (ojo un preview, no la película) de los extras de la película Eclipse y al actor Kellan Lutz (no a Robert Pattinson o Kristen Stewart). Entonces llega el terror.

Terror que se supone que vas a tener al ver The last exorcism que viene con la “etiqueta” de estar producida por Eli Roth. La realidad es que al final has pasado más miedo viendo a los fans de Eclipse. La película dirigida por Daniel Stamm entretiene e interesa especialmente en su tramo inicial (curiosamente cuando no hay que pasar miedo). El problema se dedica a seguir los canones del “falso documental” sin aportar nada nuevo. Y no deja de ser un terror la mar de vulgar rematado por un final mediocre. Eso si The last exorcism tiene empaque y factura para que el timo entre mejor.


Uno de los puntos fuertes del festival llegó con la proyección de Rubber. Y el neumático asesino llegó, vio y venció convirtiéndose en una de las favoritas para el premio final. Rubber es más que la historia de un neumático con tendencias homicidas. Es una comedia delirante, surrealista y que cuenta con una magnifica dirección de Quentin Dupieux. Lo mejor de Rubber es que no se queda en la anécdota y va más allá. Propone un diabólico  juego con el espectador donde se reflexiona sobre la importancia de este en el mundo del cine. Con Rubber te diviertes, piensas y quedas hipnotizado con este neumático que va para icono.

Y hoy en Sitges llega la invasión zombie. Con la Zombie Walk multitud de muertos vivientes invadirán este estupendo rincón de Cataluña. Y para guiarnos en el mundo zombie que mejor que el maestro, el gran Tom Savini que impartirá una clase de cómo ser un buen muerto viviente. Rematará el dia un merecido premio al siempre intenso Vincent Cassel que presentará una de las películas más esperadas del festival, Noutre jour viendra de Romain Gavras.

Si sobrevivo al ataque zombie podéis tener más información en el Twitter de Vivir Rodando.
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Ejercicios de entretenimiento sin profundidad (43º Festival Internacional de Cinema de Catalunya / Sitges 2010)














Ja sóc aquí. Vivir Rodando tiene la primera experiencia como medio en un festival de cine. Y no en uno cualquiera sino en uno de los más populares de todo Europa. Vivir Rodando está en el 43º Festival Internacional de Cinema de Catalunya. Vamos, en el Festival de Sitges.

Y lo importante de los festivales son las películas. Verlas antes que nadie para dar ciertas indicaciones a la gente antes de que se estrenen oficialmente las películas. Para que luego la gente haga lo que le de la gana. Como debe ser.

La película estrella de este festival es Los ojos de Julia que pretende arrastar los fenómenos de guillermos del toro y orfanatos varios. Y lo hará. Aunque eso es un lastre en mi opinión. Demasiados tópicos ya vistos y demasiado suspense de fábrica. Guillem Morales demuestra que es un director que sabe rodar muy bien y eso hace que la película se salve. Pero tiene demasiados lugares comunes para disfrutarla totalmente.


Aunque otros medios no compartan mi opinión he disfrutado con Agnosia. Es verdad que no es totalmente brillante e incluso vacía (como apunta el gran Jordi Minguell). Pero tiene un regusto clásico y un guión bastante sólido que hace que no pierdas la atención en ningún momento. Agnosia se lo cree más que Los ojos de Julia.

Y para finalizar se ha podido ver el remake chino que ha hecho Zhang Yimou de Sangre fácil (¿?) Yimou sabe que el proyecto en si es una locura yp or eso no se toma en serio. Como no debe hacer el público. A woman, a gun and a noodle shop es un divertido y sencillo remake que pasa enseguida y no pretende más que entretener. Lo que si se lleva el espectador es la excelente interpretación de su protagonista femenina.


Y esta tarde a ver un neumático asesino. Pues claro, que estamos en Sitges. Más seguimiento el en Twitter de Vivir Rodando
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Serie B con el freno de mano puesto

- Machete - (Robert Rodriguez, 2010)

En todo momento la sombra de Planet Terror permanece sobre Machete. Reconozco que disfruté como un niño con la película grindhouse de Robert Rodriguez. Gore, ritmo frenético, humor bizarro, un casting perfecto... Rodriguez le encontró el punto a realizar un sano divertimento de película de serie B sin quedarse en el homenaje absurdo. Por eso hay que pensar que en Machete, Rodríguez cogiera todas los automatismos que aprendió en Planet Terror. La presencia de Danny Trejo como protagonista absoluto hacia que nos frotáramos las manos de disfrutar de una bizarra y divertida experiencia cinematográfica. La pena es que la experiencia de ver Machete no es todo lo excitante que se espera.

Está claro que la presencia de Trejo impone. El actor que tanto nos gustaba en papeles secundarios es de lo mejor de la película. Sólo con su presencia física y la mirada, Trejo hace que nos creamos ese personaje imposible salido de la mente de un director sin miedo al ridículo. Y ese es el único problema de Machete, el ridículo o su miedo. Da la impresión que Rodriguez se frena muchas veces en el film (cosa que no pasaba en Planet Terror) cuando la película ese punto loco que está pidiendo a gritos. Y el inicio no puede ser mejor. Violencia, sentencias definitivas, desnudos, sangre, ritmo y Steven Seagal. Machete empieza siendo como la película bizarra que me imagino ... y quiero ver. También es positivo (y valiente) el toque social del film arremetiendo directamente contra la Ley de Arizona. 

Danny Trejo es Machete. Su presencia, mirada y figura hacen que la película cuente con un protagonista sólido y, sorprendentemente, creíble

Pero una vez acabada Machete da la sensación que no hacían falta tantas alforjas para este viaje. Una duración bastante normal como son los cien minutos se hacen excesivos para una historia que pedía sólo una hora y veinte. Pero el metraje no es el principal problema. Machete da la sensación de que se quiere desbarrar y no puede. En la escena del hospital o las de la iglesia (el diálogo de Cheech Marin y Trejo) Machete encuentra su verdadero espíritu de película trash que no tiene miedo a bordear el precipicio. Aunque Machete se disfruta y nunca aburre tampoco deja una sonrisa permanente en la boca. La sensación de que hay escenas de relleno donde Rodriguez apenas arriesga visualmente es permanente. Porque lo que no se le puede perdonar a Machete es que, al final, sea un thriller convencional. Y eso es lo que parece en algunos momentos.

Una baza es positiva en la película es su reparto que deja un buen sabor de boca Ya he hablado de la gran presencia que es Danny Trejo, alma y físico de Machete. También funcionan Don Johnson, Cheech Marin, Jeff Fahey, Michelle Rodriguez (su imagen en el final del film es para recordar durante años) e incluso Steven Seagal funcionan. Seguramente porque son los personajes que bordean más la caricatura y entienden lo que Machete tenia que ser. Más discutibles son Robert De Niro y, en especial, Jessica Alba. Esta última porque la sosez de su personaje y la poca inspiración de ella hacen que la película caiga en los caminos de la convencionalidad. Capitulo aparte merece una Lyndsay Lohan completamente desaprovechada en su papel de hija de Jeff Fahey. Su personaje de “hija descarriada” merecía más tiempo para darle a Machete el toque sucio que está pidiendo a gritos. Y más con la Lohan interpretándolo.

Machete no decepciona pero tampoco sorprende. Tiene sus dosis de gore, violencia, acción bruta, desnudos (aunque se nota la hipócrita mentalidad USA sobre el sexo), toque social con merecida reivindicación hispana, homenaje a El Santo... Y aunque se disfrutan sus virtudes deja la sensación de que Rodríguez podía haber ido un poco más lejos. Porque Machete no deja de ser una divertida película de serie B algo aburguesada.

Lo mejor: la imponente presencia de Danny Trejo

Lo peor: es más convencional de lo que pretende


Si van a ir en plan purista con aquello de «si es más allá del blanco y negro es una piltrafa y sólo Bergman es bueno», mejor dejen de leer. Porque esto va a de otra cosa: va de pasada estrafalaria, de un nuevo género creado por estos dos compinches del jolgorio como son Robert Rodríguez y Tarantino: la acción comedia. Todo desemboca en una pasada pasada, sin medias tintas

. El tràiler era millor (Nando Salvà, El Periódico)

Massa sovint, Rodríguez abandona les seves aspiracions exploitation  per repetir un vague discurs sobre el tracte racista que els polítics i els guardes fronterers nord-americans infligeixen als mexicans


Una propuesta descerebrada y con, sobre todo, humor que nunca debe tomarse en serio y mucho menos por su guión, voluntariamente pésimo, o un Danny Trejo inexpresivo, como mandan los cánones de sus referentes. En este sentido, sus primeras escenas son una inmejorable muestra, a ritmo trepidante, de las “pretensiones” de ‘Machete”, llenas de giros inesperados y detalles