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      2016 

      Película 

      Carol / The Duke of Burgundy

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      Adam Driver (Paterson)
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      Los odiosos ocho

      2015 

      Película 

      It Follows

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      Ramón Barea (Negociador)
      Essie Davis (Babadook)

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      Del revés (Inside Out)

      2014 

      Película 

      Sólo los amantes sobreviven

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      Leonardo DiCaprio (El lobo de Wall Street)
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      El gran hotel Budapest

      2013 

      Película 

      La cabaña en el bosque

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      Philip Seymour Hoffman (The Master)
      Adèle Exarchopoulos (La vida de Adèle)

      Encuesta anual

      Django desencadenado

      2012 

      Película 

      Moonrise Kingdom

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      George Clooney (Los descendientes)
      Rooney Mara (Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres)

      Encuesta anual

      Moonrise Kingdom

      2011

      Película 

      Drive

      Interpretaciones

      Ryan Gosling (Drive)
      Natalie Portman (Cisne negro)

      Encuesta anual

      Midnight in Paris

      2010

      Película 

      La red social

      Interpretaciones

      Joaquin Phoenix (Two lovers)
      Emma Stone (Rumores y mentiras)

      Encuesta anual

      Origen

      2009

      Película 

      La clase

      Interpretaciones

      Frank Langella (El desafío. Frost contra Nixon)
      Charlotte Gainsbourg (Anticristo)

      Encuesta anual

      El curioso caso de Benjamin Button
      Déjame entrar
      Los mundos de Coraline
      El secreto de sus ojos

      2009

      Película 

      Tropic Thunder

      2008

      Película 

      Zodiac
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Infravalorados/as de cine: Peter Sarsgaard. Inquietante presencia



Peter Sarsgaard está ahí. Parece que no, pero en cada escena este actor tiene la habilidad de adueñarse de la escena y comerse a sus compañeros de reparto. Y hacerlo de forma sibilina, sin que nadie se de cuenta. Es una presencia inquietante en las películas donde aparece. Y quizá no debería ser así. No es alguien que pueda tener un físico o una cara que sobresalga. Pero si tiene una cosa. Una mirada que generalmente hace que pienses que oculta algo, que es un personaje con doble fondo. Y por eso nos fijamos en él.

Corría la carrera de Sarsgaard de manera bastante corriente. Sin sobresaltos, con poca gente dándole la importancia que se merecía. Y llegó la estupenda película El precio de la verdad y entonces Sarsgaard vio la oportunidad. La víctima era propicia, el jedi Hayden Christenen que protagonizaba (y muy bien, por cierto) el film. Con todas las miradas puestas en el bueno de Hayden, Sarsgaard vio la oprtunidad para tirarse al cuello del joven actor y comérselo vivo. Y así fue. La trama de El precio de la verdad es apasionante. Cuenta la historia de Stephen Glass (que interpreta Hayden Christensen) un redactor de la prestigiosa revista The New Republic que fue acusado de inventarse los reportajes que hacía. Pero el verdadero de interés no lo tiene este personaje sino de el del redactor jefe, que interpreta Peter Sarsgaard. Es el encargado de descubrir la manipulación de Glass por muchos encontronazos que encuentre en el camino. No hay que decir que los minutos que sale Sarsgaard valen para comerse la película. Es el verdadero motor y punto de interés de El precio de la verdad.


Nuestro actor infravalorado se llevo varios premios o nominaciones a la categoría de mejor actor de reparto (Boston Society Film Critics Awards, Indepent Spirit Awards, San Francisco Films Critics Circle, Globo de Oro...). La nominación al Oscar de ese año parecía un hecho. Pero, incomprensiblemente, no fue así y Sarsgaard no estuvo entre los cinco finalistas. Pero el daño ya estaba medio hecho. La presencia inquietante estaba allí y ya tenía nombre. Por ejemplo, en una película tan irregular como Plan de vuelo: Desaparecida volvía a dejar su sello. Jodie Foster nos importaba un pimiento, queriamos saber más de ese villano que hacía Sarsgaard y que daba miedo con sólo mirar.

Ahora el cine norteamericano debe plantearse una cosa. ¿Quiere permitir que Peter Sarsgaard sea un actor eternamente infravalorado y que se dedique a comerse a sus compañeros de reparto? Lo más justo sería colocarle en el sitio que se merece. El de un actor que puede transmitir miles de cosas sólo con la mirada.
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Cortometrajes de cine: La cafetera. Afcorn antes de conocer a Epi y Blas



Una de las cosas que recuerdo de mi primo Alejandro , para el resto del mundo Afcorn, es cuando él y mi hermano doblaban culebrones sudamericanos en casa. El plan era el siguiente, coger el culebrón de moda (en ese caso Los ricos también lloran), bajar el volumen de la televisión y poner las voces en plan “divertido”. El ejemplo más claro es el Mundo Viejuno o Retrospecter que hace el grupo de Muchachada Nui (o anteriormente La hora chanante). Vamos, que Alejandro se adelantó a su tiempo. Recordando esas imágenes pienso que quien hace eso puede ser un chorra que sólo quiere divertirse o alguien que tiene mucho talento dentro de él. Resultó ser lo segundo.

Pasó el tiempo y llegaron tres palabras claves Epi, Blas y Primavera Sound. Afcorn dobló un video (divertidísimo) en donde Epi y Blas hablaban sobre el festival de música Primavera Sound. Se colgó en YouTube y la magia de Internet hizo el resto. El video tuvo (y tiene) muchísimas visitas, llama la atención del festival (uno de los más importantes del mundo)...y el nombre de Alejandro Fernández Cornejo comienza a hacerse popular. Cejacas y cabeza mandarina se convierten en palabras que van pasando de internauta en internauta. El soberbio video es el que tenéis aquí abajo:



A partir de ahí comienza la verdadera historia. Otros festivales comienzan a llamarle para que le hagan la promoción como el Sonorama, trabaja para Canal Plus, artículo en El País, puesto de ejemplo en algunas clases sobre publicidad ... Y otro punto álgido, el spot (que todo el mundo habrá visto) de Fiat. Si, si, el de los pavos (¡no a la promoción! ¡no a la promoción!) Y para llegar al final hay que volver al principio. Al título del post, La cafetera. Hace poco hice limpieza de antiguos VHS. Tiré clásicos como L.A. Confidential o Carretera al infierno. Pero me quede con un video. El cortometraje La Cafetera. Este corto lo rodó Alejandro en su época de estudiante. Allí ya se ve el estilo Afcorn. Surrealismo manchego a cascoporro. Quizá en ese corto esté el principio de todo. Y quizá el VHS valga mucho dentro de un tiempo (escaso).

. Cortometraje La Cafetera (Dirigido por Alejandro Fernández Cornejo y Luis Alfaro)

Parte 1



Parte 2

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Honestidad brutal

- Camino - (Javier Fesser, 2008)





Dos películas tan radicalmente distintas como Camino y Tropic Thunder tienen un rasgo común. Su absoluta y clara honestidad. Javier Fesser , como Ben Stiller , hacen su película de una manera clara y rotunda. Narrar una historia ,tan dolorosa como Camino, de una manera timorata y confusa no hubiera sido una película, hubiera sido una broma de mal gusto. Quien no quiera mirar que no mire pero se perderá una película excepcional.

Camino ha puesto nervioso a ciertos estamentos de la derecha y de la sociedad religiosa . Pero que no teman, la película de Javier Fesser no pone en duda a la Iglesia o a la religión. El film habla con claridad (pero sin morbo gratuito) de la parte fanática e incomprensible del Opus Dei . Pero Fesser nunca se deja llevar por el camino fácil y opta por una mirada rigurosa. El Opus Dei es como es y Fesser sólo hace su trabajo. Mostrar como es. ¿Parecen una secta? Seamos honrados, ¿quién no cree que el Opus Dei no es en realidad una secta?

Camino es más que una película sobre la religión o el fanatismo. Es una película de personajes y personas. En resumen, es una película de actores. Mejor dicho, de actorazos. Porque Camino ofrece una de las mejores interpretaciones colectivas de los últimos años. Desde los personajes principales, como Nerea Camacho (que ya está haciendo un hueco en su habitación para el Goya a la mejor actriz revelación), Manuela Vellés (bordando el personaje más desagradable de la película), Mariano Venancio (que actor se está perdiendo el cine español), hasta los secundarios como Claudia Otero (que borda el único personaje cómico del film). Camino debería copar todas las nominaciones a los actores en los próximos Goya. Y luego, como no, está Carmen Elías.

Carmen Elías hace uno de los mejores personajes femeninos de la historia del cine español. Fesser y Elías podían haber compuesto un personaje caricaturesco y grotesco. Una especie de señorita Rottenmeyer imbuida por Dios. Pero Elías recrea, de manera sublime, a una madre sacrificada, buena y amorosa sólo que arrastrada por la locura del fanatismo. El personaje de Gloria se hace tan real, sin maniqueísmos ni tonterías, que hace que comprendas sus actitudes (aunque estés completamente en contra). Si Elías no gana el Goya a la mejor actriz protagonista es que el mundo del cine no va muy bien.

Mucha gente dará miles de razones para cargarse esta película. Es verdad, no es perfecta. Tiene alguna escena sobrante ( Manuela Vellés tocando la guitarra, alguna muerte innecesaria...). Sólo daré una para recomendar verla, disfrutarla y sufrirla. Camino es una de las películas más imprescindibles de los últimos años en el cine español.

PD. El jurado del último Festival de San Sebastián, tendrá que explicar algún día cómo pudo dejar fuera del palmarés una película tan excepcional como Camino.

. Diez razones para ver "Camino" (David Cacho, Grupo salvaje.es)

. Cómo afrontar la enfermedad de tu hija (Beatriz Maldivia, Blog de cine.com)

. Los monstruos imponen el "Camino" (Carlos Boyero, El País.es)

. Crítica Camino (Quim Casas, RedAragon.com)
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Historia de cine: J.F.K.: caso abierto. Una experiencia imprescindible



Oliver Stone me lo ha vuelto a hacer. La otra noche encontré, recién empezada, la película JFK: caso abierto . Me prometí a mí mismo sólo ver cinco minutos. Por supuesto, flaqueé. Me tragué sus más de tres horas y, como siempre, sentí que la película no durara sesenta minutos más. Es lo que tiene este film de Stone, te agarra del estómago y mediante una especie de hipnosis te obliga a verla sin pestañear. Perderse un segundo es irte de este tsunami de puro cine que es JFK: caso abierto.

La historia es conocida. El presidente de Estados Unidos John Fitzgerald Kennedy fue asesinado por un francotirador, el 22 de noviembre de 1963, durante un viaje a Dallas. Una hora después del magnicidio era detenido Lee Harvey Oswald , que fue acusado de realizar los disparos cosa que él siempre negó. Dos días más tarde, mientras Oswald era trasladado, una persona (Jack Ruby ) logra matarlo. Una comisión del gobierno de los Estados Unidos (la famosa Comisión Warren ) investiga el caso y declara que Lee Harvey Oswald actuó solo y fue el culpable del asesinato de Kennedy. Algo tan sencillo que es simplemente falso. La realidad es que este asesinato es uno de los episodios más oscuros de la historia de Estados Unidos.

Generalmente, cuando se nombra la palabra “conspiración”, pensamos en una panda de lunáticos que se reúnen por la noche para hablar de teorías absurdas. El hecho es que mucha gente (muy respetables) piensa que el asesinato de Kennedy fue fruto de una conspiración en donde estaba incluido el propio gobierno de los Estados Unidos. Una de estas personas fue el fiscal de Nueva Orleans, Jim Garrison . Este hombre, alertado por todos los agujeros y dudas que dejaba la Comisión Warren, inició una investigación por su cuenta del atentado. Destapó y sacó a la luz enormes preguntas que dejaban claro que la versión oficial cojeaba por todos lados. Es más, Garrison se la jugó y habló claramente de un golpe de estado, donde participó la CIA, los aparatos militares y el propio gobierno estadounidense. ¿Razones? Para dar y tomar. Una sangrante. Kennedy había decidido retirar las tropas de Vietnam. Pero la guerra es uno de los grandes negocios económicos para el ente militar de los Estados Unidos. Kennedy podía hacerles perder mucho dinero sólo por conseguir...la paz.

JFK: caso abierto narra todo lo que fue la investigación, y posterior juicio, de Jim Garrison. La película es puro Oliver Stone. Montaje frenético, multitud de imágenes, de puntos de vista, mil informaciones nuevas a cada segundo, un discurso genial (y larguísimo) al final del film...una dosis pura de cine. Del de grandes quilates. Los detractores de JFK: caso abierto (y en general, de Oliver Stone) acusan a esta película de ser vacía. Nada más alejada de la realidad. Teorías conspiratorias aparte, esta es una película para la gente. Dice Jim Garrison (Kevin Costner , en quizá el mejor papel de su carrera): “Recordemos a los gobiernos que están por y para el pueblo”. Es una historia de denuncia, sobre como la gente hemos cedido tanta parcela de poder a nuestros gobernantes que éstos actúan con total impunidad. Estemos en un país occidental o del tercer mundo. Y es una película que tiene la virtud de darnos un toque de atención. Dice Donald Sutherland en una escena, sobre el atentado de Dallas: “El quién y el cómo no importan. Eso son juegos para el público. Pregúntese el porqué”. Si realmente nos lo preguntáramos, nos aterrarían las posibles respuestas.

JFK: caso abierto no será El apartamento, Sed de mal o El séptimo sello . Estará mal visto ponerla entre las películas importantes de tu vida. No me importa. La película de Oliver Stone me provoca todo un aluvión de sentimientos. Para mí, JFK: caso abierto no es una película. Es una experiencia vital.

. El asesinato de Kennedy (en español) (Antonio Moreno)
. Entrevista con Jim Garrison (en español) (Triunfo)

. Una escena clave (dividida en dos) de JFK: caso abierto. Diálogo entre Jim Garrison (Kevin Costner) y Mr. X (Donald Sutherland) (en español)



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¡Malditos yankees idiotas!

- Quemar después de leer - (Joel y Ethan Coen, 2008)





Estados Unidos es un país extraño. Es el sitio que ha dado a gente como Orson Welles, J.D. Salinger o Howard Hawks. El lugar donde se puede concentrar la mejor cultura del mundo o con algunas de las ciudades más bellas del planeta (New York, por ejemplo). Es el mismo sitio donde un idealista como Barack Obama puede llegar a ser su presidente. Pero también es el país que ha reelegido a George W. Bush como su máximo mandatario, donde alguien como Sarah Palin puede llegar a tener altas cotas de poder o que mantiene la pena de muerte. O sea un espacio con grandes posibilidades que muchas veces se comporta de manera idiota. Puede ser que los Coen hayan querido reflejar esta idiotez en su Quemar después de leer. Unos personajes que teniendo muchas cosas a favor se complican la vida, simplemente por ser cortos de mira.

Y el mensaje llega. Pero esta estupidez de los personajes de los Coen no llega a ser redonda. Porque es una película de sólo noventa minutos que tarda en arrancar y cuando lo hace no llega a explotar del todo sus grandes posibilidades. Vamos, que los Coen se contagian de la estupidez de sus personajes.

Eso si, el film no aburre en ningún momento. Tiene ritmo y siempre están pasando cosas en la pantalla. Pero quizás se nota demasiado que esta es la película post-No es país para viejos . Se nota demasiado relax y apenas está la imagineria visual de los Coen. Eso si hay que destacar el buen trabajo de los actores. John Malkovich y George Clooney componen dos personajes brutalmente patéticos, que llegan a dar pena (los personajes, no los actores) en muchos momentos de la película. Brad Pitt tiene el reto de interpretar al más idiota de todos los idiotas. Y sale más que aprobado con un gran trabajo. Mención aparte merece Francesc McDormand . Sin ninguna duda ella es el alma de la película y la razón por la que ir a ver Quemar después de leer. Absurda, idiota, incoherente y maravillosa. McDormand tiene en esta película una nominación a la actriz de reparto aunque ya sabemos que la comedia no está bien vista por los académicos de Hollywood. Da la impresión que McDormand ha ido al rescate de la película de su marido, Joel Coen. Eso si es verdadero amor.

. Intento de efecto de bola de nieve (Beatriz Madivia, Blog de cine.com)
. La conjura de los necios (Sergi Sánchez, La Razón.es)
. La sequía también afecta a los grandes (Carlos Boyero, El País.es)
. "Quemar después de leer" o cómo lograr que Brad Pitt y George Clooney parezcan idiotas (Elena Mengual, El Mundo.es)
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Finales de cine: Antes del atardecer. El amor tiene la forma de Nina Simone

*Final de Antes del atardecer
Es casi imposible captar en una película todo lo que puede significar un sentimiento (desilusión, miedo, tristeza...). Olvidarse de las tramas propias de una película y centrarse en todo lo que puede conllevar. Pero Richard Linklater estuvo a punto de hacerlo en las sensacionales Antes del amanecer y Antes del atardecer .

En la primera película logro algo inaudito. Analizar como nace un sentimiento como el amor en una pareja de desconocidos. Sin sentimentalismos ni efectismos ni tonterías varias. De una manera sincera y transparente sólo con una pareja que puede disfrutar del amor con un tiempo límite.

Su prodigiosa continuación, Antes del atardecer, volvió a analizar el amor con una mezcla de espontaneidad y meticulosidad. Porque esta película tenía un trasfondo amargo (el fracaso del matrimonio, el paso del tiempo...) que le confería a la película un aroma especial. Para mí incluso está algo (no mucho) por encima de Antes del amanecer. Pero con el trabajo hecho, con un análisis casi perfecto sobre el amor y las relaciones Linklater se encontró con un problema. Cómo finalizar la relación entre los personajes de Julie Delpy y Ethan Hawke. Cómo acabar con unas películas que habían sido claves en la educación de una generación. Y en un minuto, Linklater logro uno de los puntos álgidos de su carrera. En dos películas donde el tiempo parecía un verdugo (en una es un tren que hay que coger, en otra un avión) Linklater decidió congelarlo. Él no podía tomar ninguna decisión sobre el futuro Jesse (Ethan Hawke) y Celine (Julie Delpy). La pareja había tomado vida propia, por lo cual nadie se puede imaginar (o si) que pasa con ellos. Podemos imaginarlo pero no decirlo.

Pero lo más brillante es la forma. Una impresionante Julie Delpy (no nos engañemos, Delpy se come a Hawke en las dos películas) apoderándose del alma de Nina Simone y bailando como ella. Y con un diálogo para la historia:

Celine: - Nene, creo que vas a perder el avión

Jesse: - Lo sé
Y fundido a negro mientras se ve la imagen de Delpy bailando. Sin lugar a dudas uno de los finales más ambiguos y redondos de este siglo XXI. Aunque si nosotros fueramos Hawke y viéramos a Julie Delpy bailando al son de la música de Simone, seguramente perderíamos el avión. Porque, ¿quién no se ha enamorado de Julie Delpy viendo Antes del amanecer / Antes del atardecer?
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Penélope Barcelona

- Vicky Cristina Barcelona - (Woody Allen, 2008)




No es precisamente la obra maestra de Woody Allen. Es la frase que he oído unas quinientas veces desde que se estrenó Vicky Cristina Barcelona . Demasiadas cosas han rodeado esta película y que han hecho que las expectativas se disparen (¿de manera excesiva?). Rodaje de uno de los maestros, Woody Allen . En España. Dos stars españolas potentes ( Bardem y Cruz). Una star internacional ( Johansson). Con polémica sobre la financiación. Con beso entre Scarlett y Penélope. Para muchos, con esas premisas, Vicky Cristina Barcelona debía ser una película espectacular, un Allen que quedara para el recuerdo. La pena es que el director tenía otros planes.

Vicky Cristina Barcelona es ligera, intrascendente, superficial y pija (imposible empatizar con tanto ricachon que pulua por ahi). Es una película que en realidad no pretende nada. Esa falta de intenciones en parte es positiva ya que la aleja de cualquier pedantería excesiva. Pero también es verdad que esa intrascendencia se transforma en sosería en más de una ocasión. La primera parte de la película transita sin hacer daño a nadie. La menos star de todas, Rebecca Hall (¡dios mío, que belleza!) se come a una despistada Johansson y a un correcto Bardem que hace lo que puede con su papel de bohemio ligón de turistas norteamericanas. Se nota que una comedia con aire mediterráneo necesita más. Ese plus lo aporta Penélope Cruz . La actriz madrileña demuestra a todo el mundo la gran actriz que es cuando tiene un papel que merece la pena y alguien que la dirija. Llega como un huracán y lo mueve todo de lugar. Sus discusiones con Bardem son lo mejor de la película. Lo que le da la vida.

Incompresiblemente Allen (en un gran error) no le da más cancha a Maria Elena / Penélope Cruz. No explora lo suficiente ese trío que forman Johansson, Bardem y Cruz. Como si esa furia de Maria Elena no le hubiera tocado lo suficiente. Y es una pena porque es lo mejor de la película.

Allen comete mil errores en este film. Una de las voces en off más inútiles de la historia del cine. El invisible papel de Patricia Clarkson. El papel de Johansson que no tiene ninguna garra. Lo desmotivada que parece la misma Scarlett... Y nos quedamos con la sensación de que en Vicky Cristina Barcelona había una gran película y no sólo un film “que no está mal”. Que pena que la cámara de Allen haya mirado más a Penélope, que intenta salvar la película (junto con Rebecca Hall) . Hubiera sido una comedia sexual, sensual, latina...y no sólo una comedia “a medias”

. Duelo al sol: Vicky, Cristina ¿Barcelona? (David Cacho y Ruth Méndez, Grupo salvaje)

. Ligera, lúdica, divertida...y un publirreportaje también (Mary Carmen Rodríguez, Las horas perdidas)
. Estallidos de talento (Javier Ocaña, El País)
. Barcelona 4, Allen 2 (Antoni Peris i Grao, Miradas de cine)