Programa Vivir Rodando 97: Verónica Programa Vivir Rodando 96: 40 aniversario del Festival Internacional de Cine Independiente de Elche Programa Vivir Rodando 95: Selfie Programa Vivir Rodando 94: John Keel / Mothman, la última profecía Programa Vivir Rodando 93: Sueños eléctricos. Cine y cultura rock
  • INICIO
  • VIVIR RODANDO ES...
  • ► PODCAST VIVIR RODANDO (2008-2017)
  • LO MEJOR (2007-2016)
  • HISTÓRICO
      2016 

      Película 

      Carol / The Duke of Burgundy

      Interpretaciones

      Adam Driver (Paterson)
      Lorena Iglesias (Esa sensación)

      Encuesta anual

      Los odiosos ocho

      2015 

      Película 

      It Follows

      Interpretaciones

      Ramón Barea (Negociador)
      Essie Davis (Babadook)

      Encuesta anual

      Del revés (Inside Out)

      2014 

      Película 

      Sólo los amantes sobreviven

      Interpretaciones

      Leonardo DiCaprio (El lobo de Wall Street)
      Emmanuelle Seigner(La Venus de las pieles)

      Encuesta anual

      El gran hotel Budapest

      2013 

      Película 

      La cabaña en el bosque

      Interpretaciones

      Philip Seymour Hoffman (The Master)
      Adèle Exarchopoulos (La vida de Adèle)

      Encuesta anual

      Django desencadenado

      2012 

      Película 

      Moonrise Kingdom

      Interpretaciones

      George Clooney (Los descendientes)
      Rooney Mara (Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres)

      Encuesta anual

      Moonrise Kingdom

      2011

      Película 

      Drive

      Interpretaciones

      Ryan Gosling (Drive)
      Natalie Portman (Cisne negro)

      Encuesta anual

      Midnight in Paris

      2010

      Película 

      La red social

      Interpretaciones

      Joaquin Phoenix (Two lovers)
      Emma Stone (Rumores y mentiras)

      Encuesta anual

      Origen

      2009

      Película 

      La clase

      Interpretaciones

      Frank Langella (El desafío. Frost contra Nixon)
      Charlotte Gainsbourg (Anticristo)

      Encuesta anual

      El curioso caso de Benjamin Button
      Déjame entrar
      Los mundos de Coraline
      El secreto de sus ojos

      2009

      Película 

      Tropic Thunder

      2008

      Película 

      Zodiac
  • TWITTER | FACEBOOK | RSS | ITUNES
  • CONTACTO
  • LISTAS
  • ► PROGRAMA VIVIR RODANDO 97: VERÓNICA
  • RESUMEN 2016
  • EVENTO: SHE MAKES NOISE (19-22 OCTUBRE / LA CASA ENCENDIDA)
3

Las mejores películas del 2008

1. TROPIC THUNDER (Ben Stiller)







2. WALL-E : BATALLÓN DE LIMPIEZA (Andrew Stanton)






3. CAMINO (Javier Fesser)





4. POZOS DE AMBICIÓN (Paul Thomas Anderson)






5. LOS CRONOCRÍMENES (Nacho Vigalondo)





¿Tropic Thunder por encima de obras como Wall-E: Batallón de limpieza o Pozos de ambición? Antes que me pongáis de loco o ignorante me explicaré. El cine al final es cuestión de visceras y sensaciones. Y donde más he disfrutado este año fue en una sala de cine viendo Tropic Thunder. No la ví tan irregular como otras personas. Disfruté como un enano de ese carrusel de humor en estado puro. Y al final todo va de eso, de disfrutar. Y también fue emocionante las visiones de dos obras para ver en pantalla grande como son Wall-E: Batallón de limpieza y Camino.

Fuí a ver al cine Pozos de ambición tarde. Cuando el fervor de las primeras semanas había pasado y muchos ponían en duda los excesos de Anderson en la película. Por lo cual fuí a ver que pasaba. Y pasó algo grande. Exceso mucho pero del bueno. Anderson logra que la densidad del petróleo acabé pasando por encima de ti. Igual pasó con Los cronocrímenes. Vigalondo tenía muchas cosas en contra. Una historia para no tomarse muy en serio, escaso presupuesto.... Y todo se subsana con inteligencia y pasión. En Los cronocrímenes se ve una historia sin complejos que te atrapa al instante olvidando todos los posibles defectos que pueda tener.
Y también han sido grandes Hacía rutas salvajes, No es país para viejos, Gomorra,Il Divo, Hellboy 2: El ejército dorado, Juno, Rebobine, por favor, El caballero oscuro... Pero ya sabemos, si se hiciera una lista mañana sería diferente. También hay que recordar las películas no-vistas. Films que gente con criterio está alabando y por razones de todo tipo uno no ha podido ver. Como Antes que el diablo sepa que has muerto, Expiación, 4 meses, 3 semanas, 2 días....

Y en unas horas 2009. La cuentra atrás acaba de comenzar.

En años anteriores...

2007 - ZODIAC (David Fincher)
4

Lo que Luhrmann intentó

- Australia - (Baz Luhrmann, 2008)













Hay una cosa que sorprende al final de Australia, en los titulos de crédito. Acreditados como guionistas están Baz Luhrmann, Stuart Beattie, Ronald Harwood y Richard Flanagan. ¡Cuatro personas! Y sorprende porque Australia es una de las películas más previsibles y llenas de tópicos de los últimos años. Mezclote de películas épico-románticas, de Lo que el viento se llevó (a veces rozando el plagio), de sensiblería facilona (algunas escenas llegan a dar vergüenza ajena)... En resumen o alguno de los guionistas se ha escaqueado de su trabajo o hay gente con mucho morro.

Una vez que sabemos con que estamos jugando hay que decir que Baz Luhrmann se cree su gran mentira. Se cree Australia (que, por otra parte, podía haberse llamado Francia, Pakistán o Benidorm). Y eso es lo encomiable de la película. Aunque muchos comiencen a no soportar al director australiano en mi opinión Luhrmann rueda bien. Muy bien. Y hace que todo este pastiche sea tragable. Él cree que Australia es una gran película y así la rueda. Sin complejos. Y esa pasión (o exceso para otros )hace que puedas ver la película con interés.

Baz Luhrmann debe tratar con un ridícula interpretación de Nicole Kidman. Eso si para echarle una mano están unos voluntariosos Hugh Jackman y, el niño aborigen, Brandon Walters que hacen lo que pueden con sus papeles. Y la película es lo que es. Ridícula si pero también bien realizada. Y dado que el proyecto de Australia ha llevado tanto tiempo y ha tenido varios tiras y afloja pienso que podían haberse trabajado algunos aspectos de la película. Un guión que fuera original o mínimamente interesante, por ejemplo.

. La ¿debacle? de Baz Luhrmann (Holden Caulfield, La última película.com)

. El pastel de las navidades (Roque García, Las horas perdidas.com)

. "Australia", de Baz Luhrman, película de compañia (Ruth Méndez, Grupo salvaje.com)
0

Finales de cine: Lost in Translation. Bill Murray despide a Scarlett Johansson...y al 2008



Las personas que lograron ver clásicos indiscutibles como El apartamento, Centauros del desierto o Con la muerte en los talones en el momento de su estreno y en pantalla grande son personas afortunadas. Pero yo también me considero una persona con suerte por haber visto en el cine lo que, para mí, son clásicos contemporáneos que pasaran a la historia como Zodiac, Brokeback mountain u ¡Olvidate de mí! . Son films que sabes que son especiales, únicos y que sabes que es un privilegio poder verlos en el momento de su estreno. Esa sensación tuve con esa maravillosa historia de amistad, complicidad y, quizá, amor que rodó Sofia Coppola, llamada Lost in Translation. Y es especial por muchos motivos, uno de ellos su final. Sencillo, emotivo y perfecto como pocos.

Debo reconocer una cosa. Aunque salí entusiasmado de ver Lost in Translation la primera vez que la ví no me convenció su final. Pensé que una película tan extraordinaria no debía tener un final tan soso. Cometí un error mayúsculo y me dí cuenta al verla al año siguiente. Una escena tan sencilla como esa es tremendamente compleja, por lo que cuenta y lo que no, por lo que se ve y lo que no. Tenemos el rostro emocionado de Scarlett Johansson (nunca estuvo ni estará tan hermosa como aquí), el porte digno de Bill Murray, el susurro que le dice él a ella, la multitud que pasea sin mirarse a la cara, la inmensidad de Tokio y la canción... ay, la canción. Este final, e incluso todo Lost in Translation, no sería lo mismo sin el ritmo ni la música de The Jesús and Mary Chain y su Just like honey. Podemos quedarnos con algún detalle del final o con todo. Eso da igual, porque Coppola nos deja elegir. Como no sabemos que es exactamente la relación entre Murray y Johansson tampoco debemos saberlo todo. Sofia Coppola sólo nos muestra sentimientos y sensaciones, el resto es para nosotros. Por eso Lost in Translation es más que una película. Es un conjunto de sensaciones embutidas en un film arrebatador y sensacional con un final a la altura de esas emociones.

Y como Bill Murray despide a Scarlett Johansson yo despido este año 2008. En realidad todo esto es anecdótico. El 31 de diciembre a las 23:59 es el mismo día que el 1 de enero a las 0:00. Pero si le ponemos de fondo Just like honey y pensamos en el rostro de Scarlett Johansson seguro que es algo especial. Por eso le podemos susurrar a 2008, gracias y hasta la próxima.
5

2008, momentos de cine para el recuerdo



. La escalofriante interpretación de Javier Bardem en No es país para viejos. Mucho mal rollo...del bueno.

. Las estimulantes y sorprendentes victorias de La Soledad, en los Premios Goya y No es país para viejos, en los Oscars.

. Ese fantástico homenaje al humor (negro, blanco, fácil, inteligente...) que es Tropic Thunder
. Il Divo y Gomorra. Dos caras de la misma fascinante moneda. Un realista y trepidante fresco sobre esa Italia que amamos / odiamos.

. La emocionante poesía animada de Wall.E: Batallón de limpieza, especialmente su legendaria primera hora.

. La exhibición actoral de todos los intérpretes de Camino (Venancio, Camacho, Vellés...) , destacando a una perfecta Carmen Elías. Pese a quien pese los actores españoles son los mejores de Europa.

. La vis cómica de la imprescindible Frances McDormand en Quemar después de leer. El resto del reparto (Clooney, Pitt, Malkovich...) no se quedo atrás.

. La furia de Penélope Cruz y la maravillosa revelación de Rebecca Hall en la irregular Vicky Cristina Barcelona.

. El buen trabajo de los hermanos Nolan, para armar un mainstream como El caballero oscuro de un guión de hierro.

. Infalible Guillermo Del Toro. Entretenimiento asegurado con Hellboy 2: El ejército dorado.

.Momentos antifolk. La recuperación de los imprescindibles de The Moldy Peaches gracias al éxito de Juno
(ejemplificado en la soberbia escena final de la película). De Juno destacar unos intérpretes en estado de gracia (Page, Bateman, Garner, Janney...)

. El amor al cine de Michel Gondry en Rebobine, por favor

. La negra intensidad de Paul Thomas Anderson en su Pozos de ambición

. Los nulos prejuicios y complejos de Nacho Vigalondo en su estupendo debut con Los cronocrímenes.

. Y para finalizar algo para el ego. Lo mucho que he disfrutado con el nacimiento de Vivir Rodando (el programa de radio y el blog, ambos inseparables) Agradecer a todas las personas que me han ayudado a sacar adelante este proyecto.

Un lujo haber podido vivir estos momentos en 2008. Y en 2009 vendrán Fincher, Tarantino, Almodóvar, Van Sant... Esperemos que este año sólo haya sido un borrador del que viene.
0

Decadente y fascinante Italia

- Il Divo - (Paolo Sorrentino, 2008)
















Os propongo un juego. Intentad ver de forma seguida Gomorra e Il Divo. Aparte de que disfrutareis de dos de las mejores películas del año podréis responderme a una pregunta. ¿No creéis que son la misma película? Y no es para nada un comentario negativo. Il Divo, como hacía Gomorra, nos muestra la Italia decadente, violenta y fascinante. Esa Italia real.

Il Divo narra los últimos años de Giulio Andreotti uno de los políticos más fascinantes de la historia reciente de Europa. Simplemente por el hecho que estuvo en el Parlamento Italiano, en distintos cargos, desde 1946 hasta 1991. Su conexión con Gomorra es evidente ya que Sorrentino se centrará en la relación de Andreotti con la mafia, hecho por el que fue juzgado y absuelto.

Para narrar una historia que entronca claramente con la Italia más decadente, Paolo Sorrentino decide dar una vuelta de tuerca. Hace un biopic extraño, con saltos en el tiempo, sin un argumento lineal... Una muestra de “decadencia moderna”. Sorrentino exige un gran esfuerzo al espectador para seguir la historia...y el espectador agradece esa exigencia. Aunque podamos perdernos por la trama la película logra enganchar gracias a como el director muestra ese fresco caótico y absurdo que es la imprescindible Italia. Todo acompañado con algunas de las mejores frases escuchadas en una sala de cine en este 2008 (“Los curas votan, Dios no”, “Sé que soy un hombre medio, pero cuando miro a mi alrededor no veo ningún gigante”, “Jesucristo dijo que había que poner la otra mejilla pero sólo lo hizo dos veces”...) y la magnifica interpretación de Toni Servillo.

Italia está de enhorabuena. Han podido crear casi seguidas Gomorra e Il Divo. Dos películas reales, políticas, cercanas, trepidantes... En España seguimos esperando este tipo de cine. Pero todavía hay mucho miedo al riesgo.

. Miserias del poder vitalicio (Carlos Boyero, El País.es)

. Maquiavelo, hoy (E. Colmena, Criticalia.com)

. Brillante retrato satírico de Andreotti (Jesús León, Blog de cine.com)
0

Los Premios Goya y sus cosas


















Esta mañana se han anunciado las nominaciones para los XXII Premios Goya. Unos premios se hacen fuertes por las películas que premian y reconocen. Pero también por ser coherentes, arriesgados e interesantes. Los Premios Goya, con excepciones, a veces adolecen de esto. Por eso estas nominaciones me han hecho reflexionar:

. Vale, aceptamos el asunto de las “co-producciones”. Pero ver El caballero oscuro como mejor película europea me suena a chiste barato. Algo parecido puede pasar con Ché, el argentino o Vicky Cristina Barcelona. Pero si aceptamos que la segunda es española, ¿por qué no se nomina el soberbio trabajo de Rebecca Hall?

. Los crímenes de Oxford ha sido nombrada como la peor película de la carrera de Alex de la Iglesia. ¿Se merecía tantas nominaciones? ¿Se mercía aspirar a la mejor película?

. Cuatro películas nominadas y sus cuatro directores también nominados. Originalidad cero.

. Jordi Dauder nominado por Camino. Pero, ¿Y Mariano Venancio o Manuela Vellés que tienen personajes con más enjundia? Especialmente sangrante es el caso de Venancio.

. Seguimos con Camino. Apenas nominaciones técnicas cuando es uno de sus puntos fuertes.

. Vigalondo nominado. Sólo a director novel, injusticia total. Otra vez falta de riesgo. En cambio El patio de mi cárcel aparece con varias nominaciones después de ser masacrada en el Festival de San Sebastián.

Estos son nuestros premios...para lo bueno y lo malo.
1

Programa Vivir Rodando 18 Diciembre 08



Finaliza 2008. El año de Tropic Thunder, Pozos de ambición, Gomorra, Los cronocrímenes, Apaloosa, Camino... Y el año que empezo Vivir Rodando. Por eso lo decimos con tristeza...y con cine. En el último programa del año repasamos el cine (bueno, regular y malo) que ha habido este 2008. Para ello el programa cuenta con la colaboración de nuestro fiel escudero Antonio Sempere.

Para escuchar o descargar el programa pinchad:

3

Joyas a reivindicar: Un final made in Hollywood. Ensayo sobre la ceguera hollywoodiense


Tras la prodigiosa Acordes y desacuerdos (¡vaya interpretación de Samantha Morton!) las películas de Woody Allen entraron (o están) en una época extraña. Seguían siendo muy interesantes pero se dedicaban a dar bandazos sin lograr ser completamente redondas. Ahí están la aburrida Granujas de medio pelo, la simpática La maldición del escorpión de Jade, la interesante (pero algo sobrevalorada) Match Point... Y por ahí pulula una película rara y extravagante que tiene más cosas de las que en un principio parece, Un final made in Hollywood.

Un final made in Hollywood tiene una genial premisa. Un director, conocido por sus extravagancias, se queda ciego temporalmente mientras rueda la película que debe relanzar su carrera. Para evitar que lo despidan decide ocultar este hecho rodando la película completamente ciego. Cuando la vi por primera vez pensé que Allen había desaprovechado esta estupenda historia. Viéndola de casualidad uno de estos días, me he dado cuenta que hay más en el film. Bajo su apariencia de comedia ligera (hay momentos realmente divertidos) Allen reflexiona sobre lo que es el cine. El de Hollywood, el de autor, el suyo...

El cine se ha convertido en una pose en si misma. En Un final made in Hollywood se contratan directores de fotografía asiáticos por razones “artísticas”, las jóvenes actrices intentan acostarse con los directores, los productores sólo buscan la taquilla... El que controla todos estos tópicos hollywoodienses en el film es una persona ciega. Y nadie se da cuenta. Simplemente porque el cine se ha convertido en una maquina industrial donde el artista o el creador no importa. Ya se dice en la película: “¿Qué más da que estés ciego? ¿No ves las películas qué se hacen actualmente?” Además Un final made in Hollywood tiene en su final uno de los más divertidos ataques que se han hecho contra la industria cinematográfica norteamericana. El director tras haber rodado una película desastrosa sólo encuentra consuelo en el gran recibimiento que tiene en Francia, donde se convierte en un film de culto. Por supuesto inmediatamente se va a vivir allí. ¿Es un ataque contra la industria cinematográfica norteamericana? ¿O se ríe de nuestra Europa que a veces tiene ganas de ser la más cool, moderna y pedante?

Un final made in Hollywood no es redonda. No es Zelig, ni Días de radio, ni ninguna de las redondas obras allenianas. Tiene errores clamorosos. Su reparto (¿Téa Leoni, Debra Messing y Tifanny Thiessen en la misma película?) o como la película se desinfla poco a poco. Pero esa irregularidad le da al film un aire interesante. Un final made in Hollywood habla del mismo Woody Allen en el cine USA actual. Un autor ciego que no sabe por donde pisar, ni que camino tomar. En la película Allen emigra al final a Francia. En la vida real lo hizo (de forma parcial) a Inglaterra y España. Un final made in Hollywood es Woody Allen.
Y si no os convencen los argumentos siempre podéis acudir a las perlas allenianas. Un final made in Hollywood tiene una de las mejores. "Hablar es el precio que hay que pagar para llegar al sexo". Grande Woody.
1

Finales de cine: Alta Fidelidad. Cuando Marvin Gaye se reencarnó en Jack Black



Mucha gente odia a Jack Black. Por muchas de sus interpretaciones, digamos, excesivas .Yo no estoy en ese grupo. Me gusta el vigor que Black demuestra en su interpretación en la estupenda Escuela de Rock o su capacidad para trabajar con directores como Tim Robbins o Michel Gondry. Pero mi defensa de Jack Black viene de lejos ya que hizo que se produjera un milagro en el film Alta Fidelidad (otra adaptación de Nick Hornby queridísima Auster) . Cuando resucitó durante unos minutos a una leyenda de la música, nada menos y nada más que a Marvin Gaye.

Muchos creerán que Black está insoportable en esta película. Yo lo veo como un punto carismático a ese sensacional protagonista que es John Cusack (¿alguien sabe porqué ni Black ni Cusack fueron nominados al Oscar?) . El personaje de Black está en su salsa: grita, se excede, insulta... Para, como en un buen truco de magia, sorprendernos a todos al final. Al final del film de Stephen Frears, John Cusack presenta la actuación de Jack Black con miedo creyendo que hará el ridículo en el escenario. Que surgirá el Black excesivo y ridículo. El mismo miedo y prejuicio que tienen muchos amantes del cine con el actor norteamericano. Y de repente llega lo sobrenatural. Como en un posesión diabólica...no, diabólica no, angelical diría yo... Black se transforma. Alguien ha poseído su cuerpo y su alma. Un alma negra, la de Marvin Gaye. Black entona la maravillosa Let’s get it on como sólo se puede hacer. Con ritmo, amor, respeto,voz y pasión...mucha pasión. Tanta que el desconfiado John Cusack se une a toda la gente que hay en la sala para bailar.

Una película como Alta Fidelidad que destila amor por la música por sus cuatro costados sólo podía tener un final donde apareciera Marvin Gaye. Eso si, reencarnado como Jack Black.
4

Series de cine: Es mi vida (My so-called life). Inteligente y fugaz crónica adolescente



La gente se queja de lo desastrosa que es la juventud de hoy en día. Apática, inculta y sin nada bueno que ofrecer. Ahora hagamos una cosa, demos un vistazo a las series o películas que quieren reflejar la juventud actual. Física o Química, HKM, Crepúsculo... Un panorama desolador. Reflejan unos personajes absurdos, vacios e idiotas. Los jóvenes no encuentran modelos que intenten retratar a una juventud que eviten todos los topicazos que rodean a los adolescentes. Una generación que necesita una Es mi vida.

Es mi vida (o My so-called life) fue una serie norteamericana cuyo argumento era para echarse a temblar. Vemos la vida de una chica adolescente con sus amigos, su familia, en el instituto... Y por la serie pululan todos los personas “típicos”: el chico guapo, el raro marginado, la chica alegre... Vamos que no auguraba nada bueno. Craso error. Es mi vida era un ejemplo de cómo debemos quitarnos los prejuicios de encima.

La serie tiene muchos lugares comunes pero la diferencia residía en el tratamiento de ellos. Era una ficción inteligente, bien escrita y mesurada. Los personajes no eran unidimensionales ya que ser adolescente no significa no tener problemas o que los que tengas es que “tu novio o novia ha cortado contigo”. Eran personajes realmente creíbles. Otra de sus virtudes era la sensibilidad con que contaba las relaciones entre los personajes. Sin caer en la estupidez o lo falso, Es mi vida podía narrar como su protagonista se enamoraba de un chico sin que se te cayera la cara de vergüenza. Simplemente poniendo un poco de sentido común.

Sexualidad (aparecía un joven personaje bisexual), conflicto padres e hijos, marginación social... Es mi vida habló de todo lo que te encuentras cuando empiezas a tener conciencia de en que mundo estás viviendo. Sin estridencias ni tonterías. Quizás por eso la serie fue cancelada a las primeras de cambio. A pesar de que cultivó una serie de fans incondicionales Es mi vida era quizá demasiado madura y bien hecha. Ni Claire Danes ni Jared Leto han sabido aprovechar del todo el tirón y el culto que ha tenido la serie. Sorprende el hecho de Leto, cuyo personaje Jordan Catalano (uno de los mejores nombres de la historia de la televisión) llegó a ser un pequeño ídolo para jóvenes adolescentes.

En un mundo perfecto Es mi vida volvería a ser emitida en vez de algunas de estas series que intentar reflejar una juventud tópica a más no poder. Quizás los mismos jóvenes no querrían emular a alguno de estos estereotipos. Y la sociedad y el buen gusto saldrían ganando.

0

Sonic Youth versión octogenaria

- Corazones rebeldes - (Stephen Walker, 2008)


A Corazones Rebeldes hay que quererla solamente por una de las escenas que sale al principio. El director de un coro de hombres y mujeres octogenarios intenta enseñarlos a cantar Schizophrenia de Sonic Youth. Ver como esas personas luchan por sacar adelante una de mis canciones favoritas del grupo hace que me rinda ante este estupendo documental de Stephen Walker.

El argumento es tan sencillo como la película. La historia narra la preparación de un concierto por parte de un coro formado por personas de avanzada edad. La novedad está en que su repertorio están canciones de James Brown, Bob Dylan o Talking Heads. Casi nada. No es Corazones Rebeldes ni Bowling for Columbine ni Capturing the Friedmans. No aspira a ser uno de esos documentales prestigiosos ni artísticos. La sencillez (a veces demasiada) es la nota predominante del film de Walker. El director deja que la historia hable por si sola para darnos una lección sobre la vida, la esperanza y el paso del tiempo.

A pesar del mensaje optimista del film también tiene un lado oscuro e interesante. Una interesante y realista visión sobre la muerte. Vemos como miembros que un día estan ensayando una canción de Coldplay con el coro al siguiente fallecen por algún problema de salud. Y también comprobamos como esa desaparición afecta a los miembros del grupo de distintan maneras. Cuestión interesante ya que muchos de ellos saben que tarde o temprano tendrán el mismo destino.

De todas maneras Walker no carga las tintas sobre esta cuestión. En el film pesa el optimismo y las ganas de vivir de estas personas. Y, por supuesto, la versión de Schizophrenia que realizan es asombrosa. Kim Gordon la hubiera firmado.

. El rock de la extremaunción (Jordi Costa, El País.es)

. Crítica Corazones rebeldes (Mirito Torreiro, Fotogramas.es)

0

Programa Vivir Rodando 4 Diciembre 08



Vivir Rodando de viaje. Si no vamos a los festivales, ellos vienen a nosotros. Para eso hemos tenido un corresponsal de lujo, el crítico de cine Antonio Sempere que nos contará en el programa de hoy su periplo por los festivales de San Sebastián, Valladolid y Sevilla. A disfrutar...y a viajar. Si quieres oir o descargarte el programa pincha en Programa Vivir Rodando 4 Diciembre 08

0

Y si no, nos enfadamos. Cine y mucho más



He tenido el placer de visitar hace unas horas la grabación de uno de los mejores programas de la Radio UMH, Y si no, nos enfadamos. Oír el programa es entrar en un mundo distinto. Un maravilloso cambalache de humor, moda, cultura (alternativa y no)...y cine. Mucho cine, del bueno, distinto y diferente. Ya sabéis, Y si no, nos enfadamos, todos los meses los jueves de 11:30 a 12:30. Mañana tendréis un programa más a vuestra disposición.

2

Futuro de cine: Pablo Rivero. Adiós a los Alcántara



Fui este verano a escuchar una charla del director Antonio Hens. El director andaluz se quejaba de que en "el cine español no había galanes". En un principio no entendí que quería decir ya que para mí es más importante tener un buen guión que un chico o chica atractiva en una película. Pero pensando un poco la idea tiene algo de sentido. Es verdad que el cine español (del que soy defensor) le faltan actores que sepan “llenar la pantalla”. Aunar carisma y buena interpretación.

Yo creo que si hay un actor que puede llenar ese vacío, Pablo Rivero. Si, Toni Alcántara de Cuéntame como paso. Sé que está de moda poner a caldo la serie aunque, nos gusté más o menos, seamos sinceros y digamos que es una serie realmente bien hecha. Yo he visto la serie desde el primer capítulo (con sus altibajos ya que la temporada pasada fue un ladrillo indigerible) y he visto en Rivero una evolución formidable que no muchos actores jóvenes tienen. Paso de ser un actor tímido y sin presencia a ir ganando en carácter, en saber comerse la pantalla e intentar robar protagonismo a Imanol Arias.

Un buen actor no sólo se le descubre en sus interpretaciones. Las elecciones en su carrera han sido fundamentales para moldearle. Alejándose de ser “el terror de las nenas” interpretó a un personaje muy oscuro (asesinaba a sus padres) en La noche del hermano. También transitó por el cine de autor más difícil con El ciclo Dreyer. Todo pasos que había de dar para ir alejándose de la imagen de Toni Alcántara. Porque Rivero lo sabe. Cuando diga adiós a los Alcántara su oportunidad estará ahí. Veamos si el mundo también sabe dársela.
0

Interpretaciones de cine: Cary Grant (Con la muerte en los talones) Elegancia contra viento y marea



Hoy se cumplen veintidós años de la muerte de Cary Grant. Hace ya más de dos décadas que la elegancia, el saber estar y la ironía desaparecieron del mundo del cine. Todas las películas (muchas de ellas grandiosas como Encadenados, La fiera de mi niña, Luna nueva...) que interpretó tenía “el toque Grant”. Pero, en mi opinión, el largometraje que unía todo lo que podía dar Cary Grant a una historia y que fue donde descubrí al actor es Con la muerte en los talones.

Tuve la suerte de ver el film siendo joven. Y digo suerte porque para mí es una película para gente joven. Es entretenimiento en estado puro, ríete ahora de las películas de Michael Bay (por poner un ejemplo) que te aseguran explosiones, ritmo, humor... Todo eso ya se lo había inventado Hitchcock en una de esas pocas películas “perfectas” que existen en la historia. Pero obviando los meritos del film, Con la muerte en los talones no sería lo mismo sin Cary Grant. Sería algo grande pero no TAN grande.

James Mason y Martin Landau se dedican a putear a Grant durante más de dos horas. Le confunden con otra persona, le emborrachan, le pegan, le persiguen... Pero a Grant eso le trae al fresco. ¡Es Cary Grant, por dios! Sale de todas las situaciones impoluto, sin una mancha, sin una arruga en su traje. Siempre con su ironia y su saber estar. Además le da tiempo a seducir a la rubia de la película (espectacular Eva Marie Saint). Faltaría más. Cary Grant nunca fue más Cary Grant que en Con la muerte en los talones. Para disfrute de todos nosotros.

A veces se dice que Cary Grant sólo se interpretaba a si mismo. A mí entender eso no es ningun problema si tu eres alguien tan apasionante como Cary Grant.
0

Finales de cine: La vida de Brian. Mira el lado positivo de la vida (aunque te crucifiquen por ello)



Echándole un vistazo a Las horas perdidas veo que Monty Python han creado un canal You Tube. Ante esa gran noticia cliqueo rapido para entrar en esta web imprescindible. Veo míticos momentos Python (Every sperm is sacred, Galaxy song...) pero todos se hacen pequeños ante, no sólo uno de los grandes momentos del grupo cómico británico, sino ante uno de los hitos de la historia del cine. El final de La vida de Brian.

No soy yo un defensor a ultranza de La vida de Brian respecto a otros Python de cine. Me río más con El sentido de la vida (la mejor película del grupo) y me gusta ese punto oscuro de Los caballeros de la mesa cuadrada (y sus locos seguidores). Eso no quita que sea una comedia sensacional con momentos para la historia (los romanos, ¿qué han hecho los romanos por nosotros?). Pero lo más grande de todo es como un grupo de cómicos para la historia lograron hacer un final tan rotundo que debería ser estudiado en cualquier academia de cine.

Hay que recordar que los Monthy Python tenían un excelente gusto por la música. Recomiendo cualquier disco recopilatorio del grupo. No sólo tienen letras mordaces y definitivas sino que los arreglos están a la altura de cualquier grupo de moda. En eso tiene mucha parte de culpa Eric Idle, autor y compositor de la canción que tiene la culpa de este post, Always Look on the Bright Side of Life. Idle puso su gran talento al servicio de un final necesario para este mundo en el que vivimos. Aunque vivas en una sociedad injusta, horrible y violenta (el Imperio Romano no es tan distinto al nuestro...) debes mirar el lado positivo de la vida. Si no, ¿para qué vivir? Y si te lo dicen unas personas tan inteligentes como los Monty Python, lo hacen al ritmo de una canción tan adictiva y crean el (quizás) mejor final de la historia del cine...¿habrá que hacerles caso, no?

Un último detalle. Un apuesta. A ver quién pone el video y no se resiste a repetirlo una vez, otra vez, otra vez más...

4

Revelaciones de cine: Cécile De France (Una casa de locos). Y comenzó la conquista de Francia...



Siempre es una alegría encontrarse en televisión con Una casa de locos. A pesar de ser la versión doblada, a pesar de la vulgar traducción de su titulo (Una casa de locos = L’auberge espagnole...¿?) Me consta que en Elche (ciudad con mucho estudiante compartiendo piso) fue muy seguida cuando la emitieron en La 2 hace unos días.

Verla por televisión me recuerda cuando la vi hace años en cine. Rodeado de gente joven, en los cines Astoria de Alicante. ¿Hay algo más cool? Pero me recuerda a como le puse el ojo a una actriz que tenía un pequeño papel. No, no es Audrey Tatou. A pesar de que, en parte, se vendiera la película como una película de una Tatou post-Amélie. La estrella de la función para mi fue Cécile De France.

Me fascinó en su papel de amiga lesbiana del protagonista Romain Duris. Por cierto, por mucha mujer casada que se ligue Duris es un pavo toda la película. Pero De France en su papel de Isabelle sabía como ponerle en su sitio y enseñarle un par de cosas sobre la vida. La escena donde le enseña a ligarse a una mujer queda en la antología del reciente cine francés. Cuando salí del cine me sentí como un bicho raro porque de todo lo que cuenta Una casa de locos me quedé con el rol de esa larguirucha (y bellísima) actriz belga.

Hasta que la Academia de Cine Francés decidió apoyar mi punto de vista. Nominó al César a Cécile por su rol en Una casa de locos como mejor actriz revelación (si, los franceses también tienen esa chorrada categoría) . De France ganó y con la estatuilla urdió un plan, irse a la conquista de Francia. Y ganó la guerra de pleno. Encadenó películas (Las muñecas rusas, Alta tensión, Quand j’etais chanteur...), combinó papeles de drama con cómicos y sobretodo acumuló nominaciones y premios. Premio a la mejor actriz en Sitges por Alta tensión, César a la mejor actriz de reparto por Las muñecas rusas, ¡doble nominación en 2007 al César a la mejor actriz por Quand j’etais chanteur y Fauteuils d'orchestre!...

La conquista llegó a su fin y De France ya es una de las primeras (y mejores) actrices del cine francés. Aunque yo siempre me quedaré cuando se me reveló en Una casa de locos con esa clase de seducción gratuita que le daba a Romain Duris.


2

El crimen real

- Gomorra - (Matteo Garrone, 2008)




Uno de los muchos méritos que tenía Los Soprano es que hacía que sus protagonistas (criminales y asesinos) te cayeran bien. Después de algunos capítulos te daban ganas de ir a tomarte un café con Tony Soprano (aunque sabias que te podía romper las piernas). El mérito de Gomorra es el contrario. Aquí no hay glamour, ni encanto. No están Marlon Brando, ni Robert De Niro, ni Al Pacino... Esta mafia no te puede caer ni minímamente bien porque es absolutamente real. Tanto que duele una barbaridad.

Gomorra no es una película al uso. Ni siquiera es una película. Es más bien un documental sobre como actúa la mafia italiana también conocida como la Camorra. Y la película cumple lo que promete. Italia es un país maravilloso, con una historia increíble y un bagaje cultural inmenso. Pero también es una país caduco y que, a veces, no sabe donde va. Y esto lo muestra Gomorra. Italia se nutre de la corrupción y la violencia asumiendo que es algo suyo. Tanto como lo puede ser la Torre de Pisa o la Fontana de Trevi. Por eso se dice en la película la frase: “Nosotros (la mafia) resolvemos los problemas que otros crean”

No es Gomorra una película ni exhibicionista, ni gustosa de efectos de artificio. Hay mucha menos violencia de la que uno puede esperarse. Porque la violencia de la mafia va más allá de los asesinatos o palizas. Está en la corrupción y en el clima irrespirable que hay en Nápoles. Matteo Garrone no necesita usar trucos para mostrarnos la basura que diariamente trae la Camorra. Sólo tiene que encender la cámara y mostrárnoslas. Y entre tanta desesperanza está la escena menos realista pero más emocionante del film. Cuando un personaje le dice a uno de estos mafiosos que él no puede participar de esa basura. La razón es sencilla. Él es mejor que estos criminales. Desgraciadamente sólo un personaje dice esto en Gomorra. Vamos, como en la vida real.

. Una Camorra sin maquillaje (Carlos Boyero, El País.es)
. Más cerca de Rossellini que de "Los Soprano" (David Cacho, Grupo Salvaje.es)
. La otra Italia (Sergi Sánchez, Canal TCM.com)
1

Música de cine: B.S.O. Un niño grande (About a boy) / Badly Drawn Boy. Gran banda sonora, excepcional disco



A pesar de su espantoso final siempre he sentido bastante simpatía por Un niño grande (About a boy). Bien escrita e interpretada (debe ser así si sale Toni Collette) es una comedia muy bien llevada y con un punto de amargura interesante. Pero mi simpatía también viene por una cosa a la que no le di la importancia que tenía cuando vi el film. Su excepcional banda sonora realizada por Badly Drawn Boy. Esta no es una B.S.O. al uso ya que Damon Cough (Badly Drawn Boy) hace un disco puramente british pop, olvidándose de las típicas bandas sonoras. Son canciones (la mayoría de ellas con letra) brillantísimas que valen para acompañar el viaje de "esa isla" que es Hugh Grant o para escuchar por separado en tu casa o en un bar. Un maravilla pop.


6

¿Con quién ha empatado Eva Mendes?



Si un domingo me gasto 2’20 euros en comprarme el periódico y el suplemento es porque espero algo. Un reportaje interesante, una entrevista con alguien que merezca la pena...Por eso cuando he visto que la portada del suplemento de El País Semanal estaba dedicada a Eva Mendes, una pregunta ha asaltado mi mente. ¿Por qué?

Si Mendes ocupa la portada del suplemento dominical del periódico más vendido de España será porque es alguien “más o menos importante”. ¿Lo es? Veamos su carrera. Hitch: Especialista en ligues, A contrarreloj, Ghost Rider, The women... Ni fu ni fa. Y en todas ellas no ha demostrado ser una gran actriz, precisamente. Puedo hacer un ejercicio de fé y leer el reportaje que ha escrito Eugenia de la Torriente. Pero no hay nada en él. Toda una serie de topicazos sobre actrices latinas. Además la crónica de la vida y carrera de Mendes no tiene nada interesante. Eso si, unas declaraciones explosivas :

"Quise ser monja hasta que a los nueve años supe que no se ganaba dinero"

"Los chicos rompían conmigo porque era demasiado cariñosa. Ahora sé jugar mejor"

"Tuve mi primer novio a los 16 y duró más de un año. Solía sacar muy buenas notas, pero a partir de ese momento dejé de prestar atención a los estudios"

Eso si el reportaje tiene una cosa interesante. Las fotos, que destacan más que el texto. Y huelga decir que Mendes sale con escasa ropa. Eso siempre se agradece pero, ¿tengo que pagar 2’20 euros por ver a Eva Mendes con poca ropa?. Algo que se puede hacer desde casa mediante Internet. ¿Merece tanto interés la figura de Eva Mendes? Ahora sólo falta que EPS le dediqué su portada de la semana que viene a Megan Fox.

Unas páginas antes había una interesante entrevista con Lou Reed. Pero tenemos menos fotos. Está claro que Lou Reed es menos importante que Eva Mendes. Por razones obvias.
6

Joyas a reivindicar: Munich. La obra maestra de Spielberg que no se debe olvidar



Vale, lo acepto. Munich no es una “joya a descubrir”. Tuvo buenas críticas, una taquilla aceptable y cinco nominaciones a los Oscars. Además, desde su estreno es un film alabado por varias personas. Pero también hay otras verdades. No ganó ningún Oscar y hubo cierta displicencia en el trato hacia ella. Una especie de “vale Steven te has puesto serio esta vez y no está mal. Pero ahora ponte a trabajar en algo más de tu estilo”. En resumen, olvidémonos de Munich. Y eso no debe pasar nunca. Porque estamos quizá ante la mejor película de Steven Spielberg (que conste que quizá está en negrita)

Munich es cruda, osada y directa. No hay zarandajas, ni desvíos. Spielberg decide hacer una película con todas las de la ley, cogiendo todo lo bueno de su cine (menos David Fincher, nadie rueda como él) pero obviando todo lo malo. O sea sus famosas trampas. Porque Munich no es la La lista de Schindler. No hay niñas con abrigos rojos en una película en blanco y negro. No hay finales dudosos. El viaje al infierno de los cuatro asesinos que matan a asesinos es real. Y la violencia es real. ¿Desagradable? Bastante, pero el terrorismo lo es. El ataque del Mossad en Beirut, el asesinato de (mi adorada) Marie Joseé-Croze, la metódica narración de los asesinatos de los deportistas israelíes... Spielberg viaja junto con Eric Bana, Ciarán Hinds, Daniel Craig, Mathieu Kassovitz y Hanns Zischler en su viaje. Pero lo hace al lado, donde no se pueden hacer trucos de efecto. Por cierto, ¿cómo puede ser que Bana y Hinds no tuvieran una campaña para optar a los oscars de mejor actor principal y de reparto, respectivamente?

Munich habla del terrorismo. El palestino, el vasco, el israelí, el estadounidense... Observamos un bucle inacabable de horror. Como la misión de los protagonistas que va más allá de los objetivos y se mete en sus casas. Quizá esa claridad para hablar del GRAN TEMA, hizo que muchos se asustaran.

Me gustaría que Munich no fuera una nueva El imperio del sol. Es decir una obra grandiosa tapada por películas menores (pero más exitosas) del bueno de Spielberg. Aunque sea un viaje duro acompañad a estos hombres en su camino. Y luego hablad de Munich, que no se quede olvidada en la memoria.

PD. Que conste que me gusta La Lista de Schlinder. Sólo pienso que está algo sobrevalorada.
4

Series de cine: Colombo. Lucha de clases policíaca



Puede chocar hablar de Colombo aquí. No pertenece a esta maravillosa generación de series adultas e inteligentes (Los Soprano, El ala oeste de la Casa Blanca, Dexter...) que disfrutamos actualmente. Pertenece a una época de series sólidas y profesionales que pululaban por la televisión norteamericana en los años 70. Pero Colombo siempre me fascinó porque era mucho más de lo que en un principio ofrecía (una típica serie policíaca).

El argumento de cada capítulo era siempre el mismo. Un personaje elabora un plan para realizar el crimen perfecto. Tras realizarlo se queda libre de sospechas...hasta que llega el Teniente Colombo. Para resolver el caso nuestro protagonista se hace amigo del criminal...para investigar el crimen junto a él. A partir de ahí comienza un tira y afloja entre el criminal (que intenta encubrir lo que ha hecho) y Colombo (que intenta resolverlo). Al final, como no, Colombo resuelve el caso gracias a un giro inesperado. Bueno, pues aquí tenemos el argumento que se repetía absolutamente en TODOS los episodios.

Pero si rascamos Colombo podía ser algo más. El criminal siempre era un personaje de clase alta (económica y cultural) que bajo su prepotencia organizaba un crimen perfecto. Generalmente para mantener ese estatus. Por otro lado tenemos al bueno. Un policia de clase media que a pesar de resolver cientos de casos no tiene dinero ni para comprarse una gabardina decente. Durante el capítulo (de larga duración) vemos una autentica lucha de clases dialéctica e inteligente, en donde la clase alta (el criminal) lucha contra la clase media (la justicia).

Hay cientos de razones por las que recomendar Colombo. El carisma que desprendía Peter Falk, sus excelentes guiones, los maravillosos villanos (Patrick McGoohan, John Cassavetes, Dick Van Dyke...). Aunque puede ser que haya gente que le parezca una serie aburrida y repetitiva. Pero me remito al chiste que escribieron los grandes Albert Monteys y Manel Fontdevila en ese icono que es la tira cómica: Para ti, que eres joven

- ¿Te gusta Colombo? Pero, si siempre es igual.
- Lo sé. ¡Y qué no se le ocurra cambiar!
5

Infravalorados/as de cine: Peter Sarsgaard. Inquietante presencia



Peter Sarsgaard está ahí. Parece que no, pero en cada escena este actor tiene la habilidad de adueñarse de la escena y comerse a sus compañeros de reparto. Y hacerlo de forma sibilina, sin que nadie se de cuenta. Es una presencia inquietante en las películas donde aparece. Y quizá no debería ser así. No es alguien que pueda tener un físico o una cara que sobresalga. Pero si tiene una cosa. Una mirada que generalmente hace que pienses que oculta algo, que es un personaje con doble fondo. Y por eso nos fijamos en él.

Corría la carrera de Sarsgaard de manera bastante corriente. Sin sobresaltos, con poca gente dándole la importancia que se merecía. Y llegó la estupenda película El precio de la verdad y entonces Sarsgaard vio la oportunidad. La víctima era propicia, el jedi Hayden Christenen que protagonizaba (y muy bien, por cierto) el film. Con todas las miradas puestas en el bueno de Hayden, Sarsgaard vio la oprtunidad para tirarse al cuello del joven actor y comérselo vivo. Y así fue. La trama de El precio de la verdad es apasionante. Cuenta la historia de Stephen Glass (que interpreta Hayden Christensen) un redactor de la prestigiosa revista The New Republic que fue acusado de inventarse los reportajes que hacía. Pero el verdadero de interés no lo tiene este personaje sino de el del redactor jefe, que interpreta Peter Sarsgaard. Es el encargado de descubrir la manipulación de Glass por muchos encontronazos que encuentre en el camino. No hay que decir que los minutos que sale Sarsgaard valen para comerse la película. Es el verdadero motor y punto de interés de El precio de la verdad.


Nuestro actor infravalorado se llevo varios premios o nominaciones a la categoría de mejor actor de reparto (Boston Society Film Critics Awards, Indepent Spirit Awards, San Francisco Films Critics Circle, Globo de Oro...). La nominación al Oscar de ese año parecía un hecho. Pero, incomprensiblemente, no fue así y Sarsgaard no estuvo entre los cinco finalistas. Pero el daño ya estaba medio hecho. La presencia inquietante estaba allí y ya tenía nombre. Por ejemplo, en una película tan irregular como Plan de vuelo: Desaparecida volvía a dejar su sello. Jodie Foster nos importaba un pimiento, queriamos saber más de ese villano que hacía Sarsgaard y que daba miedo con sólo mirar.

Ahora el cine norteamericano debe plantearse una cosa. ¿Quiere permitir que Peter Sarsgaard sea un actor eternamente infravalorado y que se dedique a comerse a sus compañeros de reparto? Lo más justo sería colocarle en el sitio que se merece. El de un actor que puede transmitir miles de cosas sólo con la mirada.
0

Cortometrajes de cine: La cafetera. Afcorn antes de conocer a Epi y Blas



Una de las cosas que recuerdo de mi primo Alejandro , para el resto del mundo Afcorn, es cuando él y mi hermano doblaban culebrones sudamericanos en casa. El plan era el siguiente, coger el culebrón de moda (en ese caso Los ricos también lloran), bajar el volumen de la televisión y poner las voces en plan “divertido”. El ejemplo más claro es el Mundo Viejuno o Retrospecter que hace el grupo de Muchachada Nui (o anteriormente La hora chanante). Vamos, que Alejandro se adelantó a su tiempo. Recordando esas imágenes pienso que quien hace eso puede ser un chorra que sólo quiere divertirse o alguien que tiene mucho talento dentro de él. Resultó ser lo segundo.

Pasó el tiempo y llegaron tres palabras claves Epi, Blas y Primavera Sound. Afcorn dobló un video (divertidísimo) en donde Epi y Blas hablaban sobre el festival de música Primavera Sound. Se colgó en YouTube y la magia de Internet hizo el resto. El video tuvo (y tiene) muchísimas visitas, llama la atención del festival (uno de los más importantes del mundo)...y el nombre de Alejandro Fernández Cornejo comienza a hacerse popular. Cejacas y cabeza mandarina se convierten en palabras que van pasando de internauta en internauta. El soberbio video es el que tenéis aquí abajo:



A partir de ahí comienza la verdadera historia. Otros festivales comienzan a llamarle para que le hagan la promoción como el Sonorama, trabaja para Canal Plus, artículo en El País, puesto de ejemplo en algunas clases sobre publicidad ... Y otro punto álgido, el spot (que todo el mundo habrá visto) de Fiat. Si, si, el de los pavos (¡no a la promoción! ¡no a la promoción!) Y para llegar al final hay que volver al principio. Al título del post, La cafetera. Hace poco hice limpieza de antiguos VHS. Tiré clásicos como L.A. Confidential o Carretera al infierno. Pero me quede con un video. El cortometraje La Cafetera. Este corto lo rodó Alejandro en su época de estudiante. Allí ya se ve el estilo Afcorn. Surrealismo manchego a cascoporro. Quizá en ese corto esté el principio de todo. Y quizá el VHS valga mucho dentro de un tiempo (escaso).

. Cortometraje La Cafetera (Dirigido por Alejandro Fernández Cornejo y Luis Alfaro)

Parte 1



Parte 2

8

Honestidad brutal

- Camino - (Javier Fesser, 2008)





Dos películas tan radicalmente distintas como Camino y Tropic Thunder tienen un rasgo común. Su absoluta y clara honestidad. Javier Fesser , como Ben Stiller , hacen su película de una manera clara y rotunda. Narrar una historia ,tan dolorosa como Camino, de una manera timorata y confusa no hubiera sido una película, hubiera sido una broma de mal gusto. Quien no quiera mirar que no mire pero se perderá una película excepcional.

Camino ha puesto nervioso a ciertos estamentos de la derecha y de la sociedad religiosa . Pero que no teman, la película de Javier Fesser no pone en duda a la Iglesia o a la religión. El film habla con claridad (pero sin morbo gratuito) de la parte fanática e incomprensible del Opus Dei . Pero Fesser nunca se deja llevar por el camino fácil y opta por una mirada rigurosa. El Opus Dei es como es y Fesser sólo hace su trabajo. Mostrar como es. ¿Parecen una secta? Seamos honrados, ¿quién no cree que el Opus Dei no es en realidad una secta?

Camino es más que una película sobre la religión o el fanatismo. Es una película de personajes y personas. En resumen, es una película de actores. Mejor dicho, de actorazos. Porque Camino ofrece una de las mejores interpretaciones colectivas de los últimos años. Desde los personajes principales, como Nerea Camacho (que ya está haciendo un hueco en su habitación para el Goya a la mejor actriz revelación), Manuela Vellés (bordando el personaje más desagradable de la película), Mariano Venancio (que actor se está perdiendo el cine español), hasta los secundarios como Claudia Otero (que borda el único personaje cómico del film). Camino debería copar todas las nominaciones a los actores en los próximos Goya. Y luego, como no, está Carmen Elías.

Carmen Elías hace uno de los mejores personajes femeninos de la historia del cine español. Fesser y Elías podían haber compuesto un personaje caricaturesco y grotesco. Una especie de señorita Rottenmeyer imbuida por Dios. Pero Elías recrea, de manera sublime, a una madre sacrificada, buena y amorosa sólo que arrastrada por la locura del fanatismo. El personaje de Gloria se hace tan real, sin maniqueísmos ni tonterías, que hace que comprendas sus actitudes (aunque estés completamente en contra). Si Elías no gana el Goya a la mejor actriz protagonista es que el mundo del cine no va muy bien.

Mucha gente dará miles de razones para cargarse esta película. Es verdad, no es perfecta. Tiene alguna escena sobrante ( Manuela Vellés tocando la guitarra, alguna muerte innecesaria...). Sólo daré una para recomendar verla, disfrutarla y sufrirla. Camino es una de las películas más imprescindibles de los últimos años en el cine español.

PD. El jurado del último Festival de San Sebastián, tendrá que explicar algún día cómo pudo dejar fuera del palmarés una película tan excepcional como Camino.

. Diez razones para ver "Camino" (David Cacho, Grupo salvaje.es)

. Cómo afrontar la enfermedad de tu hija (Beatriz Maldivia, Blog de cine.com)

. Los monstruos imponen el "Camino" (Carlos Boyero, El País.es)

. Crítica Camino (Quim Casas, RedAragon.com)
1

Historia de cine: J.F.K.: caso abierto. Una experiencia imprescindible



Oliver Stone me lo ha vuelto a hacer. La otra noche encontré, recién empezada, la película JFK: caso abierto . Me prometí a mí mismo sólo ver cinco minutos. Por supuesto, flaqueé. Me tragué sus más de tres horas y, como siempre, sentí que la película no durara sesenta minutos más. Es lo que tiene este film de Stone, te agarra del estómago y mediante una especie de hipnosis te obliga a verla sin pestañear. Perderse un segundo es irte de este tsunami de puro cine que es JFK: caso abierto.

La historia es conocida. El presidente de Estados Unidos John Fitzgerald Kennedy fue asesinado por un francotirador, el 22 de noviembre de 1963, durante un viaje a Dallas. Una hora después del magnicidio era detenido Lee Harvey Oswald , que fue acusado de realizar los disparos cosa que él siempre negó. Dos días más tarde, mientras Oswald era trasladado, una persona (Jack Ruby ) logra matarlo. Una comisión del gobierno de los Estados Unidos (la famosa Comisión Warren ) investiga el caso y declara que Lee Harvey Oswald actuó solo y fue el culpable del asesinato de Kennedy. Algo tan sencillo que es simplemente falso. La realidad es que este asesinato es uno de los episodios más oscuros de la historia de Estados Unidos.

Generalmente, cuando se nombra la palabra “conspiración”, pensamos en una panda de lunáticos que se reúnen por la noche para hablar de teorías absurdas. El hecho es que mucha gente (muy respetables) piensa que el asesinato de Kennedy fue fruto de una conspiración en donde estaba incluido el propio gobierno de los Estados Unidos. Una de estas personas fue el fiscal de Nueva Orleans, Jim Garrison . Este hombre, alertado por todos los agujeros y dudas que dejaba la Comisión Warren, inició una investigación por su cuenta del atentado. Destapó y sacó a la luz enormes preguntas que dejaban claro que la versión oficial cojeaba por todos lados. Es más, Garrison se la jugó y habló claramente de un golpe de estado, donde participó la CIA, los aparatos militares y el propio gobierno estadounidense. ¿Razones? Para dar y tomar. Una sangrante. Kennedy había decidido retirar las tropas de Vietnam. Pero la guerra es uno de los grandes negocios económicos para el ente militar de los Estados Unidos. Kennedy podía hacerles perder mucho dinero sólo por conseguir...la paz.

JFK: caso abierto narra todo lo que fue la investigación, y posterior juicio, de Jim Garrison. La película es puro Oliver Stone. Montaje frenético, multitud de imágenes, de puntos de vista, mil informaciones nuevas a cada segundo, un discurso genial (y larguísimo) al final del film...una dosis pura de cine. Del de grandes quilates. Los detractores de JFK: caso abierto (y en general, de Oliver Stone) acusan a esta película de ser vacía. Nada más alejada de la realidad. Teorías conspiratorias aparte, esta es una película para la gente. Dice Jim Garrison (Kevin Costner , en quizá el mejor papel de su carrera): “Recordemos a los gobiernos que están por y para el pueblo”. Es una historia de denuncia, sobre como la gente hemos cedido tanta parcela de poder a nuestros gobernantes que éstos actúan con total impunidad. Estemos en un país occidental o del tercer mundo. Y es una película que tiene la virtud de darnos un toque de atención. Dice Donald Sutherland en una escena, sobre el atentado de Dallas: “El quién y el cómo no importan. Eso son juegos para el público. Pregúntese el porqué”. Si realmente nos lo preguntáramos, nos aterrarían las posibles respuestas.

JFK: caso abierto no será El apartamento, Sed de mal o El séptimo sello . Estará mal visto ponerla entre las películas importantes de tu vida. No me importa. La película de Oliver Stone me provoca todo un aluvión de sentimientos. Para mí, JFK: caso abierto no es una película. Es una experiencia vital.

. El asesinato de Kennedy (en español) (Antonio Moreno)
. Entrevista con Jim Garrison (en español) (Triunfo)

. Una escena clave (dividida en dos) de JFK: caso abierto. Diálogo entre Jim Garrison (Kevin Costner) y Mr. X (Donald Sutherland) (en español)



0

¡Malditos yankees idiotas!

- Quemar después de leer - (Joel y Ethan Coen, 2008)





Estados Unidos es un país extraño. Es el sitio que ha dado a gente como Orson Welles, J.D. Salinger o Howard Hawks. El lugar donde se puede concentrar la mejor cultura del mundo o con algunas de las ciudades más bellas del planeta (New York, por ejemplo). Es el mismo sitio donde un idealista como Barack Obama puede llegar a ser su presidente. Pero también es el país que ha reelegido a George W. Bush como su máximo mandatario, donde alguien como Sarah Palin puede llegar a tener altas cotas de poder o que mantiene la pena de muerte. O sea un espacio con grandes posibilidades que muchas veces se comporta de manera idiota. Puede ser que los Coen hayan querido reflejar esta idiotez en su Quemar después de leer. Unos personajes que teniendo muchas cosas a favor se complican la vida, simplemente por ser cortos de mira.

Y el mensaje llega. Pero esta estupidez de los personajes de los Coen no llega a ser redonda. Porque es una película de sólo noventa minutos que tarda en arrancar y cuando lo hace no llega a explotar del todo sus grandes posibilidades. Vamos, que los Coen se contagian de la estupidez de sus personajes.

Eso si, el film no aburre en ningún momento. Tiene ritmo y siempre están pasando cosas en la pantalla. Pero quizás se nota demasiado que esta es la película post-No es país para viejos . Se nota demasiado relax y apenas está la imagineria visual de los Coen. Eso si hay que destacar el buen trabajo de los actores. John Malkovich y George Clooney componen dos personajes brutalmente patéticos, que llegan a dar pena (los personajes, no los actores) en muchos momentos de la película. Brad Pitt tiene el reto de interpretar al más idiota de todos los idiotas. Y sale más que aprobado con un gran trabajo. Mención aparte merece Francesc McDormand . Sin ninguna duda ella es el alma de la película y la razón por la que ir a ver Quemar después de leer. Absurda, idiota, incoherente y maravillosa. McDormand tiene en esta película una nominación a la actriz de reparto aunque ya sabemos que la comedia no está bien vista por los académicos de Hollywood. Da la impresión que McDormand ha ido al rescate de la película de su marido, Joel Coen. Eso si es verdadero amor.

. Intento de efecto de bola de nieve (Beatriz Madivia, Blog de cine.com)
. La conjura de los necios (Sergi Sánchez, La Razón.es)
. La sequía también afecta a los grandes (Carlos Boyero, El País.es)
. "Quemar después de leer" o cómo lograr que Brad Pitt y George Clooney parezcan idiotas (Elena Mengual, El Mundo.es)